100 najboljših filmov vseh časov

Alejandro Jodorowsky Prullansky, slavni čilsko-francoski filmski režiser, pesnik, dramatik in glasbeni skladatelj, je nekoč dejal: 'Vedno sem mislil, da je kino od vseh umetnosti najbolj popolna umetnost.' Strinjam se. Na več načinov je kino dejansko združitev vseh drugih pomembnih oblik umetnosti: slikanja, pisanja in glasbe. Ni naključje, da je kino tudi najsodobnejša oblika umetnosti. Navsezadnje je bil za razvoj filma potreben razvoj drugih oblik umetnosti. Dejstvo, da ostaja najbolj priljubljena umetniška oblika skoraj od trenutka, ko je obstajala, vam pove tako svojo moč kot slabost: je lahko dostopen in zato bolj tržen.

S tem v mislih vam z veseljem predstavljam seznam The Cinemaholic's 100 najboljših filmov vseh časov . Preden začnete raziskovati naš seznam 100 najboljših filmov, ki smo jih kdajkoli posneli, še enkrat spomnimo, da seznami po svoji naravi niso nikoli popolni. Torej ne trdimo, da je to sveti gral s seznama absolutno najboljših filmov na svetu. Vendar vam lahko zagotovim, da je za sestavljanjem tega seznama potekalo veliko raziskav. Upoštevali so na tisoče filmskih naslovov in razpravljali o vsakem zadnjem izboru. Prepričan sem, da boste na seznamu našli veliko svojih najljubših filmov. Tudi mnogih mojih najljubših manjka! Toda namesto da bi bili zaradi tega razočarani, izkoristite to priložnost in si oglejte filme, ki jih niste videli. Kdo ve, morda boste na koncu odkrili svoje nove favorite (-e)!

100. Dežniki v Cherbourgu (1964)

Jacques Demy svojo romantično opero obarva z mehko, neizmerno prefinjenostjo, ki se zdi nekoliko hipsterska. Toda ta barva ni samo tista na stenah, oblačilih in dežnikih. Na licih je tudi nemogoče zaljubljeno deklico, ki prečka ulico, da pozdravi svojega ljubimca in njegovo odsotnost, ko v tančici zagledamo ta obraz, mlado dekle zdaj neko drugo nevesto. Barva je tudi v načinu, kako se ljudje pogovarjajo ali, natančneje, med seboj pojejo. Toda njihovi lirični pogovori se ne rimajo kot večina pesmi. Ko je vse, od ljubezenskih poklicev do skrbi glede denarja, prepleteno z nerazločljivo strastjo, vam ne bi koristilo, če bi se lovili na rimo ali razlog. Čeprav so film in vsa njegova melodična razkritja, podkrepljena z nezemeljsko glasbo Michela Legranda, srčno romantični, vse odločitve, ki jih sprejemajo naši liki, tako kot vse v življenju, odločno niso tako.

Za tako dolgočasno dobro zasnovan zaplet, ki je videl, da je osnova neštetih pop pesmi in milnic, je vsak kader dežnikov iz Cherbourga, ki je poln melanholije, privlačno svež, celo neznan. To lahko pripišete, kako resnična so čustva in kako iskreno je njihovo izražanje. Delujejo v tako skromni lestvici, kot to počnejo, 'Dežniki' pa vas uničijo z najmanjšimi odsevi. Obnemelo me je, kako močan bi lahko bil vpliv dveh praznih stolov, ki sta jih nekoč napolnila zaljubljenca. V Demyjevi ljubezni narejeni delikatesi koračamo v karnevalih, napolnjenih s trakovi in ​​konfeti, okrasimo božična drevesa in si obdarujemo, tako da vse svoje občutke pospravimo nekam v kotiček našega srca, kajti ne glede na to, kako težko je nekdo odsoten ali ne preteklost je pozabiti, vse kar lahko storimo je, da živimo v današnji domišljiji.

99. Trainspotting (1996)

Malo je težko razložiti cinephilov, kakršni smo mi, o fanatizmu 'Trainspotting'. Zgodilo se je nekoč, ko se je resničnost drog šele začela pogrezati. Človek bi rekel, da glamurira zlorabo drog in je do neke mere res. Dejstvo, ki je prišlo iz tega, je bil poskus Dannyja Boylea, da pokaže visoke in najnižje stopnje zlorabe mamil, ne da bi se postavil na nobeno stran. 'Trainspotting' je kultni film, ki govori o štirih prijateljih in njihovih poskusih z zasvojenostjo. Nezaslišano in bizarno sta edini dve besedi, ki ga opisujeta. Zasvojenec z mamili, ki hoče iti čisto, le da bi na vsakem koraku omahnil zaradi svoje najgloblje želje, da bi se povzpel. Film, ki je velikodušno predoziran s humorjem, poskuša dejstvo poudariti s popolno resnostjo: kljub razkošju, ki ga ponuja življenje, jih mladi zanikajo z veliko žarom. In razlogi? Razlogov ni. 'Kdo potrebuje razloge, ko imaš heroin?'

98. Diplomant (1967)

Ah, dnevi mladosti! Brezskrbno in veselo. Zabava napolnjena z ničesar brez skrbi. Brez skrbi za preteklost, ki je ostala, in brez skrbi za prihodnost, ki šele prihaja. Benjamin Braddock je to brezskrbno življenje vodil po končani fakulteti. In ko se je končno vrnil v svoj rodni kraj, je tam spoznal gospo Robinson. Plamen afere začne goreti. Življenje se zalomi, ko mladi Ben zmoti seks zaradi druženja. Ko postane zaljubljen v njeno hčerko, postane zavihan. Miselni film v komediji 'Diplomant' je eden najbolj smešnih filmov doslej. V njej igra Dustin Hoffman, v njej je ikonična vrstica - 'Gospa Robinson, me poskušate zapeljati?'

97. Dvojno življenje Veronique (1991)

Morda noben drug filmski ustvarjalec žensk ni razumel tako globoko v čustvenih globinah, kot jih je razumel Krzysztof Kieslowski. Moški jih je imel preprosto rad in jih je izkazoval s tako strastjo in intimnostjo, da se ne morete načuditi svoji surovi čustveni moči. 'Dvojno življenje Veronique' je morda le njegov največji umetniški dosežek. Film govori o ženski, ki začne čutiti, da ni sama in da del nje živi nekje na svetu v drugačni duši. Veronique in Weronika sta enaki ženski, ki se ne poznata, a imata med seboj skrivnostno intimno čustveno povezavo. Visoko stilizirana kinematografija Slawomirja Idziak naslika film z nežno melanholičnim občutkom, ki vas zavije in ne uspe izpustiti. Obstajajo občutki in čustva, ki jih resnično težko izrazimo z besedami, film pa oživi tiste nerazložljive občutke zamišljene žalosti in osamljenosti. 'Dvojno življenje Veronique' je osupljivo umetniško delo, ki prikazuje človeško dušo v vseh njenih čudovitih slabostih in nežnosti.

96. Cinema Paradiso (1988)

Številni ljudje gledajo na kino kot na popuščanje, zabavo, zabavo, ki v življenju nima nobenih posledic. Ampak jaz z vojsko gorečih cinephilov, ki me goreče podpirajo, lahko z absolutnim prepričanjem trdim, da je kino tako potrebno za življenje kot življenje za kino. In 'Cinema Paradiso' je čudovit, čeprav ironičen način, da poudarim svoje stališče. Uspešni filmski režiser Salvatore se nekega dne vrne domov, ko je vedel, da je Alfredo umrl, nato pa se vrne v svoje mesto na Sicilijo v petdesetih letih prejšnjega stoletja. Mladi in nagajivi Salvatore (z vzdevkom Toto) odkrije trajno ljubezen do filmov, ki ga zvabi v vaško filmsko hišo Cinema Paradiso, kjer je Alfredo projekcionist. Po fantu se mu fantu zdi očetovska figura, ko Tota natančno uči veščin, ki bi bile odskočna deska za njegov filmski uspeh.

Gledanje Tota in Alfreda s spoštovanjem razpravljata o kinu in videti Alfreda, ki daje klasične filmske citate, kako daje življenjske nasvete, je čisto veselje. Skozi Totovo zgodbo o polnoletnosti 'Cinema Paradiso' osvetljuje spremembe v italijanski kinematografiji in umirajočo tradicijo tradicionalnega snemanja, montaže in predvajanja, medtem ko raziskuje sanje mladega fanta, da zapusti svoje mestece, da bi odšel v zunanji svet. Eden najboljših 'filmov o filmih', kar jih je kdajkoli obstajal.

95. Eden je preletel kukavičje gnezdo (1975)

Ena redkih filmskih izkušenj, zaradi katere naenkrat začutite obilo čustev. Delno je smešno, v nekaterih vzneseno, v drugih pa naravnost razbito srce. Je tudi eden drugih redkih podvigov v poenostavljenem, učinkovitem pripovedovanju zgodb, pripovedovanju o Randleju McMurphyju, zločincu, ki se v upanju, da se bo izognil zaporu, ponaredi duševno bolan in zaradi norosti ne prizna krivde. Po prihodu v umobolnico se upira avtoritarni medicinski sestri Rached (ki jo igra jeklena Louise Fletcher) v klasičnem scenariju reda proti kaosu. Film ugotavlja, da res ni nikogar boljšega, ki bi igral junake z udarcem in šarmom v enaki meri kot sam Jack Nicholson, ki mu je prinesel zasluženo oskarjevo nagrado za nastop v filmu. Kar se začne kot trajen in prisrčen film, se po motečih prizorih, ki vključujejo samomor in elektrokonvulzivno terapijo bolnikov, stopnjuje do tragičnega, čeprav upanja. Film pa kljub temu nikoli ne prepušča pozornosti in patetike gledalcev za like na zaslonu, kar vzbuja pristna čustva in navijanja za človeški duh, ki izhaja tudi ob neuslišani avtoriteti.

94. Pyaasa (1957)

Gosta z idejami o družbenih spremembah in hudimi komentarji o sedanji zlobi in stigmah družbe, 'Pyaasa' ni samo predstavljala zlato dobo indijske kinematografije, ampak je bila tudi odraz samega indijskega meščana. To je film, ki ima prefinjeno lastnost, kjer vse drzne resnice in surove družbene resničnosti vrejo pod gladino in čakajo, da jih pozorno občinstvo razišče in ekstrapolira. ‘Pyaasa’ je brez razlogov brezčasna klasika. Tudi po 60 letih od izpusta ostaja aktualna v sodobnem času, ker Indijo še naprej pestijo iste družbene kletve - korupcija, mizoginija, materializem -, ki jih 'Pyaasa' neposredno ali posredno nagovarja.

93. Sodobni časi (1936)

'Moderni časi' je šaljiv film z močnim sporočilom. Ta slika, ki nosi Chaplinove zaščitne teme upanja in revščine, se osredotoča na škodljive učinke, ki jih imajo stroji in druge oblike tehnološkega napredka na preproste ljudi, tako da v središče pozornosti potegne tovarniškega delavca, čigar življenje gre skozi številne preobrate, ko poskuša spoprijeti z novim svetom. Čeprav je klofuta smešno smešna, je vse skupaj v posodi žalosti. 'Modern Times' uporablja pametne, prefinjene elemente, da vsake toliko časa postavi pomembna filozofska vprašanja. Vrhunec je eden najbolj dirljivih doslej, ki vključuje žalostno obliko sreče in brez pravega odgovora ali rešitve. Ta film je morda zelo napisano Chaplinovo delo in presenetljivo je, kako pomembne so ideje, predstavljene tukaj, še danes. Pot, ki jo je Moderni čas nedvomno opravil s preizkusom časa, je verjetno najboljši vidik tega kinematografskega zmagoslavja.

92. Tanka rdeča črta (1998)

Terrence Malick Vrnitev k snemanju filmov iz 20-letne prekinitve je zaznamovala ta čudovito osupljiva vojna drama, ki raziskuje ne vojno, ampak čustva vojne. Film je resnično malikanovske narave, večji poudarek je na vizualnih delih kot na zgodbi, kar vam omogoča, da uživate v njegovih izkušnjah. Genij filma se skriva v Malickovi viziji videti lepoto v nečem tako temnem in krvavem, kot je vojna. Absolutni genij potrebuje, da nekaj tako brutalnega in krvavega, kot je vojna, spremenite v tako hipnotično izkušnjo, ki presega vojno resničnost in vam omogoča, da uživate v čustvih njenih likov. To je tako imerzivna izkušnja, ki zahteva, da začutite ljudi za pištolami in bombami. To so uničene duše, tako kot mi, ki hrepenijo po občutljivem dotiku, pogrešajo toplino dihanja svojih ljubimcev in žena, hkrati pa se morajo spoprijeti z najgršo resničnostjo, ki je daleč od njih. 'Tanka rdeča črta' je preprosto izkušnja, kakršne ni nobena druga; takšno, ki jo je treba videti, začutiti in razmisliti o njej.

91. Blade Runner (1982)

Final Cut filma Ridleyja Scotta 'Blade Runner', verjamem, da je največji distopični film, kdajkoli posnet. Čeprav je Metropolis sporna izbira, je treba upoštevati nepristne vizualne elemente, povezane z nemškim ekspresionističnim kinom. 'Blade Runner' pa je več kot popoln pri izgradnji sveta, ki trpi zaradi finančne neenakosti, razcveta prebivalstva, pomanjkanja česar koli naravnega, saj tu ni mogoče zaupati niti mesu. Utripajoča osvetlitev je kontekstualno naravna, saj gre za elektronski svet, Jordan Cronenweth pa jo uporablja podobno kot pri vsakdanjih svetlečih predmetih v filmu noir. Čeprav morda ne bo postavljal tako daljnosežnih vprašanj kot 'Vesoljska odiseja', se pa sprašujemo, ali 'androidi res sanjajo o električnih ovcah'.

90. Fargo (1996)

Nasilni, smešni, topli in brutalno intenzivni film 'Fargo' je eden najboljših ameriških filmov 90-ih in ena največjih kriminalnih dram, ki so jih kdajkoli posneli. Film govori o moškem, ki najame dva moška, ​​da ugrabita ženo in izsilita denar svojega bogatega tasta. Briljantna uporaba temnega humorja bratov Coen prežema film z zrakom topline, ki daje filmu zelo značilen ton. Zaradi te mojstrske mešanice komedije, drame in nasilja je 'Fargo' tako nepozabno kinematografsko doživetje. Ta čudovit začetni posnetek snežne Minnesote, ki ga čudovito dopolnjuje strašljiva partitura, da ton filmu in vzpostavi občutek globoke žalosti, ki leži pod nasiljem in humorjem, v katerem je zasut film. Frances McDormand je očitno zvezda filma in ukrade oddajo, upodablja nosečo šefico policije, ujeto v svet zla in brutalnosti, vendar uspe najti svetlobo in upanje. 'Fargo' je čustveno surov, brutalno intenziven, prisrčno smešen in boleče realen kos čistega kovičnega kina.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' je učbeniški pripravek o atmosferski grozoti. Ta film, ki pripoveduje zgodbo o človeku s čudnimi lasmi, ki si poskuša sam ustvariti nekakšno družino, z vsako minuto bolj postane nadrealistična nočna mora. Z uporabo zvoka in bližnjih posnetkov, ki ponujajo občutek klavstrofobičnega strahu in to uskladijo s fabulo, ki je ob prvi uri malo smiselna, se izkaže, da je prvenec Davida Lyncha eden najboljših mojstrskega režiserja, kar je že samo pohvalo. Kar počne 'Eraserhead', je ustvariti distopični svet - raztresen z grdimi zgradbami in mehanskimi napravami, potopljenimi v hudobne črno-bele - in vanj vrgel like, ki jih okolica bolj ali manj zmede. Čeprav je ugotoviti, da je 'pomen' te slike skoraj nemogoč, se moramo zavedati, da to nikoli ni namen. 'Eraserhead' v glavah svoje publike postavi občutek popolnega nelagodja, tako s svojo vizualnostjo kot nadrealističnim slogom, in najde način, kako manipulirati z njihovimi mislimi. Le peščica slik je tako lepo strukturiranih, a nedvomno grozeča kot ta, in to je nekaj, kar bi lahko izpeljal le nekdo, kot je Lynch.

88. Fantovščina (2014)

'Fantovščina' je prijeten opomin na pretekla leta neomejenega veselja, neomajnega optimizma in brbotajoče nedolžnosti. Zanaša se na pridobivanje lepote, veselja in čustev iz običajnega življenja ljudi in ne iz kakršnega koli okrepljenega dramskega dejanja (kruh in maslo za večino filmov). Fascinantno je videti, kako se od prizorišča do prizora ne spreminjajo le telesnost likov, temveč boste opazili tudi preobrazbo njihove mode, frizure, okusa v glasbi in na splošno pogledov na življenje. 'Boyhood' na način, ki ga počne le malo filmov, presega meje kinematografije in postane majhen del našega lastnega obstoja in izkušenj. Linklater nas spet opomni, zakaj je najboljši v poslu, ko govori o preprostih zgodbah o običajnih ljudeh.

87. Dnevi nebes (1978)

Razvoj Terrencea Malicka v popolnoma nadzorovanega, avtoritativnega kinematografskega vizionarja je ena največjih stvari, ki so se kdaj zgodile ameriški kinematografiji. Iz njegovih zgodnjih del je razvidno, da je obupno želel skočiti iz običajnih meja kinematografije. Filmi, kot sta 'Badlands' in 'Days of Heaven', so imeli na videz neposredne pripovedi, a to so bili filmi, ki so poskušali biti nekaj več. Nekaj ​​več kot le zgodba. Izkušnja. 'Nebesni dnevi' to dosežejo bolj sijajno kot 'Badlands'. Mnogi so film pogosto kritizirali zaradi njegove šibke zgodbe. Ne bi mogel reči, da se popolnoma motijo, vendar zgodba vseeno ni najpomembnejši vidik filma. Malick pri tem uporablja vizualnost kinematografije, ki bolj poudarja razpoloženje zgodbe kot zgodbo samo. Njegov namen ni narediti vas čustvenega z uporabo stiske likov, ampak vam omogoča, da jih opazujete, začutite lepoto pokrajine in vonj njenega kraja. In izdelati takšno vizualno ganljivo izkušnjo ni nič drugega kot čudež.

86. Grob kresnic (1988)

Potresen, ganljiv film, ki je enakovreden v vseh pogledih, drugi akcijski filmi v živo pa poudarjajo vojni plen. Ta japonski animirani film se je osredotočil na grozote druge svetovne vojne, tako da se je osredotočil na življenje bratov in sester, zlomil mi je srce na način, kot mu še ni uspelo nobenemu filmu, in še vedno drl po koščkih do konca. Ker je vojni film, dela čudeže tudi na človeški fronti, lepo uresničuje in razvija nežen odnos med Seito in Setsuko ob stiski, ki je bila druga svetovna vojna. Sporočilo je glasno in jasno. Nobena vojna ni resnično zmagana, vso slavo, ki jo prinašajo zmage, pa spremljajo tudi kriki nedolžnih življenj, uničenih v vojni. Pohvalil bi film, ker ni bil odkrito čustveno manipulativen in nas ni spravljal v korenine za njegove like; a da ne bo pomote, njegovo močno in brezkompromisno stališče do vojne in travestij, ki jih je opravil brat in sestra, vas bo spustilo v jokajočo zmešnjavo. TAKO žalostno je. Kot rečeno, drugače je ne bi mogel. Je popolnost v najbolj srčni obliki.

85. Manhattan (1979)

Romanca v filmih Woodyja Allena se je vedno zdela boleče resnična in depresivno realistična kljub slastno grozljivemu smislu za humor, s katerim jih zavija. Medtem ko 'Annie Hall' ostaja njegov najbolj drzen film, 'Manhattan' umetniško nastopa kot bolj dozorelo delo. V filmu je Allen igral dolgočasnega, zmedenega Newyorčana, pred kratkim se je ločil, hodil je s srednjo šolarko, vendar se je na koncu zaljubil v ljubico svojega najboljšega prijatelja. Allen je nekoliko ublažil humor za ta film, da bi resnično začutil, kako žalost zajema njegove like, zaradi česar je čustveno izčrpavajoča izkušnja. To je le globoko močan portret zaletavih odnosov in pomanjkljivih človeških bitij, ki se borijo s seboj in svojim obstojem, obupno iščejo srečo, ki je ne bi nikoli prepoznali in dosegli. In prav to sladko občutljivo, grozljivo spoznanje človeškega stanja naredi 'Manhattan' tako močan film.

84. Marketa Lazarova (1967)

Marketa Lazarová, netelesna sanjska pokrajina češke ikone Franti & scaron; ek Vláčil, je preprosto eno najbolj neverjetnih umetniških del, ki je prišlo med dvajsetimi^thStoletje. Njegov avantgardni pristop k kinematografskemu jeziku komajda ustreza mejam tega pogosto prekletega preobrata besed, saj gre za nekaj več. Osupljiva mešanica vida in zvoka, ki je ni omejena s konvencijami, strukturo ali katerim koli pisnim pravilom, so razuzdani kinoloski znanstveniki v teh letih udarili po filmski obliki. Za primerjavo, vse ostalo je videti tako strogo nadzorovano - tako nenaravno in izmišljeno pri izvedbi. Marketa Lazarová je surova, visceralna in presenetljivo dinamična. Skratka: to je prost - pravi vrhunec možnosti raziskovanja vsakega centimetra kinematografskega medija. Za to sodi med največje filme, ki so jih kdajkoli posneli.

83. Singin ’In The Rain (1952)

Singin ’In The Rain je najbolj opredeljujoč muzikal zlate dobe Hollywooda. Nemogoče je pozabiti podobo Genea Kellyja, ki pleše ob ulični svetilki, ko govorimo o sijajnih trenutkih v kinu. Film ne samo čudovito slavi lastno znanje, temveč tudi prehod kina iz vizualnega medija v odmeven in spodbuden. Kritiki in občinstvo so Kellyjev monumentalni dosežek v kinematografiji Technicolor v začetku zabavno zavrgli. Verjamem, da je pomembnost te klasike iz dneva v dan močnejša, saj se razlika med časovnimi obdobji, ki jih zajema film (resnično in kolutno življenje), in sedanjostjo vedno bolj povečuje. Izgubljamo stik s pomembno dobo in ta film vas roji s svojo nostalgijo.

82. Ne glej zdaj (1973)

Zelo težko je najti vizualni umetniški izdelek, ki je tako hipnotičen kot Nicolas Roeg 'Ne glej zdaj'. V mnogih pogledih je ta mojstrovina podobna strašnemu palčku na koncu. Lepo je oblečen v ekstatično obarvanost, vendar vsebuje najhujši del življenja: smrt. Ne glede na to, kako učinkovit je lik Sutherlanda, verjamem, da gre za film, ki ga poganja čustva, saj Roeg zasledovanje izgubljene ljubezni postavlja nad prepričljivo zgodbo. Gotska podlaga je zelo močna naprava za vzklik o pomembnosti vezi, na katero se opira, vez očetovske in družinske ljubezni, pa tudi za nejasno obliko duhov, ki preganjajo glavnega junaka. 'Nekateri kraji so podobni ljudem, nekateri sijejo, drugi pa ne.'

81. Fight Club (1999)

Vsake toliko časa pride kakšen umetniški del, ki določa psiho generacije. Kar se tiče kinematografije, so imeli v 50-ih 'Upornik brez razloga', v 60-ih 'Diplomant' in v 70-ih 'Ameriški grafiti'. In celo dve desetletji kasneje se 'Fight Club' kot rokavico prilega začutnemu, nezadovoljnemu, proti ustanovnemu etosu naše generacije. Tako kot toliko odličnih filmov je tudi 'Fight Club' zelo razdiral in ga je mogoče filozofsko interpretirati na različne načine - nekateri menijo, da opredeljujejo sodobno moškost, drugi pa mislijo, da poveličuje nasilje in nihilizem.

V bistvu triler, film iz POV pripoveduje o neimenovanem protagonistu, ki trpi zaradi nespečnosti in je nezadovoljen s svojo monotono službo, ki križa poti z naglim izdelovalcem mila po imenu Tyler Durden. Durden in protagonist kmalu začneta podzemni 'Fight Club' kot način, kako nezadovoljni člani društva oddajo jezo. Toda kmalu Tylerjevi načrti in pripovedovalčevi odnosi izmikajo njegov nadzor, kar vodi do eksplozivnega vrhunca (dobesedno!)

Poleg boja hudiča, ki ga širi, je 'Fight Club' tudi znak neke as smer sodobne legende Davida Fincherja. Mračna barvna paleta, ostra montaža in gladka kamera so po filmu navdihnili hordo temnih trilerjev. Prelomni film iz devetdesetih let.

80. Pred sončnim zahodom (2004)

Tu je resnica o človeškem razvoju, ki vam je nihče ne bo povedal: Človeštvo bo kmalu izgubilo umetnost pogovora. Tehnološki napredek ima velik stranski učinek: ljudje se vedno manj zanimajo za pravi pogovor - ker imajo tehnologijo, za katero se skrivajo. In ravno zato bo serija Pred obstajala še naslednja desetletja. Serija filmov, ki govorijo o dveh ljudeh, ki se resnično pogovarjata, je redkost tudi za to generacijo. V prihodnosti takšni filmi sploh ne bodo posneti. Zato se bodo prihodnje generacije na trilogijo Before v strahu ozirale nazaj. In ne bom presenečen, če bo trilogija zaslužila svoje mesto ne samo v filmski zgodovini, temveč tudi v knjižnici vsake filmske šole.

Med tremi filmi Pred izstopa film 'Pred sončnim zahodom', ker je najbolj srhljivo lep. Film, ki že sam po sebi govori o najmočnejši človeški želji: želji, da bi bil z nekom, s katerim bi lahko preživel preostanek svojega življenja. Če dobro pogledate, 'Pred sončnim zahodom' na koncu postane ogledalo, s katerim lahko presodite svoje odnose: Kje ste se zmotili? Kdo je bil pravzaprav 'tisti' za vas? Katere priložnosti ste zamudili? Kaj bi lahko bilo? Je eden redkih redkih filmov, kjer bodo vaše izkušnje s filmom obogatile in nahranile vaše izkušnje s filmom.

79. Matrica (1999)

Genijalna, pametna ideja, ki so jo na zaslonu predstavili Wachowski, je privedla do filma, zaradi katerega so se mnogi gledalci previdno odzvali na resničnost, v kateri so se znašli. Res je, ko je nastala 'Matrica', poti nazaj ni bilo več, spremenila se je stvari. Ne samo, da je film v svoji zgodbi odkril nekoliko novo podlago, temveč je tudi revolucioniral način pojmovanja znanstvene fantastike in akcijskih filmov. Uspeh filma 'Matrica' ​​je tudi v tem, kako se mojstrsko poteguje med temami, vključno s filozofijo, eksistencializmom in celo religijo, ves čas pa je v preobleki akcije in znanstvenofantastičnega filma. Neoova zmožnost manipulacije s simulirano resničnostjo za izvedbo na videz nemogočih podvigov in uporaba 'bullet time', akcijske tehnike, ki je zdaj nič manj kot ikonična, prispeva k iznajdljivosti filma. Žanr je morda zdaj preveč, toda ko je izšel prvi, je varno trditi, da občinstvo česa takega ni videlo.

78. Sedma celina (1989)

Imenovanje filma 'Sedma celina' Michaela Hanekeja za grozljivko se mi zdi zelo napačno, toda tako se nanj sklicuje večina ljudi, ki so si ga ogledali. Težko se je prepirati z njimi, saj se zaradi ogleda tega filma človek počuti brezupno, potrto in prestrašeno. Klasika iz leta 1989, ki ima opraviti z družino, ki sovraži svet in življenje nasploh, zavzema hladno in oddaljeno držo, da še bolj izolira tri igralce od preostale družbe, zaradi česar se občinstvo počasi, a zanesljivo čuti do njih kot do svojih obstoj se temno obrne. Kot prvi moteči film, ki je kdaj okrasil srebrno platno, Hanekejev prvenec draži gledalca in ga nikoli ne pusti. Če mu občinstvo reče grozljivka, potem se to nanaša na strašljiv film, ki ni podoben nobenemu drugemu. Pokriti z dvoumnostjo in realizmom, Sedma celina je osebno, intimno in grozljivo pripovedovanje resnične zgodbe, ki vas pusti v tišini, saj vsaj nekaj minut po koncu ne morete izgovoriti niti ene besede.

77. Zodiak (2007)

'Zodiak' ni vaš običajni triler; je počasen in se bolj kot na zaplet osredotoča na razpoloženje in like. Obstaja aura, ki jo David Fincher gradi toliko, da lahko v kosteh začutite razpoloženje filma. Ni film, ki vas bo ob koncu končal. To je tudi film, kjer slabi zmaga, dobri izgubi. In zato je tako dober. Ne samo dobra, ampak sodobna mojstrovina. Ko vam film uspe dve uri in pol trzati in vas dneve pusti razmišljati, je moral imeti marsikaj v redu, česar rutinsko narejeni trilerji ne. Po mojem mnenju je 'Zodiak' najboljši Fincherjev film, kjer s svojo disciplino in obsegom spretnosti pokaže, zakaj včasih 'manj je več'.

76. Magnolija (1999)

'Magnolija' je nedvomno najbolj osebno delo Paula Thomasa Andersona. Histerična vibracija, ki jo Anderson vliva v film, v melodramo vnese neko čustveno pretočnost, ki je tako neverjetno zasvojenost in katarzična v svoji energiji. Film se v celoti odvija v dolini San Fernando z različnimi medsebojno povezanimi liki, ki preživijo različne faze svojega življenja in se spopadajo z lastnimi notranjimi demoni in čustvenimi konflikti. Anderson ima rad te ljudi, jih pozna in jih razume, vendar jih predstavlja kot neprimerne, kdo so; popolnoma gola človeška bitja, surova in čista, ki se soočajo in premagujejo svoje najgloblje strahove in slabosti. Zaradi 'Magnolije' je tako posebnost to, da gre za film, ki toliko pove o svojem filmskem ustvarjalcu. Pregledali smo Andersonovo življenje, kraj, ki mu pripada, in ljudi v njegovem življenju. Andersona je prav toliko v vsem filmu. Film, kot je 'Magnolia', če bi ga režiral kateri koli drug režiser, bi se zdel zastarel in se zdel precej podoben izdelku svojega časa, toda z Andersonom le še bolj pritegne film.

75. Rožmarinov dojenček (1968)

'Rožmarinov dojenček' je temno, zvito umetniško delo, ki se poigrava z nedolžnostjo, da bi ustvarilo občutek groze. Film ima opraviti z žensko, ki se med nosečnostjo srečuje z zapleti, zato ima s svojo zgodbo povsem novo pot, tako da ritualnim elementom omogoči glavno vlogo. O tem filmu je toliko ljubezni, začenši od dobro napisanih likov pa vse do oddaljenega okolja, ki obdaja vsak incident. V celotni sliki je vedno občutek napetosti, delno pa tudi po zaslugi tihe, dolgotrajne kinematografije, izvedene s tesnim režiserskim slogom Polanskega. Mia Farrow tukaj daje najboljši karierni nastop kot Rosemary Woodhouse, ženska, ki postane šibkejša, ko se spopada z bolečinami, ki so povezane z nošenjem otroka. Na splošno se vzdušju, ki ga zajema ta film, ujema le malo drugih, in način, kako se vam vpije v kožo, je res nekaj drugega.

74. Dobri, slabi in grdi (1966)

Privlačni liki, ki jih igrajo legendarni igralci, nebrzdana, brutalna strelska akcija, zasvojenost z glasbo in intenzivna kinematografija - tretji del Trilogije ‘Dolarji’, ki naj bi se rodil s špageti vesterni, je prizanesljiv, očarljiv in v najboljšem primeru zabaven kino. Blondie ali No Name (The Good), poklicni orožnik, in Tuco (The Ugly), iskani izobčenec, si ne želita zvestobe, ko vsak izvesta pomembno podrobnost o zalogi zlata, ki jo skriva ubežnik. ki naj bi ga Angel Eyes (The Bad), ubojnika, ubil. Potovanje tria tvori bistvo zakovice, ki se konča s klasičnim zahodnim pogledom. Clint Eastwood kot Blondie je podoba mačizma, Lee Van Cleef kot Angel Eyes je poosebljen zlo, Eli Wallach kot Tuco pa doda preprost, a bolj razkošen Good Vs Evil dejanja dveh večjih zvezd. Toda vajeti so za vedno režiser v rokah Sergia Leoneja - uporablja dolge posnetke in intenzivno kinematografijo od blizu, kot je potrebno, da ustvari napetost v postopkih. Žanrsko opredeljen film Quentin Tarantino, eden največjih predstavnikov sodobnega vesterna, nekoč imenovan 'Najbolje režiran film na svetu'.

73. Potujoči igralci (1975)

Predolgo je intimni, nežno sestavljeni ep Thea Angelopoulosa poznalo malo filmskih navdušencev, morda pa ga je cenilo še manj. Njegova veličastna, postopna postavitev kinematografskega spomenika našemu ezoteričnemu, skrivnostnemu odnosu s časom je razumljivo, ne za vsakogar. Toda za radovedneže med nami je znano, da zagotavlja tolažbo, daje modrost in darilo zaznavanju, ki pomaga pri iskanju konstant, na katerih se lahko držimo v tem univerzalno in surovo dinamičnem svetu. Med mnogimi stvarmi, ki jih ta film dobi prav, je njegovo nedotaknjeno dojemanje razodetj v pravljici o Orestu. Mitologija, povezana s tragično figuro, je ujeta z omamljajočo ponižnostjo, vendar nas film skozi svojo prožno vizijo prepelje do melanholičnega, dolgotrajnega pogleda na Grčijo sredi 20. stoletja. Njegova začasna eleganca opravičuje ogled zgodovine tako, da stoji ob skupini: od zunaj navznoter. Nagnjeni ste k temu, da zaznate njeno ostrost in razmislite o njenem nastanku. To je redka antifašistična zgodovina, ker nam nikoli ne pove, kaj naj si mislimo. Pokaže nam le, kaj čutiti. Angelopoulos in kinematograf Giorgos Arvanitis nas postavljata v kraje, ki nas ustavijo, in jih izpirata s uničujočo hudobnostjo tega obdobja. 'Potujoči igralci' je skromen, redek dragulj, ki se počuti, kot da je bil rešen z ulic obremenjenimi z nemiri in preživet zaradi lakote. Preprosteje si tega ne zaslužimo.

72. Predpomnilnik (2005)

Michael Haneke je pogosto obtožen, da se vedno ukvarja z mračnimi pripovedmi. Ta karakterizacija je popolnoma nepravična, ker v bistvu daje človeški vpogled v temo, ki nas vse obdaja, kako naše napačne predstave vodijo v mučno izolacijo in kako naše blodnje zmanjšujejo možnosti za premagovanje omenjene izolacije. 'Caché' ni le ogromen, strašen dokument, ki kaže na hudobnost pokola v reki Seni leta 1961 in našo družbeno nečloveškost, temveč tudi poetično univerzalno študijo značajev. Georges, naš protagonist, dojema življenje in njegovo prisotnost kot družbeno bitje v popačenem občutku veselja. Beži pred udobjem zaupanja in komuniciranja z drugimi. Uživa v svoji odtujenosti, tako kot odtujuje toliko ljudi, ki ga imajo tako dragega. S tem se Haneke posmehuje generaciji, ki želi ostati sama. Njegova kamera je včasih nenavadno oddaljena, tako kot nas je toliko glede na okolico. Toda pod njegovim nadzorom se moramo soočiti s svojo nespodobnostjo, nesmotrnostjo in svojo resničnostjo. Eden najzahtevnejših filmov, ki ga boste kdaj videli.

71. Duh čebelnjaka (1973)

Španski mojster Victor Erice je pred upokojitvijo posnel le tri celovečerne filme. Še danes živijo filmi, kot so El Sur, kutine 'Sončno drevo' in še posebej Spirit of the Beehive, njegov nedoločljiv prvenec, zaradi katerih si vsi želimo, da bi še vedno snemal filme. Parabilična zgodba o dveh otrocih, eden je z nedolžno, pogosto zmedeno fascinacijo raziskal svoj obstoj, drugi pa je bil obseden s filmom 'Frankenstein', ki je igral v njihovem lokalnem gledališču. Njegov skrivnostni portret španskega srca je v privlačni dvoumnosti prepuščena značilno nevtralna smer Erice, ki se redko poda v kinematografsko metodo v prid tihega opazovanja. Rezultat tega dela je zmeden, navdušujoč in vas bo pustil, da se sprašujete o notranji enigmi samega življenja: njegovih neodgovorljivih vprašanjih, njegovih velikih skrivnostih in njihovi zmedeni nedosegljivosti. Če vas pustimo povsem uničene ali neprimerljivo ganjene, ni dvoma, da bo izjemno 'Duh čebelnjaka' pomembna izkušnja.

70. Vsi predsedniški možje (1976)

Watergate. Ena beseda, ki je spustila zavese pred predsedništvom Richarda Nixona in povzročila, da so se ljudje zavedali, da se lahko celo oseba, ki je predsednikove postave, v najnižji možni meri spusti, da svoje stvari opravi. Medtem ko so bili predsedniški partnerji zasedeni s pospravljanjem nereda, ki ga je ustvaril, sta dva novinarja dobila duh. Kljub grozečim grožnjam so neumorno delali, zasledovali tudi najmanjše možne stranke in včasih v procesu ogrožali sebe, da so ljudem približali dejstva. Na podlagi istoimenske knjige, ki sta jo napisala novinarja Bob Woodward in Carl Bernstein, je 'Vsi predsedniški možje' bistroumno opazovanje, kakšno pravo novinarstvo bi moralo biti. V režiji Alana J Pakule je bil nominiran za osem akademijskih nagrad, sčasoma je dobil tri in občasno izgubil najboljšo sliko filma 'Rocky'.

69. Vojska senc (1969)

Menim, da je za novince v delu Jean-Pierra Melvillea odlična primerjava s Stanleyjem Kubrickom. Oba vadita izjemno tehnično natančnost in izžarevata absolutno zaupanje v vsak kolut dela, ki sta ga opravila v dolgi in ustvarjalno donosni karieri. Kot rečeno, poceni, a zahtevna pritožba na ameriškega režiserja je njegova 'brezdušnost'. Prosto mesto človeškega izražanja. Tak primer ni pri Melvilleu. V filmu 'Army of Shadows' Melvilleovi liki gorejo od grenkega obupa, ki ga spodbudi vsaka njihova akcija, ki jo izžareva človeštvo. V smrtonosnem svetu gibanja za vojni odpor lahko ena napačna poteza povzroči popolno uničenje in Melville z omenjeno milino in virtuoznim nadzorom nad svojim kinom zaseje semena povsem verjetnega, prepričljivo mrtvega sveta. 'Vojska senc' je eno najbolj tihih, intrigantnih in monumentalno vplivnih del, ki prihajajo iz francoske kinematografije - in če bi pogrešali tako kriminalno spregledano klasiko, bi si resno škodovali.

68. The Shining (1980)

Stanley Kubrick je s svojo priredbo klasike Stephena Kinga leta 1980 ustvaril film, ki je na novo opredelil žanr grozljivk. Tu se ne boji samo zgodba ali liki. Okolje in način snemanja čudovito pomagata, da omamljajoči napetosti prodreta v misli občinstva. Film spremlja Jacka Torrencea, novoimenovanega oskrbnika v hotelu The Overlook, in njegovo družino, ko preživijo obdobje popolne izolacije v skrivnostni zgradbi. Z osupljivimi predstavami in odličnim snemanjem kamer Kubrick poskrbi, da se vsebina filma pogrezne globoko v našo podzavest. Način, kako manipulira z zvokom in vzdušjem, je neverjeten in ustvarja dve uri in pol za nepozabne, pa tudi hladne hrbtenice. Svet 'The Shining' je čudovito temen in vas v celotnem osupljivem tretjem dejanju močno prime za ovratnik.

67. Kitajska četrt (1974)

Tam sta film noir in neo-noir, prav med njima pa sedi Jake Gittes, oblečen v lepo hrustljavo fedoro, da pohvali to smehljanje na obrazu. Čeprav je velik občudovalec Polankov, se vedno najde nekaj, kar se ne ujema s končnim izdelkom njegovih filmov. Razen kitajske četrti. Ta temeljna mojstrovina ni samo ustvarila identitete zase, ampak so nanjo vedno pozorni filmski ustvarjalci, ki si sposodijo njen slog, da ustvarijo identiteto za svoj film. Polanski je čarovnik v službi, ki nas zavede tako z razpoznavnimi vodniki kot tudi s klasičnim noir tempom in nastavitvijo. Potem pa pride zadnje dejanje v kitajski četrti, ki tako hitro razbije vsako konvencijo, ki je bila prvotno priložena podobnim skrivnostnim filmom, da vas obvlada ogromen občutek šoka in obupa. Neuspeh premagati botra II me še vedno zmede, toda po pol stoletja so ljudje pozabili na Sicilijo, nikoli pa na kitajsko četrt.

66. Satan Tango (1994)

Izpoved številka ena: Skoraj nikoli nisem videl razkošne čudovite mojstrovine Béle Tarr. Človek bi domneval, da je bil najljubši kinefilski status vseh časov in bi me izjemni ugled, ki si ga je pridobil med ameriškimi krogi umetniških hiš, in nekateri najbolj obveščeni filmski kritiki po vsem svetu navdušili. Toda sama neizmernost njegovega trajanja (približno 432 minut) in tempo, podoben lorisu, ki sem ga tako užival v Tarrovih 'Werckmeister Harmonies', sta se zdela zastrašujoča. Izpoved številka dve: ‘Sátántangó’ sem prvič videl naenkrat. Hipnotiziral me je pragmatičen občutek za resnični svet in potrpežljiv, preudaren občutek za kino. Bolj je opazoval, kot je odseval in premišljeval, kot pa dajal lepo oblikovane izjave. Njegov mitski, mračni realizem je bil predobar, da bi bil resničen, in preveč surov, da bi ga uresničili s tako lepoto.

Vse, kar sem hotel narediti do konca, je bilo, da sem zaprl vsa okna in se zavil v temo, ker je bil film zame takšen kot tisti nor v cerkvi in ​​njegovo objokovanje je imelo preveč smisla. Izpoved št. Tri: z navdušenjem sporočam, da so se mi 'Sátántangójeve' pronicljive družbene in politične refleksije začele jasno postavljati, saj sem se k njim večkrat vračal. Poletje, ki je preživelo požiranje romana Lászla Krasznahorkaija, ki deluje kot izhodišče za film, je bilo še posebej nepozabno. Zdaj lahko le upam, da bom še naprej pobiral dividende te srečne nesreče.

65. Izganjalec (1973)

'Izganjalec' Williama Friedkina je popolnoma režiran. Moški je razvpit zaradi nenavadne karierne poti, v kateri klasike zapadejo (in pogosto obe skupini prehajata zaradi nekaj fascinantnih raziskav kinematozne nesramnosti). Friedkin se je s svojim najboljšim filmom odločil, da bo posnel dramo, ki je ravno slučajno govorila o demonski obsedenosti: šivanje patosa za njegove zapletene like in visceralno prevajanje besedila izvirnega avtorja Williama Petra Blattyja, ujeto med prepričanjem in hromim dvomom. Končni rezultat dveh čudovitih umetnikov, ki na vrhu svoje igre ustvarjata lesketajočo se klasiko ameriške kinematografije: tisti, ki zasenči skoraj vsak film v svoji zvrsti (bar morda nenavadno grozljiv 'Wake in Fright' ali nenavadna turneja Tobea Hooperja) -silo Teksaški pokol z motorno žago ). Preprosto osupljivo.

64. Suspiria (1977)

'Kajti v svojih sanjah vstopimo v svet, ki je povsem naš' - J. K. Rowling. In kaj, ko bi se eden najbolj zvitih mož kina odločil, da bo svojo podzavest razpršil na košček filma. Suspiria Daria Argento s svojo čudno strukturirano zgodbo kljubuje kinematografski logiki. Verjamem pa, da gre za neoekspresionistično mojstrovino, ki zajame resnično bistvo kinematografije, to je, da se počutimo resnično, resnično žive. Argento razume vrednost vesolja in se zato bolj osredotoča na kinematografijo in scenografijo, ki sta dominantna prebivalca njegovega filma. 'Suspiria' ne predstavlja le Argentovega sloga, temveč celotno italijansko grozljivko, žanr, ki ga je preplavila estetika umetnosti.

63. Človek pobegnil (1956)

Brezhibno natančen in navdihujoče ekonomičen, oh tako redek bullseye Roberta Bressona je zadel film 'A Man Escaped' iz leta 1956. Vrhunec človekove žive sile kot filmskega ustvarjalca sledi poskusom francoskega upora Fontainea, da pobegne iz vse bolj nevarnega nacističnega zapora, in najde smisel v vsakem posameznem kadru. Od osupljivo človeške upodobitve voditelja ne-igralca Françoisa Letterrierja, katerega ugreznjeni obrazi in izpuščene oči so tako prepričljivo izražale grozljivo težo življenja v vojnih časih, do Bressonovega minimalizma, ki mu je uspelo negovati intimnost med občinstvom in rečeno obupanim : Zaradi pogostih POV-jev in elegantnih kompozicij, ki niso pretiravale s tehnikami, se je Bressonovo delo v okolici včasih utopilo. Ne bi pospravil niti enega samega kadra - in zato je igranje filma zelo pomemben način izobraževanja za nadobudne filmske ustvarjalce: naslikaj nekaj tako živega in gostega, ne da bi se kdaj počutil pretirano.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

V takšnih časih ni boljšega filma kot 'To Kill A Mockingbird', ki bi neonacisti razložil resnični pomen kaste, veroizpovedi in rase. Afroameričan, postavljen v časovne roke rasno razdeljene Amerike, je obtožen kršitve skromnosti belke. Na vrhuncu rasnih krivic, ko sodišče, polno belih ljudi, plaši za njegovo kri, se en človek spopade s svojim primerom. En bel moški po imenu Atticus Finch. Hrabro se je boril za to, da je na sodišču vse ljudi enako, ne glede na to, ali je obarvan ali ne. Njegova prizadevanja so zaman, saj sodišče človeka razglasi za krivega. A pri gledalcu ostane lekcija, ki jo Atticus Finch vsadi svojim otrokom. To pomeni, da 'človeka v resnici nikoli ne razumeš, dokler stvari ne upoštevaš z njegovega vidika'. Na podlagi istoimenske prodajne uspešnice Harper Lee je 'To Kill A Mockingbird' eden največjih filmov vseh časov.

61. Zadnje okno (1957)

Tržaški film mojstrovine loči od tekočih odplak, ki so nas redno nalagale, je to, da se v slednjem bliski bliskovito pripeljejo in počivajo bolj na našem šoku kot na resničnosti zasuka, da bi vplivali. Toda v filmih, kot je 'Zadnje okno', so bile minutne stvari, razvidne iz časovnega poklicnega fotografa z vozičkom L.B. 'Jeff' Jeffries pogleda skozi svoje zadnje okno, kopiči se kapljico po kapljico, dokler ne poplavijo, zaradi česar je neškodljivi Jeff sum, da je moški, ki živi na dvorišču, storil umor. Hitchcock svoj fotoaparat mojstrsko uporablja kot iluzionistična orodja, da svoje gledalce drži napete, zavedene in ugibajoče, dokler se čeljust ne razkrije. Z Jeffovim obsesivnim zalezovanjem predmeta, ki ga zanima, Hitchcock komentira zmote voajerizma, kako privlačno je lahko in turobnost osamljenega urbanega načina življenja, ki vodi do njega. Še bolj neverjetno je toliko komentar o gledalčevem voajerizmu kot Jeffov; saj nas očara Jeffova privlačnost. Gledanje, kadar te ne gledajo, je hudobno veselje; Hitchcock to ve, občuduje in nas privlači k sebi.

60. 4 meseci 3 tedni in 2 dnevi (2007)

Nekateri filmi vas premaknejo; nekateri vas nasmejijo; nekateri ti zlomijo srce. '4 meseci, 3 tedni in 2 dnevi' spadajo v posebno kategorijo filmov: tisti, ki vas vznemirjajo in živčijo. Kot bi lahko uganili, so takšni filmi verjetno najredkejša redka pasma. Film spremlja dva prijatelja, ki skušata poskrbeti za splav v brutalnem romunskem komunističnem režimu Ceausescu. Visceralen in brezkompromisen film vas prime za prah vratu in vas nikoli ne izpusti. Gledanje tega filma je kot doživljanje čustvenega občutka, ki ga dobiš, ko nervozno čakaš, da eden od najdražjih po operaciji pride iz operacijske dvorane. Ni le realistična kinematografija v najboljšem primeru; je tudi eden izmed filmov, ki vam bodo kdaj videli.

59. Last Year At Marienbad (1961)

Film Alana Resnaisa iz leta 1961 'Last Year At Marienbad' je najbližje vizualizaciji sanj, in to na čim bolj čuden način. Glasba, ki zavzema ozadje za večino časa izvajanja, deluje kot pomirjevalo, ki občinstvo spravi v zaspano stanje. Kljub temu je precej nemogoče, da ne bi gledali oči z zaslona, ​​saj se skozi sliko dogaja toliko, čeprav je le malo prikazanega. Rad pomislim na 'Last Year At Marienbad' kot film, ki si ga predstavljamo iz podzavesti zaradi svoje ponavljajoče se in zmedene narave. Tudi liki so zmedeni glede bizarnega sveta, v katerega so bili postavljeni. Gre za zrel in prefinjen komad in zdi se mi, da je osrednji zaplet, ki vključuje moškega in njegovo zvezo s čudno žensko, ki se je jasno spominja, da se je srečala leto prej, čeprav se o njem ne spomni istega - zelo imerziven, izviren, strasten, romantičen, sanjski in seveda briljanten.

58. Divje jagode (1957)

Ste že bili na potovanju, kjer nimate nič boljšega kot pogledati skozi okno? Nekaj ​​časa se zazrete v pogled zunaj, preden se vam zaženejo misli in tisto, kar je zunaj, je zdaj samo predloga - ne zadržuje več vaše pozornosti. Tako se zgodi z Isakom Borgom, glavnim junakom Bergmanovega klasičnega razpoloženja, ki je našlo svoje mesto na neštetih najboljših seznamih najboljših filmov, vključno s tistim, ki ga je leta 1963 sestavil Stanley Kubrick. Potuje s snaho, da bi prejel diplomo doktorja Jubilarisa iz njegove alma mater. Ni ji všeč in namerava zapustiti sina. Toda našega profesorja, kot ga igra briljantni Victor Sjöström, prihodnost ne zanima veliko. Njegove misli in posledično film, ki so ga katapultirali številni ljudje, na katere naleti na svojem potovanju, osvetljujejo le njegovo preteklost. Gledano skozi Bergmanovo prizanesljivo, zanesljivo lečo so njegovi spomini preprosti, znani in človeški. Ne poveličujejo njegovega življenja ali zavračajo njegovih dosežkov. So neurejeni, kot večina naših, in namerno izkrivljeni. Ko končno prispe na kraj, kjer mu podelijo čast, se zavedamo, da nagrade nikoli ni potreboval. Dobil ga je že v tistih jagodah, ki jih je nabiral s srcem iz otroštva, trgovcem, ki se ga je spominjal, težavnih odnosih z ženo, dobrimi in slabimi, odrešitvenimi in neodpustljivimi. Tako kot mi v obliki tega skrivnostnega, nerazložljivo ganljivega filma.

57. Pravila igre (1939)

Genialna, zagrizena komedija manir Jeana Renoirja se po vseh teh letih uspe presenetljivo dobro obdržati, hkrati pa ostati tako igriva in strašljiva kot kdaj koli prej. Ob izidu so se ga kritiki in občinstvo izognili, zaradi česar je Renoir po katastrofalni premieri izrezal pomemben del filma - del, ki je večinoma predstavljal lik Octave, ki jo je igral Renoir sam. Od takrat skoraj ne preseneča njegova rast. Film je v svojem sramežljivem, avtoritativnem žongliranju z liki, temami, toni in nastavitvami vedno delirično zabaven, a nikoli manj priden ali manj razkošno oblikovan kot najboljši v svetovni kinematografiji iz tega obdobja. Njegova skrbno ponarejena vizualna slika utripa s prefinjenostjo, a truda ni nikoli videti in film pušča, da zevate v čudežu, kako globoko ste se zapletli v njegovo spretno zgrajeno vzdušje. Kinematograf Jean Bachelet in Renoir se s kamero igrata na način, ki daje filmu zračnost, toda njihov neizprosen nadzor je tisto, zaradi česar je nenehno zanimiv podvig. Če vse to ne zadostuje, morate vedeti, da je Alain Resnais nekoč dejal, da je film edina izjemna izkušnja, ki jo je kdajkoli doživel v kinu. Težko bi našli bolj žareče priporočilo.

56. Tretji mož (1949)

Film-noir je žanr, povezan s filmi, ki razkošno obkrožajo temne ulice, skrivnostne, zapeljive like, občutek skrivnosti in kremasto črno-belo. Čeprav je veliko teh slik zanimivih in se dobro zabavajo, le redki poskusijo nekaj inovativnega in drugačnega. Tretji človek je eden največjih filmskih noirjev, ki so jih kdajkoli posneli, saj izjemno dobro pripoveduje svojo osupljivo zgodbo, pri čemer uporablja impresivne nizozemske nagibe, presenetljivo svetlobo in čudovito glasbo. Film je povezan z moškim in njegovo samostojno preiskavo umora njegovega finančno premožnega prijatelja. Zaplet Tretji človek je obrobljen z romantiko, temnim humorjem, preobrati in napetostjo. Po srcu lahko film imenujemo sladka ljubezenska zgodba, toda z vsem ostalim vrženim v to zaljubljenost lahko dvomimo. Magnum opus Carol Reed, ki predvaja mojstrsko napisan scenarij, vas drži na robu sedeža, vse od skromnega, lahkotnega prvega dejanja do konca, ki je lahko zelo pameten zaključek katere koli slike, bom kdaj videl.

55. Kriki in šepeti (1972)

Tragična družinska drama Ingmarja Bergmana se ukvarja z žalostjo, ki je brezhibno obupana in vročinsko nujna. Ni potrpežljivo zgrajen prizor za prizorom in do konca dostavljen na pladnju. Vdihnili ste ga že od samega odprtja filma, ki glavne igralce in njihovo utrjeno, vnetljivo žalost predstavlja s čudovitimi bližnjicami, ki jasno kažejo njihovo dušilno nelagodje. Vse to je prekrito z neusmiljeno množico rdeče, v obliki škrlatne barve, s katero so pobarvane stene hiše, v kateri se zgodba odvija. Bergman se zaveda smradu smrti, ki ženske obdaja s tako impozantno usmeritvijo, da dejanska smrt ni vzrok za zaskrbljenost. Nasilno hrepenenje žensk je v mojih mislih vse v filmu preganjalo, v krvi prepojen spomin. Nenehno fascinantne vizualne podobe Svena Nykvista blažijo Bergmanovo subtilno pisanje in mojstrsko zaživete predstave igralcev. Zdi se, da svetleča Liv Ullman vsakič, ko je kamera name, mistificira in navduši, medtem ko sta nezaupljivi Ingrid Thulin in Harriet Andersson pri svojem delu tako neokrnjeni, da se zdi invazivno, če prideš v stik s svojimi občutki. Bergman nam ne daje jasnih idej, ki bi jih odpeljali domov, zanika pa nam vse druge občutke, kot tiste, ki jih doživljajo njegovi liki. Sprašujemo se, kako daleč gre njegov dostop do naših čustev in ga razširja na vsakem koraku. Navsezadnje ni treba verjeti 'Vpitjem in šepetanju', temveč živeti.

54. Bilo enkrat na zahodu (1968)

Mogoče je to strašljiva ocena Morriconeja ali morda vizija Delli Colli, ki je tako obsežna kot Zahod, ali morda neomajni pesek, ki se vrti v očeh Bronsona in Fonde, in morda je vrhunec vseh teh vidikov v skoraj vseh kadrih maestra Sergia Leoneja . Če potrebujete vesterna, ki ima tako lepoto Johna Forda kot neusmiljeno divjino Sama Peckinpaha, potem Leone preprosto ni nikogar. V svojem magnum opusu doseže tisto, kar mu je prej vzelo tri filme, da ustvari mistični svet sredi ničesar. Čeprav na površini morda ni nič duhovnega, ima film bogove. Bogovi športne krone, napolnjene z 10 litri smodnika, in peskom, ki ga pogoltnejo z vodo. Tudi igranje antagonista Henryja Fonde je bila verjetno odločitev tistega desetletja, saj njegove ledeno modre oči niso bile podobne vsem, kar je bil Zahod kdaj priča.

53. Annie Hall (1977)

Nihče ne more trditi, da razume zmedeno, vsestransko skrivnost, ki je ljubezen, kot je Woody Allen. Noben film Woodyja Allena se ne približa temu, da bi ga prikazal v svoji pristni, domiselni slavi kot ta zgodba o Alvyju Singerju, nevrotičnem, nihilističnem komiku v New Yorku, ki se 'bolj kot ljubezen' zaljubi v dirljivo, muhasto, veselo Annie Hall in nato pade iz njega. Film prav tako raziskuje razlike med spoloma v spolnosti skozi odnos Alvy in Annie 'Yin in Yang'. Na koncu celo Alvy ljubezen sprejema kot 'iracionalno, noro in absurdno', a nujno v življenju. Uporaba številnih inovativnih pripovednih tehnik, kot so improvizirano lomljenje četrte stene, hitro menjavanje preteklosti in sedanjosti skozi gladke reze, ki v podnapisih prikažejo, kako se počutijo Alvy ali Annie, medtem ko dejansko govorijo nekaj povsem drugega, in dodajanje ' zgodba v zgodbi 'kot vrhunec, povzdigne že tako privlačno zgodbo. 'Annie Hall' je verjetno prva resnično modernistična romanca o celuloidu in je namesto nje navdihnila generacijo romantičnih komedij. Nobena ni tako očarljiva kot tista, ki jo želijo posnemati.

52. M (1931)

Začetek tehnologije snemanja glasu, pojav, za katerega je bil masthead 'The Jazz Singer' iz leta 1927, je v filmih povzročil absurdno nasičenost dialoga. Tehnologija je bila samoumevna kot neposredna nadgradnja in ne kot orodje, ki se bo uporabljalo skupaj z uveljavljenim kinematografskim jezikom. Fritz Lang, človek, ki je svojo kariero začel v nemi kinematografiji z nizom mojstrskih del, med katerimi so bili Destiny, dr. Mabuse Gambler, Die Nibelugen in izjemna Metropolis. Njegova migracija na zvok je svoj vrhunec dosegla leta 1931 v filmu 'M' - filmu, ki je v nasprotju z vsemi okoliškimi viri odstranil skoraj ves hrup iz okolice. Rezultat je tihi talki z nadvse brezživnim ozračjem: tak, ki tako učinkovito podpira njegovo pripoved. Zadevna zgodba udari nad morilca otrok in nesposobnost nemške vlade, da bi ga ulovila - ustanovilo je svoje kengurujsko sodišče za kaznovanje morilca. To, kar Lang sporoča tukaj, je neverjetne zrelosti v sporočilu: Pravičnost, ki si jo zasluži, je popolnoma spodkopan v takratnem političnem kontekstu - z zabeleženo politiko evtanazije in vse bolj nasilnimi ideali Nacionalsocialistične stranke, ki se kažejo kot hudobni tumor na obtožbah ljudi. . Predstava Petra Lorreja, bogata s patetiko in mučenim humanizmom, pomaga domov zabiti globoko prevaro 'M' - tistega, ki se neizmerno premika tudi do danes.

51. 12 Jezni moški (1957)

Odgovora, ali je bil deček kriv ali ne, ne bomo nikoli izvedeli. Toda ena stvar, ki jo 12 Angry Men trdi, je, da bo logika vedno prevladala nad intuicijo, če bo sredi sveta norcev ena pametna oseba. In ali je neumnost bolezen ali zgolj stranski produkt nevednosti? Drama Sidneyja Lumeta vas ne prosi, da uporabite svoje možgane nad srcem, ampak si prizadevajte doseči točko, ko se lahko odločite, pri čemer oba delujeta v tandemu. Snemalni scenarij, ki ponosno sodi v učni načrt vsake filmske šole po vsem svetu, je snemanje kamer in uprizoritev ravno iz japonske klasike New Wave. 12 Angry Men je spomenik ameriške kinematografije, ki se ponaša z nepozabnim nastopom zasedbe ansambla.

50. Mestne luči (1931)

Ni veliko zgodnjih filmskih ustvarjalcev, ki imajo v današnji kulturi prepoznavnost in priljubljenost, ki jo Chaplin uživa. Razlog za to je lahko več. Njegovi filmi govorijo z vsakim in so smešni, vendar njegove zgodbe še bolj gledajo na melanholične situacije v šaljivi luči. Tak je primer z verjetno njegovo najbolj osebno sliko 'Mestne luči', ki pripoveduje zgodbo o potepuhu in njegovih prizadevanjih, da bi navdušil in pomagal ubogi slepi cvetličarni. To počne pod fasado in se pretvarja, da je bogat, da bi pritegnil njeno pozornost, vendar pri tem naleti na težave. Kadar je film v današnjem času še vedno enako smešen in ganljiv kot pred več kot 75 leti, to običajno pomeni, da nekaj počne pravilno. 'Mestne luči' so v svetu pustile svoj pečat s prikazom revščine in življenja v težkih letih depresije, ki je tako dobro izvedena in se ji zdi, da občinstva nikoli ne premakne, ves čas pa ji daje upanje boljši jutri.

49. Pridi in glej (1985)

Režiser Elem Kilmov je bil v zadnji polovici neverjetno usposobljene filmske ekipe poročen z Lariso Shepitko, svetlobnim virtuozom za 'Wings' in 'The Ascent'. Ko je tako žalostno umrla v prometni nesreči, je Kilmov končal delo na svojem izjemnem nedokončanem projektu 'Zbogom' (ki bi ga lahko preprosto prevzel) - in mislim, da je vse to tako močno, kako moška žalost krvavi vsak okvir njegovega dela. Kilmovov kinematograf zavre od neizraženega besa in obupa: Hulking v svoji ogromni teži čustev - in le redki filmi so kdaj utripali s tako močnim občutkom kot Pridite in poglejte . Verjetno, najboljši vojni film, kdajkoli posnet, njegova peklenska upodobitev invazije Wehrmachta na Belorusijo odmeva z oglušujočimi eksplozijami, nočnimi vizualnimi predstavami in svetom, ki ga počasi prazni življenje - njegovi prizori so posneti v čudoviti, votli luči. Kljub temu pa Kilmov najde pot do razumevanja v transcendentalno zrelem zaključku. Morda v svoji zavezanosti razmišljanju o minljivosti življenja končno najde moč, da zakopa kosti svoje pokojne žene. Lahko samo upamo.

48. Sedmi pečat (1957)

Že od prvih podob Bergmanovega ikoničnega dokumenta o veri, strahu in zadovoljstvu je na vas urok. Močan, zrnat pogled na morje, obalo in na njem pogumnega viteza in njegovo usodno srečanje s poosebitvijo smrti določa jasnost cilja filma, četudi pušča prostor za zapeljivo, skoraj grozljivo dvoumnost, ki je nenehno prisotna. Izkoristi magnetno predstavo neprimerljivega Maxa von Sydowa in skupine igralcev, ki Bergmanovo osupljivo gradivo, ki temelji na njegovi igri 'Lesna slika', povzdigne na nepričakovane ravni, 'Sedmi pečat' v svojih pičlih 90 minutah pa vpliva stara bajka, ki se je prenašala skozi generacije, ki poganja domišljijo, ki je veliko bolj obsežna, kot si jo sama upamo vsebovati. Iskriva, sveža črno-bela barva Gunnarja Fischerja zagotavlja, da nam intenzivnost drgnjenja zleze pod kožo. Pretočnost, podobna toku, je posledica pripovedi, razpletene z vzvišeno samozavestjo in oprijemljivo ravnodušnostjo. Morda gre za povsem preprosto zgodbo, ki kljub temu hrani v naročju dragocene ideje, a je sešita s tako zapleteno in drzno tkanino, da si ne morete kaj, da je ne bi vedno znova pogledali, da bi se prenesla v trajni spomin.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinijev previdno, potrpežljivo in poetično zmehčan virtuoz je v celoti prikazan v svoji zmagovalki Palme d'Or, ki v svojem duševnem in senčnem glamurju zajema način življenja, ki se zdi preveč izmuzljiv in na nek način tudi preveč resničen. Njegov tempo poudarja protagonistov občutek brezciljnosti in nas sili, da se okopamo v simfonični ureditvi živahnosti življenja in kako minljivega je vse to. Tega protagonista igra najboljši karierni Marcello Mastroianni, ki izkoristi to darilo časa, da si oči napolni z neustavljivo svetovno utrujenostjo. Izpraševanje pomena nekaterih odsekov knjige 'La Dolce Vita', ki se morda zdijo brez filozofske pomembnosti ali narativnega pomena, je zavrnitev možnosti, da dovolite, da vas pikantne podrobnosti preplavijo in nato razmišljate o posledicah. Ko nas nebeška partitura Nina Rota popelje v vrtoglavi svet Rima, gledano skozi Fellinijevo iluzorno oko, vidite samo tisto, kar želi, da vidite, in to hitro postane tisto, kar želite videti tudi vi.

46. ​​Psiho (1960)

Človeka v najboljšem primeru lahko označimo kot posebnosti. Človeški um, ki je sposoben marsičesa osupljivega, se lahko tudi sam izrodi do nesprejemljivega. 'Psiho' Alfreda Hitchcocka ne potrebuje predstavitev, saj drži glavo visoko sredi brezčasnih kinodvoran. Poleg tega, da je klasika, je tudi žalosten komentar na propadajočo moralo ljudi. Norman Bates pa vas ne moti! Jedko držanje gospe Bates, ki je Normanovo življenje v otroštvu in sčasoma v zrelih letih postavilo v slab položaj, je opomnik, kako lahko ljubezen duši. Gospod Hitchcock je znano sprejel nenavadne politike za 'Psiho', ki so vključevale prepoved poznih vstopov v film. Sprejet je bil za zagotovitev popolne pravičnosti na prizorišču pulzirajočega vrhunca filma. Triler v najbolj resnični obliki, 'Psiho' je zgodba o sinu, njegovi materi in njihovi nezdravi vezi posesivnosti. Hitchcocka so tako močno stražili pred finalom, da je film promoviral v tej vrstici - 'Ne daj konca - edini, ki ga imamo!'

45. Solaris (1972)

'Solaris' Tarkovskega je povsem podoben pojavom, prikazanim v filmu. Od tega, da me zmedem s svojim globoko zakoreninjenim konceptom, do tega, da se razvijem v entiteto, od katere se ne morem ločiti, je to izkušnja, zaradi katere se sprašujem o pozabljivi naravi vsake molekule, ki tvori vesolje. Mogoče se zavedamo znanstvenih razsežnosti, toda ali lahko kateri koli instrument izračuna količino ljubezni ali žalosti, ki jo ima nekdo v nanogramu srca? Ali lahko kaj najde možgansko celico, kjer prebiva nepozaben spomin? Od Bachove čarovniške glasbe v uvodnem zaporedju do trajnega avtocestnega prizora je Tarkovskova uporaba časa, da gledalca loči od delovanja običajnega sveta, mojstrska. Solaris je področje, kjer vas čustva pošljejo z norostjo, toda kdo ne bi občutil, ko je norost lepa na dotik in dovolj visceralna, da vas osvobodi samega sebe.

44. Schindlerjev seznam (1993)

Pomemben film, ki mu v veliki meri koristi Spielbergov pridih za dramatiko, je enako moteča in občutljiva izkušnja zase. Film je, tako kot mnogi drugi na tem seznamu, mojstrski tečaj v nečem, kar bi rad poimenoval poenostavljeno in vplivno pripovedovanje zgodb. Pripoved sledi Oskarju Schindlerju, nemškemu poslovnežu, ki je rešil življenja več kot tisoč Judom, tako da jih je med holokavstom zaposlil v svojih tovarnah. Vsi trije vodilni igralci, Liam Neeson kot Oskar Schindler, Ralph Fiennes kot Amon Goth in Ben Kingsley kot Itzhak Stern, so v izjemni formi, ki se obračajo v najbolj iskrenih nastopih. Prizor, še posebej proti koncu filma, kjer se Schindler pokvari glede na to, koliko življenj bi še lahko rešil, se globoko premika in ostaja v mojih mislih kot eden najmočnejših prizorov v kinu. To, da je bil film posnet črno-belo, z redko, občasno barvo, ki simbolizira ali poudari pomemben element, povečuje izkušnjo. Z lahkoto, najboljši Spielbergov film, ostaja ključna izkušnja gledanja filma.

43. Arabski Lawrence (1962)

Kino kot medij postaja vedno bolj veličasten. Z najmodernejšo tehnologijo, ki jo imajo na voljo, nam današnji filmski ustvarjalci ponujajo nekaj visceralnih kinematografskih izkušenj. Obstaja pa nekaj filmov, posnetih, še preden je bil CGI v modi, čigar močan in monumentalen obseg ni našel enakovrednega. Epska zgodovinska drama Davida Leana, ki temelji na življenju T. E. Lawrence , ena najbolj znanih britanskih osebnosti, je en tak film. V njem igra Pater O’Toole v vlogi Lawrencea in beleži njegove dogodivščine na Arabskem polotoku med prvo svetovno vojno. David Lean že od samega začetka naslika čudovito gibljivo sliko neskončne puščave v vsem svojem sijaju, ki mu pomaga kinematograf Freddie Young in prijeten rezultat Mauricea Jarrea. Toda to nikakor ne žrtvuje čustev za ekstravaganco. 'Lawrence of Arabia' je v svojem srcu osupljiva značajska študija Lawrencea - njegovih čustvenih bojev z osebnim nasiljem, ki je neločljivo povezano z vojno, lastno identiteto in ločeno zvestobo med svojo rodno Britanijo in njeno vojsko ter novimi tovariši znotraj arabskih puščavskih plemen. Zaradi te kakovostne kakovosti je 'Lawrence Of Arabia' eden najvplivnejših filmov, ki so kdaj obstajali.

42. Iskalci (1956)

Verjetno največji vestern doslej, najboljši film iz velike kariere Johna Forda 'Iskalci' je ameriška klasika, med najboljšimi filmi, ki so nastali v petdesetih letih. Čeprav so ga takrat občudovali in spoštovali, njegove raztrgane, osupljive moči nekaj let niso prepoznali, v začetku sedemdesetih pa so ga označili za klasiko žanra in morda najboljši vestern, kar jih je kdaj koli. Zagotovo je čas nekatere filme spodjedel, vendar ne tistega visokega, besnega nastopa Wayna, niti rasizma v filmu, ki spodbuja jezo in bes. Spodbujajoča pripoved filma, Ethan in njegovo iskanje, je brezčasna, danes tako močna kot takrat, morda še bolj, ker je zdaj toliko subtilnih zgodb jasno.

41. Pather Panchali (1955)

Film, ki je indijski kinematograf predstavil svetu in kinematografijo postavil med najboljše avtorje Satyajit Ray. Na podlagi romana Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' pripoveduje o revni družini, ki poskuša uspevati skozi številne življenjske stiske. Trdimo lahko, da to romantizira revščino, saj je gledalec priča številnim preizkušnjam, s katerimi se sooča družina, s čimer se preživlja. Kljub temu gledalci ostanejo trenutki, ki se prepletajo z glasbo maestra Ravija Shankarja. Ljubezen odnos med Appu in njeno sestro Durgo, zaporedje vlakov, ki je eden od vrhuncev filma, film povsem dvigne na drugo raven. ‘Pather Panchali’ je z leti postal eden kultnih filmov in se redno pojavlja na seznamih največjih filmov vseh časov in to zasluženo.

40. Casablanca (1942)

Najpomembnejši ameriški klasični film. V njegovem šarmu je morda nekaj tako nalezljivega, da se ga še vedno zaljubiš, tudi vsa ta leta. Poleg izjemnega faktorja ponovne gledljivosti sta pomembna tudi njegova nepozabna ocena (Čas mineva!) In izjemno citiran dialog. Preprosto povedano, poslastica je, ko so vsi elementi odlične kinematografske izkušnje prisotni v ravno pravšnji količini!

Zgodba je najmanj preprosta in včasih skoraj meji na banalnost. Ciničen, srčan moški, ki vodi najbolj znan nočni klub v Casablanci, se znajde na križišču, ko se gospa, ki jo ima rad, prikaže z možem. Načrtovane zgodbe so znamenita tranzitna pisma, vendar zgodba naravnost govori o dveh zaljubljencih, postavljenih v zgodnjih fazah druge svetovne vojne, in o trdi odločitvi, s katero se je soočil Bogartov lik, o obešanju ali opuščanju. Kakor pri mnogih filmih te zvrsti tudi izvedba naredi trik, tako da je 'Casablanca' spremenjena v eno najbolj privlačnih romantičnih dram vseh časov, ki je tudi neverjetno dobro odigrana; Humphrey Bogart in Ingrid Bergman sta vrhunska, podpirajo pa jih igralci, kot so Paul Henreid, Claude Rains in Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Ko gledamo na kino kot na umetniško obliko, ni mogoče zanikati popolnosti Barryja Lyndona, od čudovite kinematografije, očarljivih postavitev, izjemne glasbe do močne režije. Kot zgodba govori o življenju mladeniča v Evropi 18. stoletja, ko se vzpenja po stopnicah proti aristokraciji, ki pa ga je njegova slaba usoda vodila nazaj. Slika ima v sebi nekaj največjih posnetkov, ki so jih kdajkoli posneli, pri čemer svetlobo, barve, fizične lastnosti itd. Uporabljajo čeljusti. Ni boljšega načina, da bi povzeli življenje osebe, kot da bi ga gledali objektivno, in to je tisto, kar je ta film je uporabil nezanesljivega pripovedovalca. Je hladno in oddaljeno, občinstvu redko da priložnost, da začuti protagonista. S tega vidika Barry Lyndon je razkošna likovna študija z bogatimi liki, realističnim pridihom in poetičnim načinom sporočanja čustev. Preprosto je kino v svojem najboljšem.

38. General

Eden najstarejših naslovov na seznamu, 'General', nas opominja, da veliko sodobnih akcijskih mojstrovin sedi v zelo dolgi senci, ki jih meče nihče drug kot tihi komični genij Buster Keaton. Lep potepuh slednjega umetnika, ki se ponaša z impresivnim opusom kot celo Charlie Chaplin, trguje po krajih s kavalkado čudovito trapastih likov v Keatonovem primeru; vse obdano s ščetinjo kinematografsko radovednostjo, ki je raztezala meje medija v potezah, kot sta Sherlock mlajši in Snemalec. Vse to, ne da bi sploh omenil njegov magnum opus, General iz leta 1927: Po inženirju Konfederacije, ki je hitel opozarjati na napredovanje vojakov Unije med ameriško državljansko vojno. Njegova pripoved tvori predlogo za nedavni film 'Mad Max: Fury Road' Georgea Millerja in skoraj vsak film o mačkah in miškah, ki je bil kdajkoli posnet, vzdržljiv s svojo smešno komedijo, impresivnimi posebnimi učinki in bravado kaskaderstvom, zaradi katerega Keaton bolj ogroža svoje življenje kot enkrat za navdušenje njegove ljubeznive publike. General ostaja eden, če ne celo najboljši akcijski film, ki je bil kdajkoli posnet - tisti, ki se zabava z vsakim drobcem svojega bitja in uspe priklicati čim več vrhunsko obdelanih trenutkov epskega obsega, s katerimi bi se lahko pomeril s kakršnim koli CG-obremenjenim danes.

37. Blow Up (1966)

Čas ? Nihajnih šestdesetih let. Prostor? London. Mesto, ki blešči in brne. Živahno in glamurozno. Seks, mamila in rock n roll. Vse skupaj dan v življenju Thomasa, modnega fotografa, ki živi življenje, no recimo dvomljive morale. V dnevu, polnem dogodkov, med ogledom fotografij para, ki ga je dokaj prikrito ujel v parku, v njem odkrije truplo. Odpravi se na isto mesto in ugotovi, da je telo moški iz para. V strahu se vrne v svoj atelje, kjer ga najdejo razmetanega, a le še ena fotografija mrtvega telesa. Naslednji dan telo izgine. Kdo ga je umoril? In zakaj je telo izginilo? Zakaj je Thomas čutil, da ga spremljajo? 'Blow Up' je razredna igra režiserja Michelangela Antonionija, ki je v preteklih letih navdihnil številne filmske ustvarjalce, med njimi Briana De Palmo in Francisa Forda Coppolo.

36. Večno sonce brezmadežnega uma (2003)

Vrtoglava, nadrealistična epifanija ljubezni in srčnega utripa še nikoli ni bila raziskana na način in stopnjo uspešnosti, ki jo dosega 'Večno sonce brezmadežnega uma'. Bujna s čudovitimi slikami in iznajdljivo partituro, podobno zvočnemu zapisu iz tihe dobe, je nemogoče razložiti vse o 'Večnem soncu brezmadežnega uma'. Brez dvoma je film zasnovan s težko sledljivo pripovedjo - čeprav je v resnici preprosto, ko začnete slediti - je eden tistih filmov, ki je bogato koristen, preprosto zato, ker se ne morete ustaviti, da ne bi omagali nad zelo premišljenim konceptom in globoko ganljivo film, ki je. Toda resnična zvezda oddaje je njen pisatelj, Charlie Kaufman , ki bi v obliki 'Večnega sonca brezmadežnega uma' morda zelo napisal najsupnejši scenarij doslej v kinematografski zgodovini. Film, ki je ne samo po svoje edinstven, temveč ga je v vsakem ogledu neskončno mogoče znova gledati z nečim novim.

35. Taksist (1976)

Martin Scorsese nam v filmu 'Taksist' daje enega najbolj motenih, malo verjetnih, a vendar muhastih protagonistov našega časa v Travisu Bickleju. Film mu sledi, ko postane taksist, da se spopade s svojo nespečnostjo, in ga opazuje, kako ga počasi premaguje vsa norost v mestu okoli njega. Pravi način, kako voznik taksija kot film zmaga, je, kako mu uspe prikrasti se, počasi se prebija skozi umazanost in grozo, ki se zdi, da je prizadela Travisa Bickleja. V tem si zasluži razliko kot psihološki triler več kot drama, pogosto deluje na več ravneh kot zgolj na dveh. Film je za nekatere morda moteč zaradi svoje temne vsebine, še temnejše obravnave in peščice nasilja, toda za gledalce, ki so pripravljeni pogledati mimo njega, ni nič drugega kot sijajni poskus razumevanja dela filma. človeška psiha, ki najpogosteje izvira v obliki budnosti. Mislim, kdo ne razmišlja, da bi se dvignil do nekorektnosti našega časa in ga vrnil? To je globoko zasidrana fantazija o izpolnjevanju želja, s katero se igralec 'Taksist' igra zelo učinkovito. Film zdaj velja za enega najpomembnejših filmov doslej in svetu je predstavil silo, ki je bila Scorsese.

34. Poti slave (1957)

Preden se je Stanley Kubrick odpravil na raziskovanje nerazložljivih vidikov družbe, ki niso presegli le časa, temveč tudi pričakovanja gledalcev od sebe, je naredil ta kovični vojni del, ki ga uvrščam ob bok 'Pridi in poglej'. Za razliko od slednjega, Paths of Glory izvleče svoje srce parajoče izvedbe svetovne vojne iz iste plitvosti človeštva, ki je prevladovala nad Kubrickovimi zadnjimi deli. V Kubrikovem svetu demoni niso prekriti s krvjo in blatom, ampak z medaljami in ponosom, pekel pa se poglablja v najsvetejše kraje, sodišče. V času, ko je industrija sprejela privlačen 3-trak, je Kubrickov monokromno vojno naslikal z eno samo senco. Tela, cunje, vojašnice, dim, pepel, vse zakamuflirano ob skupnem pogledu na stisko.

33. Tri barve: rdeča (1994)

Najbolj žalosten del umetnikove smrti je, ko pomisliš, da je njihovo končno delo njihovo največje doslej. Tako je bilo s poljskim avtorjem Krzysztofom Kieslowskim in njegovim zadnjim filmom 'Red'. Kieslowski je že po premieri filma v Cannesu leta 1994 napovedal filmsko upokojitev, vendar je zaradi njegove tragične smrti skoraj dve leti po napovedi upokojitve še bolj žalosten. 'Rdeča' je zadnji del njegove zelo cenjene trilogije 'Tri barve' in govori o mladenki, ki naleti na starca, potem ko po nesreči z avtom udari njegovega psa. Starec je upokojeni sodnik, ločen od življenja in kakršnih koli čustev in preživi svoj čas, ko vohuni za drugimi ljudmi. Med njima se razvije neverjetna vez s subtilnimi romantičnimi podtoni. 'Rdeča' govori o možnostih in naključjih, ki nas prizadenejo vsak dan, in o tem, da ne prepoznamo njene lepote in pomena. V filmu se pojavlja nerazložljiv občutek melanholije o tragediji človeške usode in časa ter o tem, kako smo kot ljudje na svetu na tak ali drugačen način povezani. 'Rdeči' je presenetljiv podvig pri ustvarjanju filmov in je preprosto eden največjih filmov, ki so jih kdajkoli posneli.

32. Zaklad Sierre Madre (1948)

Kot že ime pove, lov na zaklad pogosto povezujemo z utripajočo pustolovščino in z njo povezano adrenalino. Vendar je zelo malo zgodb, ki govorijo o čustvih, ki jih doživljajo ljudje, ko se odpravijo na pot po to zlato. Pogosto se reče, da stiska razkrije vaš pravi značaj. ‘The Treasure Of Sierra Madre’ pripoveduje zgodbo, v kateri poželenje po zlatu prinese neprijetne spremembe v likih, kar na koncu povzroči njihovo individualno pustošenje. Čeprav je poudarek na pohlepu, ki kvari vest, gledalcu ostane preučevanje človeškega značaja v neugodnih razmerah. Tragična zgodba o pohlepu in izdaji je ta film dobil akademijsko nagrado za najboljšo režijo, najbolje prilagojen scenarij in najboljšega stranskega igralca. Z leti je to postalo kultna klasika za ljubitelje kine po vsem svetu.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fikcija, izraz, ki je označen za revije ali knjige, ki poudarjajo vrh nasilja, spola in kriminala. Zaradi teh elementov so se revije prodajale kot vroče palačinke. Tarantino je sprejel te elemente, jih združil v tri zgodbe in ustvaril pripoved, ki ni bila nič manj kot filmski genij. Eden najbolj edinstvenih filmov o pop kulturi, ki so ga posneli, se gledalec seznani s svetom mafijskega morilca Vincenta Vege, njegovega partnerja v kriminalu in avtomobilih Julesa Winnfielda, gangsterske žene Mie Wallace, boksarja Butcha Coolidgeja in odnese njegovo stilsko obravnavanje zločina in nasilja. Eden najpomembnejših vidikov filma, ki je prispeval k njegovemu uspehu, je bila predstava Samuela L Jacksona. Kot hitler Jules Winnfield, ki biblijske verze citira kot udarne črte, je bil fenomenalen. Eden največjih filmov te dobe, 'Pulp Fiction', je postal učbenik za ambiciozne filmske ustvarjalce po vsem svetu.

30. Bitka pri Alžiru (1966)

Le malo filmov je breme politike nosilo na način, ki bogati njihov filmski učinek, vendar prepušča spodbudnemu italijanskemu maestru Gillu Pontecorvu, da vzame še vedno vrelo plamenišče poznih petdesetih let francoskega kolonialnega zatiranja alžirskega ljudstva in ga spremeni v nekaj popolnoma prepričljiv. Še vedno predsodne vzporednice Pontecorvovega izjemno nevtralnega opazovanja terorja in terorizma, ki sta ga storili obe strani, danes kažejo, da je doživljanje 'bitke za Alžir' fascinanten intelektualni izziv za naše razumevanje črno-bele vojne, na primer imklistična hladnost Miklósa Jancsójeva neizbrisna filmografija. Poleg tega so njegove tehnike urejanja novic pomemben mejnik v filmskem komuniciranju in po mojem mnenju so precej močneje uporabile divje tehnike rezanja Nouvelle Vague kot številne njene raziskovalne jambore. Ko je enkrat viden, nikoli pozabljen - 'Bitka za Alžir' je preprosto temeljni del svetovne kinematografije.

29. Goodfellas (1990)

Režiserjeve sanje ustvarjajo filmsko epohalno obdobje, v katerem je posnet. Toda za Martina Scorseseja je to navada. Vsako desetletje je bil A-Lister in je posnel film, ki velja za enega največjih v tem obdobju. V 1970-ih je posnel 'Taxi Driver', v 1980-ih 'Raging Bull', v 1990-ih 'Goodfellas', v 2000-ih 'The Departed' in v 2010-ih 'Wolf Of Wall Street'. In prav gangsterska drama iz leta 1990, ki temelji na resnični zgodbi mafijskega sodelavca Henryja Hilla, je postala eno od meril v žanru. Film, ki ga je v prvi osebi pripovedoval Hill, prikazuje njegov vzpon in padec kot del newyorške mafije od leta 1955 do 1980. V nasprotju z vso gangstersko ekstravaganco v filmu 'Boter' ali 'Scarface' se 'Goodfellas' ukvarja z verodostojne detajle vsakdanjega gangsterskega življenja, pri čemer se osredotoča na toliko pozornosti na Hillov odnos z ženo Karen kot na njegove podvige s prijatelji iz tolpe. Toda Scorsese uporablja vse puščice v svojem trikotu trikov, da naredi to afero privlačno ta legendarni posnetek za dolgo sledenje , nekaj nepozabnega dialoga in eksplozivnega dejanja Joeja Pescija kot Tommyja DeVita, burnega sodelavca Hilla. Ko gre za žanr kriminala, je 'Goodfellas' tako dober, kot se zna.

28. Besni bik (1980)

Martin Scorsese je znan po tem, da v svojih filmih prikazuje zgodbe zlomljenih, pomanjkljivih, pogosto samouničujočih protagonistov. In pogosto je brskal po analih zgodovine, da bi v resničnih zgodbah našel svoje padle junake. 'Besni bik' je življenjska zgodba legendarnega boksarja Jakea LaMotte, ki je s svojim samodestruktivnim in obsesivnim besom, spolnim ljubosumjem in živalskim apetitom, zaradi katerega je postal prvak v ringu, uničil odnos z ženo in družino. Film je v celoti posnet v črno-beli tehniki, da resnično prikazuje dobo, v katero je bil postavljen, in temno, depresivno razpoloženje, ki ga je določil. Scorsese je pričakoval, da bo to njegov zadnji projekt. Tako je bil pri snemanju filmov skrbno zahteven. Enako predan je bil Robert De Niro, ki igra v naslovni vlogi. Dobil je 60 kilogramov in dejansko treniral kot boksar. Kratko spojene manire LaMotte vpije z ognjeno popolnostjo, saj se popolnoma potopi v značaj. Za svoje težave je prejel zasluženega. To je največji triumf Scorsese-De Nira. Intenziven, močan magnum opus.

27. Boter: II. Del (1974)

V zgodovini drugih obrokov je bilo znano, da je malo filmov izpolnilo slavo prvega, pri čemer jih v nekaterih pogledih presegamo. Če bo sestavljen seznam s takšnimi filmi, bo 'Boter: II. Del' njegov vrhunski dragulj. Uresničitev zapuščine prvega je bila sama po sebi mamutna naloga, vendar je to nadaljevanje sage 'The Godfather' ne samo uspelo, temveč je svojo zapuščino razširilo in postalo del največje ameriške zgodbe o organiziranem kriminalu, kar je bilo kdaj povedano. Film predstavlja dve vzporedni pripovedi; eden se je ukvarjal z Michaelom Corleonejem kot novim vodjem družinskega podjetja Corleone, drugi pa z odličnim Robertom De Nirom kot mladim Vitom Corleonejem in njegov vzpon na oblast. Obe zgodbi sta spretno tkani in ponujata vabljivo pripoved, ki gledalcu niti enkrat ne popusti. Al Pacino tukaj opravi nekaj svojega najboljšega dela, njegov odkriti pogled tako rekoč prežveči kulise vsakič, ko se pojavi na zaslonu. Eden tistih skoraj popolnih filmov, ki si ga lahko ogledate ne glede na čas, kraj in vaše zadnje gledanje, vendar se vseeno končate v popolni oddaji in strahu pred njim. Če je I. del sveti oltar, je II. Del kruh in vino.

26. Clockwork Orange (1971)

Prva stvar, ki mi verjetno pade na pamet, ko vas prosijo, da ta film opišem z eno besedo, je 'moteče'. Edini film na seznamu, ki si ga upam ponovno ogledati, sem se med gledanjem tega filma večkrat ujel. 'Clockwork Orange' je najbolj brezkompromisen družbeni komentar, ki ponuja močne podobe, od katerih si človek morda nikoli ne opomore. Temno je, zvito je in ne nudi odrešitve tistim, ki jo iščejo v filmu z verjetno najbolj bleščečo izvedbo distopije v družbenem smislu. Verjamem, da je v tem uspeh filma, ki je vznemirjajoče sporočilo odpeljal domov. Nekonvencionalen na kakršen koli način, kot si ga lahko predstavljate, nam daje protagoniste, ki so kljub vsemu kljub temu, da se predajajo 'ultravijoličnim dejanjem' in posilstvu; komentira družbenopolitično stanje stvari na najstrožji način, kot si lahko predstavljate, spravlja vas v zmedo, saj je Alex DeLarge (v vlogi karizmatičnega Malcolma McDowella) podvržen nečloveškim načinom popravljanja in na koncu občinstvo pusti v daleč od vseh stvari, ki jih povzroči ta moteča izkušnja naenkrat. Resnično, delo Kubrickianovih razsežnosti.

25. Vrtoglavica (1958)

Zgodba o 'Vrtoglavici' gre takole - nekdanji detektiv Scotty (James Stewart) trpi zaradi akrofobije zaradi incidenta, ki se je zgodil pri opravljanju službe. K njemu se obrne stari prijatelj, da pazi na svojo ženo Madeleine, za katero meni, da je obseden. Sprva dvomljiva, Scottie kmalu postane samouničevalno obsedena z lepo damico, ki je videti veliko več, kot si dovoli. Briljantnost Alfreda Hitchcocka je v tem, da se zdi, da njegovi največji filmi, ki jih je treba navdušiti prvič, gledalcu ob vsakem zaporednem pokušanju odpirajo novo plast razumevanja. Seveda, na bežen pogled, ‘Vrtoglavica; je dobro zasnovana skrivnost psihološkega umora. A ko ga vedno znova opazujete, se teme moške agresije in gradnje ženske podobe v moškem umu začnejo odpirati kot neskončnost in vas zajemati. O počasnem briljantnem briljantnosti Vertiga verjetno verjetno najbolj fino zastareli film kdajkoli posname dejstvo, da po odprtju mešanih kritik film velja za enega največjih filmov, ki so jih kdajkoli posneli. Mojstrovina mojstra trilerjev.

24. Hirošima, ljubezen moja (1959)

Film 'Hiroshima mon amour', rojen iz misli francoskega levobrežnega vizionarja Alaina Resnaisa, je film, ki joče s transcendentalno močjo. Njegova zgodba o času, ki se prepleta s spominom in brazgotinami obeh, ki so se zgodili v Hirošimi med drugo svetovno vojno, je bila pripovedovana prek dveh ljudi - enega Francoza in enega Japonca - ko sta poskušala sestaviti prevladujoče sporočilo o uničenju, ki ga je tam povzročila. Razen, da se s takšno neumnostjo ne da ničesar intelektualno ali čustveno pridobiti. To je delo, potopljeno v mednarodno žalovanje, ki seže dlje od samega konflikta in v resnice in represije, ki človeka preganjajo vsak dan. Skozi odmeve atomske eksplozije najdemo delček tega, kar je tako narobe z nami. Dejstvo, da Resnais preprosto razume to nedotakljivo zmedo, namesto da bi jo poskušal popraviti, je tisto, zaradi česar je 'Hiroshima mon amour' ena izmed velikih filmskih mojstrovin.

23. Naključni Baltazar (1966)

Pusta mojstrovina Roberta Bressona je vaja v občutku. Oddaljuje se od opredelitve jasnega protagonista ali osrednje teme, razen če upoštevate čudežno naravo, ki je Baltazar, in če film vzamete za resnično, ga ne. A če mu dovolite, da je vaša točka dostopa do čustvene in tematske pokrajine filma, se iz njega težko vrnete nenagrajeni. Baltazarjev nenavaden, suh in hladen vizualni slog se za nazaj zdi skoraj glamurozen; njegova umirjena krhkost, zavita v resigniran, izjemno moder občutek nadzora. Tudi njegova očitna poštenost skriva preučeni napor, da se nekoliko zadrži, s svojo preprostostjo nastavitve in značajem nahrani bogastvo, ki ga občinstvo pusti odkriti in si v nekaterih dih jemajočih primerih predstavljajte. Ker igralci tako malo govorijo o svoji stiski, doživljamo naključna, nerazumna dejanja okrutnosti in čutimo zadušljivo žalost za njim. V obliki, ko si tudi najbolj dovršeni umetniki prizadevajo zgolj povečati čute gledalcev, tako da se prilagodijo preizkušenim, so mi Bressonove podobe priskrbele lirično predlogo, na kateri sem temeljil velikost mojega sočutja in celo ocenil, kako zavestno je to sočutje .

Vse to me vrne k prvotni misli. Dodelitev pomena vsakemu trenutku v 'Baltazarju' ni odvisno od tega, ali domnevamo, da je njegova vsebina alegorija družbene ali celo politične narave, temveč od načina, na katerega nas naredijo čutiti z uživanjem v njihovi zapletenosti in tišini, namesto da bi se zanašali na nespametno ekspozicijo, za katero se zateka večina filmov. Potemtakem je povsem smiselno, da je protagonist istoimenski osel.

22. Andrej Rubljev (1966)

Verjamem, da je 'Andrej Rubljev' največji primer ruskega avtorja Andreja Tarkovskega koncepta kiparjenja v času. Veliko njegovih zadnjih del je bilo abstraktnih, saj se je ukvarjal z neverjetno osebnimi temami in vizualizacijo, ki je bila razpršena skozi vsa obdobja. Z ‘Andrejem Rubljovim’ je Tarkovski sam ujel čas in ga nato pobožal z najglobljimi odtenki umetnikove duše. Verjetno edini režiser Tarkovskega, ki bi lahko dosegel najvišji dosežek v upodobitvi umetnikove represije. Raziskuje zatiralske režime v Rusiji, ki so tako domorodni za državo kot njena globoka literatura, ki je presenetljivo postavila pod vprašaj najzahtevnejša vprašanja v zvezi z duhovnim in metafizičnim. Številne poznejše lastnosti Tarkovskega, vključno s snemanjem naravnega toka, lahko opazimo na potovanju Andreja Rubljova. To je film, ki vas posname, razbije in vam da misliti - tako med filmom kot še dolgo po tem, ko so se krediti zvrnili.

21. Avantura (1960)

Kako se počutite zaradi nerazrešene skrivnosti? Ali nedokončana zgodba? Ali iščete zaprtje tako, da ga obupno iščete? Ali pa sprejmete dejstva in nato nadaljujete? Ali ne gre za življenje? Kompromis in gremo naprej? Film, ki je Michelangelu Antonioniju prinesel prepoznavnost po vsem svetu, 'L'Avventura' je zgodba o izginotju mlade ženske med jadralnim potovanjem po obali Sicilije. Iskanje po njej zbliža nekdanjega ljubimca in najboljšega prijatelja in začne se moteča zveza. Medtem ko je zgodba tkana okoli iskanja pogrešane ženske, je njen resnični namen ustvariti pripoved, ne da bi se osredotočila na pomemben dogodek in kljub temu lahko navdušila občinstvo. Pravi motivi osrednjih likov niso nikoli v celoti razloženi in ko se film konča, je gledalec prisiljen sprejeti, da nekateri dogodki ostanejo nepojasnjeni, tako kot to počne življenje. Neizpodbitna mojstrovina!

20. Brez dihanja (1960)

Že dolgo preden se je Quentin Tarantino razbil na ameriško indie sceno s svojim divjim pristopom k snemanju filmov, ki je poudaril slog nad vsebino, je bil mož po imenu Jean Luc-Godard, ki je neustrašno prevzel tradicionalne filmske slovnice in jih nepremišljeno zlomil. navzdol, redefiniranje in oblikovanje filmov, kot jih vidimo danes, s filmom z naslovom 'Brez dihanja'. Morda nobenemu drugemu filmu ni uspelo ujeti minljive norosti mladosti na način, kot to počne 'Breathless' s svojo nepremišljeno energijo in opojno vibrijo. Nenavadna uporaba preskoka razveseli inherentno norost premise, ko vas Godard močno odmakne od svojih likov in vas prosi, da se osredotočite na razdrobljene vidike zgodbe namesto na zgodbo kot celoto. Film 'Brez dihanja' je eden najpomembnejših filmskih prvencev v kinematografski zgodovini in čeprav še naprej polarizira cinefile in kritike, ni mogoče zanikati vpliva, ki ga ima na sodobno kinematografijo.

19. Sedem samurajev (1958)

Akira Kurosawa je ena najbolj izvirnih, vplivnih in referenčnih režiserk, ki so kdajkoli živele. Roger Ebert je nekoč o Kurosawi dejal: 'Lahko bi trdili, da je ta največji režiser naslednjih petdeset let zaposlil akcijske junake' in ni mogel biti bolj resničen. Sergej Leone 'A Fistful Of Dollars', ki naj bi rodil žanr špageti vestern, je bil navdihnjen iz Kurosawine 'Yojmbo'. Tudi naš trenutni prispevek je tehnični in ustvarjalni prelom in je navdihnil nešteto neposrednih pripovedovanj, pa tudi številni vizualni elementi v sodobni kinematografiji . Epska drama opisuje zgodbo sedmih ronin (samuraji brez mojstrov), ki se lotijo ​​orožja in ubranijo slabo civilizacijo, ki jim ni več prostora za napad na razbojnike na Japonskem iz 16. stoletja, ki se konča v hudi podnebni bitki. Toda briljantnost filma 'Sedem samurajev' je v tem, da pripoveduje množici dobro oblikovanih zgodb, ki se raztezajo v različnih žanrih, skupaj z glavno dramo. Po vsem filmu so prisotni elementi akcije, pustolovščine, romantike in polnoletnosti. Sestavljen je tudi iz likov, tako razvitih kot redek zrezek, ki je kasneje postal sponka več žanrov. Resnično inspirativno umetniško delo.

18. Drevo življenja (2010)

'Drevo življenja' je najvišja oblika kina: preprosto ne pripoveduje zgodbe, ampak želi spremeniti vaše življenje. To je film, ki vam bo vzel čas, ko se bo, pa boste težko nenehno razmišljali o njem. Filmska pesem izjemnega obsega in ambicioznosti 'Drevo življenja' ne zahteva le občinstva, da ga opazuje, temveč tudi odseva in čuti. Najenostavneje je zgodba o poti iskanja samega sebe. Najbolj zapletena je meditacija o človeškem življenju in našem mestu v veliki shemi stvari. Ni pomembno, v katero vero verjamete ali če sploh verjamete v višjo entiteto. Pravi občutek začudenosti v filmu izhaja iz čarobnosti, ki je življenje samo. Najlepši vidik filma je, da se s časom izboljšuje, kot dobro vino.

17. Od blizu (1990)

Pokojni veliki iranski avtor Abbas Kiarostami je pogosto videl lepoto in poezijo v najbolj nesmiselnih vsakdanjih epizodah človeškega življenja. Z zavajajočimi preprostimi zapleti in naravoslovnimi nastavitvami je Kiarostami raziskal univerzalne teme, ki so neovirano presegale kulturne ovire zaradi človeštva, v katerega je bil njegov kino že sam po sebi. 'Od blizu' je verjetno njegovo najbolj dovršeno delo in eno najbolj izvirnih, iznajdljivih del kinematografske umetnosti, ki je bila kdaj proizvedena. Film je v obliki dokumentarne fantastike, s katero je prikazan resnični preizkus človeka, ki se je predstavljal za iranskega filmskega režiserja Mohsena Makhmalbafa. Igralska zasedba vključuje ljudi, ki so bili dejansko vključeni v preizkušnjo in so v filmu igrali sebe. 'Od blizu' je osupljivo raziskovanje človeške identitete, gledano skozi oči navadnega človeka, ki se trudi, da bi se spopadel s seboj in svojim življenjem, in iz obupane žalosti in pristne ljubezni do kinematografske umetnosti stopi v kožo svojega idola, da vedeti, kakšen je občutek biti resnično živ, občudovan in spoštovan. To je filmsko ustvarjanje najvišjega reda.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruselj (1975)

Ta francoska avantgardna igra z Delphine Seyrig v vlogi glavnega junaka ni zgolj kinematografska izkušnja. Je bližje vaji - preizkusu in vpliva na vas na načine, ki jih je pred ali pozneje izvedlo malo drugih filmov. Neodvisni komad se osredotoča na tri dni v življenju osamljene, zaskrbljene gospodinje, ko gre skozi svoj strog urnik, poln vsakdanjih gospodinjskih opravil. Je mati in vdova, ki zvečer opravlja spolna dela za gospoda, da bi si zaslužila za preživetje. Težave se pojavijo, ko je drugi dan njena rutina nekoliko motena, kar povzroči nekakšen domino učinek, ki se odraža v urah po njem. Jeanne Dielman potegne v svoj počasen in meditativni svet z izrazitim Akermanovim režiserskim podpisom, ki vključuje diegetično vzdušje, in hipnotično auro, ki jo prinaša mirna, prefinjena in potrpežljiva osebnost mojstrovine, kar je boleče praznovanje monotonosti obstoja.

15. Rašomon (1950)

Eden najbolj nekonvencionalnih in eksperimentalnih del snemanja filmov za svoj čas, 'Rashomon' opazuje mojstra pri delu, vse skupaj pa s svojimi veščinami pripovedovanja zgodb. Preprosto povedano, gre za incident o incidentu, ki se je zgodil na štirih divje različnih stališč, obtoženih, žrtev in tistih, ki trdijo, da so očividci. Izstopa iz vseh tehničnih razlogov s skoraj brezhibno montažo in mojstrsko režijo, a film si na tematskih vprašanjih, s katerimi se ukvarja, zagotavlja zmago; vprašanja o obstoju absolutne resnice. Je resnica res tako objektivna in nepravična, kot jo človek predstavlja, ali je z njo povezana neka subjektivnost? Običajno je objektiven ali vsaj na splošno velja, da ni drugih verzij. Ta film ga podvomi na način, da je gledalec sam ogorčen z vprašanji, prav tako pogosto komentira, kako ljudje včasih niso povsem iskreni do sebe. Tematsko je tako zapleteno, kot je vseeno, a na videz tako preprosto, kot želite.

14. Stalker (1979)

Če obdržimo manjše potomce, med katerimi je izjemno uspešna televizijska serija 'Westworld', ogromnega vpliva 'Stalkerja' na vizualno pripovedovanje zgodb ni mogoče preceniti. Ideje - filozofske, duhovne in znanstvene - pa tudi njihovo spretno, veličastno kinematografsko raziskovanje v filmu 'Stalker' so vtisnili na številne znanstvene fantastike, ki bodo prišle po njih. Ne toliko drsanje, induciranje transa in v točkah, abstraktni tempo ali vznemirljiva uporaba enobarvne sepije zunaj 'Cone' in odtisne barve lokacij v Estoniji se zrcalijo pri delu filmskih ustvarjalcev, kot je Terrence Malick in Lav Diaz, če jih naštejemo le nekaj, a vztrajno potrpljenje in ponižnost. Tarkovski, ki v glavnem preda filozofsko vladavino občinstvu, pušča gledalcem toliko prostora, da sami odkrijejo več metafizičnih vidikov filma, da se zdi tudi njegova neprimerljiva dobesedna in vizualna poezija plod naše izmišljotine kot njegovega izmišljevanja. in njegovih sodelavcev '. Pa vendar, film ostaja odmaknjen in nas vodi v nepreklicne skrivnosti uma in srca in nikoli jih ne razvozlamo, ker ravna pot ni nikoli prava.

13. Fanny in Alexander (1982)

Skoraj 35 let po prvi izdaji je Bergmanova zadnja režiserska igra prav tako fascinantna za seciranje, kot takrat za kritike po vsem svetu, za katere se je zdelo, da se trudijo zagotoviti, da bi bila njihova mnenja o njej slišana. Ta mnenja so bila veliko bolj razdiralna kot danes, vendar se zdi, da je mesto filma v Bergmanovi filmografiji še vedno težko določiti. Po tonu, strukturi in sami velikosti je za razliko od vsega, kar je Bergman storil do te točke. Je pa tudi neizpodbitna združitev vseh njegovih tematskih in vizualnih instinktov, ki so bili prepleteni v tej življenjsko trdni tapiseriji družine v začetku 19. stoletja na Švedskem. Zdi se, da njegova slikovita razkošnost pritegne vso pozornost pri prvem ogledu z globoko navdušujočimi različicami rdečih, zelenih in blagih, toplih rumenih, ki tvorijo tako opojno barvno paleto, da njena odsotnost - kadar je vse oblečeno v bele, črne in ostre modre barve - se zdi kaznovalno. Bergmanove natančno izdelane kronike izžarevajo z veseljem družinskega piknika in se ponašajo z znanostjo človeških vezi, ki jih desetletja drži pristna, krhka naklonjenost. V tej velikodušni izvedbi življenja sta rojstvo in smrt naključna. V malem svetu ti liki, tako kot večina nas, naseljujejo, obodne radosti so vse, česar se lahko upate, in jim je dovolj, kot bi morale biti za nas. Je vse skupaj iluzija? Ob gledanju tega velikanskega ansambla, ki dela taka čudeža, bi si lahko kdo mislil. Če je, verjemite mi, nočete, da se razbije.

12. Apokalipsa zdaj (1979)

Obstajajo vojni filmi, ki prikazujejo zapletenost vojskovanja (na primer 'Sovražnik pred vrati'), nekateri drugi, ki to zmerjajo in ozirajo (na primer 'Pianist'), potem pa drzni 'Apokalipsa zdaj', ki ne ponuja mnenje ali sklep, ampak namesto tega nazorno prikazuje grozote vojne, hkrati pa poveličuje vojake, ki v njej sodelujejo. Do danes poteka razprava, ali je 'Apocalypse Now' predvojna ali protivojna. Všeč ali sovraži; gotovo je, da se ga boste spomnili. Ena izmed najbolj problematičnih produkcij v zgodovini Hollywooda, zadnji film režiserja Francisa Ford Coppole je končal njegovo tehnično najbolj briljantno delo. Gola predpostavka je preprosta - stotnik Willard mora 'končati s skrajnimi predsodki' polkovnik Kurtz, ki je vstopil na sovražno ozemlje in odšel. Toda Willardovo izčrpavajoče potovanje po vietnamskih grozljivih bojiščih (povzdignjeno z osupljivo kinematografijo Vittorio Storaro) ostaja vtisnjeno v misli že daleč po tem, ko se zvrstijo krediti. Z enim nepozabnim prizorom za drugim in dokončnimi nastopi Martina Sheena v vlogi Willarda, Marlona Branda v vlogi Kurtza in Roberta Duvalla kot navdušenca nad napalmom podpolkovnika Kilgoreja, 'Apocalypse Now', kot je upravičeno izjavil Coppola, 'ne gre za Vietnam. To je Vietnam «.

11. 400 udarcev (1959)

'400 udarcev' Françoisa Truffauta je resnično umetniško delo, ki izvira iz resnične bolečine. Resnično iskreno in globoko osebno delo je Truffaut film posvetil svojemu duhovnemu očetu in mednarodno priznanemu teoretiku filma Andréju Bazinu. Izjemno avtobiografsko je bilo Truffautovo otroštvo težavno in to se v filmu zelo jasno odraža. Na zunaj film govori o mladoletniškem in mladostniškem prestopništvu, ki ga pogosto vodi družbeno in starševsko zanemarjanje. Poglejte malo globlje in našli boste film o upanju; upanje, ki je intenzivno in terapevtsko. Antoine Doinel, protagonist, je na nek način močna predstavitev same družbe, družbe, ki svoje lastne napake skriva za pravili, kaznimi in sodbami. Film teče kot reka in občinstvo popelje na pot upanja, obupa, empatije in celo same jeze. Če ste kdaj želeli videti, kako izgleda mojstrovina, ne glejte dlje od »400 udarcev«.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch ni režiser. Moški je sanjač. In 'Mulholland Drive' so največje sanje, ki jih je kdaj sanjal. Sanje, ki zajemajo vsa čustva, ki zajemajo človeški obstoj. Težko je razložiti ali opisati film, kot je 'Mulholland Drive', ker je to film o izkušnjah in tem, kaj iz njih vzamete, ne pa zaplet, ki temelji na običajni pripovedi, ki vas hrani z odgovori, s katerimi bi lahko z veseljem odnesli domov. Lynch je pogosto izjavil, da njegova vizija filma v osnovi temelji na številnih idejah in občutkih. In to postane vrata za razumevanje filma tako zapletenega in večplastnega kot 'Mulholland Drive'. To je labirint sanj, ambicij, želja in nočnih mor. Lynch ve, kaj nas najbolj prestraši in kaj nas spravlja v čisto norost. In prav ta vznemirjajoče intimen odsev človeške podzavesti naredi 'Mulholland Drive' tako globoko mučno umetniško delo. Taka, ki vas zajame z občutkom topline in nežnosti, preden zareže skozi lobanjo.

9. Kolesarski tatovi (1948)

'Preprostost je vrhunska prefinjenost' - Leonardo Da Vinci. Ena najtežjih nalog pri ustvarjanju filmov je ugotoviti, kdaj film končati. Konec v Tatovih koles je tonsko sinhroniziran z začetkom, saj začnemo od Antonia, vsakdanjega človeka, ki izhaja iz množice, do Antonia, vsakdanjega človeka, ki se razprši v množici. Življenje v povojnem Rimu se je vsak dan spremenilo v boj in komaj je bil kdo, ki je naredil to močvirje bede. Filmov, ki zagotavljajo tako globoko introspekcijo kot tatovi koles, je zelo malo. To je film, ki vam bo srce zlomil na koščke, a vas bo navdihnil, da živite v polnosti. Redko tako preprost film po svoji predpostavki je tako sijajno učinkovit v svojem sporočilu. Po ogledu filma je skoraj nemogoče pozabiti film. Čeprav je največji dosežek filma v tem, koliko neodvisnih filmskih ustvarjalcev je navdihnil, ki do danes kot navdih navajajo 'Kolokrade'.

8. Tokio zgodba (1953)

'Tokio Story' je tisto, k čemur si prizadeva vsak filmar, ki želi povedati smiselno zgodbo. Očitno vsi ne uspejo! Ni boljšega primera filma, ki prikazuje epsko zgodbo na tako preprost, a mojstrski, učinkovit in nepozaben način. Z 'Tokio Story' je Yasujiro Ozu dosegel nekaj, kar so sanje vsakega živega filmskega ustvarjalca: večno prebivanje v občinstvu v srcu in umu. Kdor je videl 'Tokio Story', bo vedel, o čem govorim. Film pripoveduje o starajočem se tradicionalnem japonskem zakonskem paru, ki obišče svoje otroke v Tokiu, le da bi prišel do ostrega spoznanja, da so njihovi otroci preveč zaposleni s svojim življenjem, da bi zanje skrbeli in so se od njih kulturno in čustveno izjemno oddaljili . Pri filmu je tako izvrstna njegova univerzalna tema, s katero se lahko poveže kdor koli in kjer koli. Ozuov filmski slog tudi zagotavlja, da ste zajeti v pravljico, ki ponuja globok vpogled v spreminjajočo se človeško psiho s spreminjajočimi se časi. Preprosto briljantno!

7. V razpoloženju za ljubezen (2000)

'V razpoloženju za ljubezen' je preprosto največja ljubezenska zgodba, ki so jo kdajkoli posneli na filmu. Obdobje. Lahko bi bila to predstava ali celo poezija. Z lepimi, očarljivimi podobami in izvrstno glasbo, ki prežema dušo, 'In The Mood For Love' pripoveduje zapleteno zgodbo dveh preprostih posameznikov. Dva posameznika, ki greta skozi strah in vabo zaljubljenosti; in ko je nekoč zaljubljen, čista bolečina, ki jo pušča nepopolno. 'V razpoloženju za ljubezen' prikazuje ljubezen v najbolj ranljivi obliki. In s tem razkrije lastne ranljivosti in kako nemočni smo pred ljubeznijo. Redko tako podcenjen in tako zadržan film ima takšen vpliv po ogledu.

Nisem prepričan, ali je režiser Wong-Kar-Wai nameraval posneti film, ki ga je posnel, glede na to, da je film večinoma posnel brez scenarija. Če pogledate zgodovino, so najbolj odločilne umetnine srečne nesreče. Mednje štejte ‘V razpoloženju za ljubezen’.

6. 8 1/2 (1963)

Številka osem in pol v filmografiji italijanskega maestra je ta vdihljiv, slasten ep fantazij, nočnih mor in preveč blatne resničnosti podoben biskoti - v svoji obliki je res absurden in pečen na način, ki ne dovoljuje, da bi ga v celoti požrli. enkrat. Njegova strašna, nemirna kamera dopolnjuje Fellinijevo zavestno vizijo filmskega ustvarjalca, ki skuša v svojem novem filmu usmeriti številne spreminjajoče se izkušnje, ki jih je imel v svojem vozlanem življenju. Kakorkoli polavtobiografsko, '8 1/2' piha mimo občinstva z vso svojo čudovito zapletenostjo v takšnem radikalnem tempu, da sem skušal dekonstruirati njegove prefinjeno sestavljene podobe, da bi si našel svoje mesto v Fellinijeva visoka specifičnost, vendar nikoli ni mogel trdno pristati na tleh.

Izkoriščanje zasenčenih gravitacij Marcella Mastroiannija je lahko Fellinijeva elektrika izjemna. Držite se svojega dojemanja določenega trenutka in prepoznate njegovo soparno bogastvo, šele ko odkrijete, da je režiser prešel na drugo plapolajoče, prijetno mirno zaporedje. Njegove ideje o umetnikih in njihovi zmedeni, smešni obsedenosti s samimi se morda zdijo zastarele - ali še huje, nepomembne - toda drznost njihove konstrukcije in izražanja se pri nas nikoli ne izgubi. Očara nas in zavede, nikoli nam ne dovoli, da bi odmaknili pogled od nje, nato pa zdrsne skozi prste, ko se nam zazdi, da je nikoli nismo imeli v roki. Fellini se v filmu ne razlikuje dosti od jasnovidne Maje, ki se zdi, da ve, kaj vsi mislijo: spretnost, ki jo njen asistent pripisuje telepatiji. Ko naš glavni junak Guido vpraša asistentko o tem, kako to počne, odkrito ugotovi: »Delno je trik, deloma pa resničen. Ne vem, ampak zgodi se. ' Nobena beseda ne bi mogla bolj primerno opisati filma.

5. Oseba (1966)

Menim, da je varno trditi, da je 'Persona' sama zlomila kino. Kot grozljivka na videz je klasika Ingmarja Bergmana iz leta 1966 bolj študija individualne identitete kot karkoli drugega. Ta film na čim bolj dvoumen način pripoveduje zgodbo o slavni igralki, ki izgubi glas, in medicinski sestri, ki skrbi zanjo, z inovativnimi tehnikami montaže, ostrimi koti kamere, hladnimi izrazi, poglobljenimi dialogi in čudovito režijo. v samotnem domu, kjer se njihove značilne osebnosti počasi začnejo mešati med seboj. Ker je režiserjeva najbolj 'kinematografska' podvig, 'Persona' poskrbi, da zavije v vsa običajna pravila snemanja filmov, da bi poskušala ustvariti novo in navdušujočo izkušnjo. Z nekaterimi največjimi igralskimi igrami, ki so jih kdajkoli postavili na celuloid, nam vzdušje filma pomaga ceniti vprašanja, ki jih imamo o njem, tako da naš poudarek preusmerimo na obrt, ki se začne igrati. Preprosto ne obstaja nič takega kot 'Persona', kar bi lahko bilo dejstvo.

4. Boter (1972)

Mogoče najvplivnejši film doslej. Ena najredkejših priredb, ki je pravzaprav boljša od izvirnega materiala - v tem primeru je istoimenski roman Maria Puza - film je zdržal skozi stoletja in je klasika v pravem pomenu besede, ki je vedno boljša z vsakim ogled. Film opisuje mafijsko družino pod vodstvom Don Vita Corleoneja in se osredotoča na prehod njegovega sina, ko prevzame družinsko podjetje ob patriarhovi smrti. Brez dvoma so predstave ena glavnih prednosti tega filma, med katerimi so tudi Marlon Brando kot Vito Corleone in Al Pacino kot Michael Corleone, ki s svojimi predstavami na novo opredeljujejo igralske standarde. Vse ostalo, še posebej scenarij in kinematografija in partitura za nastavitev razpoloženja, pričakujejo stopnja A in žanr. Upravičeno ni nobenega cinefila, ki te mojstrovine filma ni videl. To je oltar, kamor gremo moliti.

3. Državljan Kane (1941)

Sveti gral ameriške kinematografije. 'Citizen Kane' je opredelil skoraj vse vidike, ki zajemajo kinematografsko umetnost. Film, ki je prekinil nešteto konvencij filmskega ustvarjanja, samo da bi ustvaril nove. Od svojih revolucionarnih tehničnih lastnosti, vključno z osvetlitvijo, zvokom in vizualnimi elementi, do zelo inovativnega sloga pripovedovanja zgodb, je 'Citizen Kane' spremenil način snemanja filmov. Film je globoka globoka likovna študija, ki v obliki skrivnostne drame razkrije resnice življenja skrivnostnega založniškega tajkuna, katerega zadnja beseda je vzbudila zanimanje novinarja. Odpravi se na pot in raziskuje človeka, ki je nekoč svoje življenje začel s surovimi ambicijami in željami, vendar bi kmalu podlegel zapeljivi moči pohlepa in avtoritete. 'Državljan Kane' je neizmerno močno umetniško delo, ki v svojem raziskovanju globokih temativ zajema neskončno zapletene čustvene vidike živega življenja kot človeka.

2. Ogledalo (1975)

Je umetnost lahko kdaj tako osebna, da je človek ne bi mogel ločiti od ustvarjalca? To vprašanje me je prizadelo, ko sem prvič videl 'Ogledalo' Andreja Tarkovskega. To je umetniško delo, kjer se umetnik popolnoma preda svojemu delu, ki ga ne ločite od dela, ki ga opravlja. Skoraj tako kot da bi Tarkovski zadihal ves film. Avtorji so naredili svoje mojstrovine, spreminjali in oblikovali kino, kakršnega vidimo danes, toda Tarkovski je stopil korak dlje od njega in dosegel nedosegljivo; daje življenje svoji umetnosti. ‘Ogledalo’ je pravkar dihajoči kino. Videli ste Tarkovskega, njegovo družino in kulturo, v kateri je odraščal. Pravzaprav bi se lahko v njej videli sebe, svojo mamo in ob občutku Deje Vu vas ob pogledu na te kraje pade na pamet. Skoraj tako kot da ste bili tam, morda v življenju ali v sanjah, ki ste se nekje izgubili. In za umetnika, da izdeluje nekaj tako osebnega in intimnega, je nekaj, kar resnično presega besede. To je film, ki utemeljuje tisto, kar smo vedno vedeli: kino je največja oblika umetnosti.

1. 2001: Vesoljska odiseja (1967)

Kot vsak drugi vnos na tem seznamu je tudi '2001' lekcija v filmskem ustvarjanju. Številni filmski ustvarjalci, med njimi Christopher Nolan in Denis Villeneuve, so govorili o tem, kako jim je film navdihnil. Torej, ja, film je tehnično čudo. Ampak to ni razlog, zakaj je film na vrhu tega seznama toliko odličnih filmov. Sedi na vrhu, ker gre za film, ki si je upal iti tja, kamor še ni šel noben film. Hudiča, nihče sploh ni vedel, da obstaja tak kraj, kamor bi lahko kinematografirali. In če je kdaj kinematografska umetnost zahtevala razlog ali dokaz, ki potrjuje, da je njen namen obstoja veliko več kot zgolj zabava, potem je tu: povsem prepričljiv in nadvse mitičen '2001: Vesoljska odiseja'.

Stanley Kubrick je s skoraj vsemi svojimi filmi razširil obzorja kinematografije. Z '2001: Odiseja v vesolju' je dal tudi nov pomen, kaj kino lahko doseže. Večina filmskih ustvarjalcev uporablja kino kot medij za pripovedovanje zgodbe. Toda Kubrick je kinematograf izpraševal. Kaj je spraševal? Vse, od Boga do namena našega obstoja. Medtem ko je '2001: Vesoljska odiseja' sam po sebi zelo inteligenten znanstvenofantastični film, je pa tudi veliko več. Verjamem, da gre za film, ki je bolj filozofsko iskanje, da bi ugotovil, ali Bog obstaja. Govorimo o visokem cilju!

.