100 najboljših filmov vseh časov

Alejandro Jodorowsky Prullansky, slavni čilsko-francoski filmski režiser, pesnik, dramatik in glasbeni skladatelj, je nekoč dejal: Vedno sem mislil, da je od vseh umetnosti kino najbolj popolna umetnost. Strinjam se. Na več načinov je kino pravzaprav združitev vseh drugih pomembnih umetniških oblik: slikarstva, pisanja in glasbe. Ni naključje, da je kino tudi najsodobnejša oblika umetnosti. Konec koncev je bil razvoj drugih umetniških oblik nujen, da je nastal kinematograf. Dejstvo, da ostaja najbolj priljubljena umetniška oblika skoraj od trenutka, ko je nastala, vam pove tako njeno moč kot slabost: je lahko dostopna in zato bolj komercialna.

S tem v mislih vam z veseljem predstavljam seznam The Cinemaholic’s 100 najboljših filmov vseh časov . Preden nadaljujete z raziskovanjem našega seznama 100 najboljših filmov, ki so jih kdaj naredili, se spomnimo še enkrat, da seznami po svoji naravi nikoli niso popolni. Torej ne trdimo, da je to sveti gral na seznamu absolutno najboljših filmov na svetu. Lahko pa vam zagotovim, da je za sestavljanje tega seznama opravljenih veliko raziskav. Upoštevali so na tisoče filmskih naslovov in razpravljali o vsakem končnem izboru. Prepričan sem, da bo na seznamu manjkalo veliko vaših najljubših filmov. Veliko mojih najljubših tudi manjka! Toda namesto da bi bili zaradi tega razočarani, izkoristite to priložnost in si oglejte filme, ki jih še niste videli. Kdo ve, morda boste na koncu odkrili svoje nove najljubše(-e)!

100. Cherbourški dežniki (1964)

Jacques Demy svojo romantično opero obarva z mehko, nenavadno prefinjenostjo, ki deluje kot malo hipster. Toda ta barva ni samo tista na stenah, oblačilih in dežnikih. Prav tako je na licih mladega dekleta, ki je nemogoče zaljubljeno, ko prečka ulico, da bi pozdravila svojega ljubimca in njegovo odsotnost, ko zagledamo ta obraz v tančici, mlado dekle, ki je zdaj nevesta nekoga drugega. Barva je tudi v tem, kako ljudje govorijo, natančneje, pojejo drug drugemu. Toda njihovi lirični pogovori se ne rimajo kot večina pesmi. Ko je vse, od poklicev ljubezni do skrbi za denar, prepleteno z nerazločljivo strastjo, vam ne bi koristilo, če bi šli na ribolov zaradi rime ali razuma. Medtem ko so film in vsa njegova melodična razodetja, podprta z nezemeljsko glasbo Michela Legranda, srce parajoče romantična, vse odločitve, ki jih sprejemajo naši liki, tako kot vse v življenju, odločno niso takšne.

Za tako dolgočasno znano zgodbo, ki je bila osnova za nešteto pop pesmi in teleoper, je vsak okvir 'The Umbrellas of Cherbourg', ki poka od melanholije, vabljivo svež, celo neznan. To lahko pripišete temu, kako pristna so čustva in kako iskreno je njihovo izražanje. V tako skromnem obsegu vas 'Dežniki' uničijo z najmanjšimi odsevi. Bil sem osupel, kako velik bi lahko bil vpliv dveh praznih stolov, ki sta ju nekoč napolnila zaljubljenca. V Demyjini prijazno narejeni poslastici korakamo v pustnih karnevalih, polnjenih s trakovi in ​​konfeti, krasimo božična drevesca in se obdarujemo ter vse svoje občutke pospravimo nekam v kotičke srca, saj ne glede na to, kako težko je človek prenašati odsotnost oz. preteklost je pozabiti, vse kar lahko storimo je, da živimo v fantaziji današnjega časa.

99. Trainspotting (1996)

Malo težko je filmofilom, kot smo mi, razložiti fanatizem 'Trainspottinga'. Prišlo je nekje v času, ko se je resničnost mamil šele začela poglabljati. Rekli bi, da je glamuriziralo zlorabo drog in do neke mere je res. Dejstvo, ki je iz tega izhajalo, je bil poskus Dannyja Boyla, da pokaže vzpone in padce zlorabe drog, ne da bi se postavil na stran. 'Trainspotting' je kultni film, ki pripoveduje zgodbo o štirih prijateljih in njunem sorodstvu z odvisnostjo. Nezaslišano in bizarno sta edini besedi, ki to opisujeta. Odvisnik od mamil, ki želi biti čist, le da na vsakem koraku omahne zaradi svoje najgloblje želje, da bi se nadihal. Velikodušno preobremenjen s humorjem skuša film s popolno resnostjo poudariti dejstvo: kljub razkošju, ki ga ponuja življenje, jih mladina z veliko aplombusa zanika. In razlogi? Razlogov ni. Kdo potrebuje razloge, ko imaš heroin?

98. Diplomantica (1967)

Ah, dnevi mladosti! Brezskrbno in veselo. Zabava brez skrbi. Brez skrbi za preteklost, ki je zapuščena, in brez skrbi za prihodnost, ki šele prihaja. Benjamin Braddock je po diplomi na fakulteti vodil to brezskrbno življenje. In ko se je končno vrnil v domači kraj, je tam srečal gospo Robinson. Plamen afere začne goreti. Življenje se zvija, ko mladi Ben zamenja seks za družbo. Ko se zaljubi v njeno hčer, postane prevrnjeno. Film, ki vabi k razmišljanju, v komedijski obleki, 'Diplomant' je eden najbolj smešnih filmov vseh časov. Z Dustinom Hoffmanom v glavni vlogi vsebuje ikonično linijo – »Gospa Robinson, me poskušate zapeljati?«

97. Veronique dvojno življenje (1991)

Morda noben drug filmski ustvarjalec je ženske razumel tako globoko čustveno kot Krzysztof Kieslowski. Moški jih je imel preprosto rad in to je pokazal s tako strastjo in intimnostjo, da si ne moreš pomagati, da ne bi bil navdušen nad njeno surovo čustveno močjo. 'Dvojno življenje Veronique' je morda le njegov največji umetniški dosežek. Film govori o ženski, ki začne čutiti, da ni sama in da je del njenega življenja nekje na svetu v drugi duši. Veronique in Weronika sta dve enaki ženski, ki se ne poznata, a vendarle imata skrivnostno intimno čustveno povezavo. Visoko stilizirana kinematografija Slawomirja Idziaka obarva film z nežno melanholičnim občutkom, ki te ovije in ne izpusti. Obstajajo občutki in čustva, ki jih res težko izrazimo z besedami in film oživi te nerazložljive občutke zamišljene žalosti in osamljenosti. 'Dvojno življenje Veronique' je osupljivo umetniško delo, ki prikazuje človeško dušo v vseh njenih čudovitih slabostih in nežnostih.

96. Cinema Paradiso (1988)

Mnogi ljudje gledajo na kino kot na razvajanje, dejavnost prostega časa, zabavo, ki nima nobenih posledic v življenju. Toda jaz, z vojsko gorečih filmofilov, ki me goreče podpira, lahko s popolnim prepričanjem trdim, da je kino za življenje tako potrebno kot življenje za kino. In 'Cinema Paradiso' je lep, čeprav ironičen način, da povem svojo misel. Uspešni filmski režiser Salvatore se nekega dne vrne domov z novico, da je Alfredo umrl, po kateri se vrne v svoje rojstno mesto na Siciliji iz 1950-ih. Mladi in nagajivi Salvatore (z vzdevkom Toto) odkrije trajno ljubezen do filmov, ki ga zvabi v vaško filmsko hišo Cinema Paradiso, kjer je Alfredo projekcijist. Potem ko se fant navduši, mu stari buba postane očetovska figura, saj skrbno uči Tota veščin, ki bi bile odskočna deska za njegov filmski uspeh.

Gledati, kako Toto in Alfredo s spoštovanjem razpravljata o kinu, in videti Alfreda, ki daje življenjske nasvete s klasičnimi filmskimi citati, je čisto veselje. Skozi Totovo zgodbo o polnoletnosti film 'Cinema Paradiso' osvetljuje spremembe v italijanski kinematografiji in umirajočo dejavnost tradicionalnega filmskega ustvarjanja, montaže in projekcije, hkrati pa raziskuje sanje mladega fanta, da bi zapustil svoje mestece in se podal v zunanji svet. Eden najboljših 'filmov o filmih' kar jih je bilo.

95. Polet nad kukavičjim gnezdom (1975)

Ena tistih redkih filmskih izkušenj, zaradi katere začutiš obilico čustev naenkrat. Ponekod je smešno, v nekaterih vznemirja, v drugih pa naravnost razbija srce. To je tudi eden od drugih redkih podvigov v poenostavljenem, učinkovitem pripovedovanju zgodb, pripovedovanja o Randlu McMurphyju, zločincu, ki v upanju, da bi se izognil zaporu, se pretvarja, da je duševno bolan, in priznava, da ni kriv zaradi norosti. Ko prispe v duševno bolnišnico, se po scenariju klasičnega reda proti kaosu upira avtoritarni medicinski sestri Ratched (ki jo igra jeklena Louise Fletcher). Film ugotavlja, da res ni nikogar, ki bi bil boljši, da bi igral like z udarcem in šarmom v enaki meri kot sam Jack Nicholson, ki mu je prinesel zasluženo oskarja za svojo igro v filmu. Kar se začne kot trajen in srčni film, se po motečih prizorih, ki vključujejo samomor in elektrokonvulzivno terapijo bolnikov, stopnjuje do tragičnega, a obetajočega konca. Film pa vendarle nikoli ne izpusti gledalčeve pozornosti in patetike do likov na platnu, vzbuja pristna čustva in navijanje za človeški duh, ki izžareva tudi ob neuslišani avtoriteti.

94. Pyaasa (1957)

Nabito z idejami družbenih sprememb in ostrimi komentarji o obstoječi zlobi in stigmah družbe, 'Pyaasa' ni le poosebljal zlato dobo indijske kinematografije, ampak je bil tudi odraz indijskega meščanstva. To je film, ki ima subtilno lastnost samega sebe, kjer vse predrzne resnice in ostre družbene resničnosti vrejo pod površjem in čakajo, da jih premišljeno občinstvo razišče in ekstrapolira. 'Pyaasa' je brezčasna klasika ne brez razlogov. Tudi po 60 letih od izdaje ostaja aktualen v sodobnem času, saj Indijo še naprej pestijo ista družbena prekletstva – korupcija, mizoginija, materializem –, ki jih 'Pyaasa' neposredno ali posredno obravnava.

93. Sodobni časi (1936)

'Modern Times' je humoren film z močnim sporočilom. Ta slika, ki nosi Chaplinove blagovne znamke upanja in revščine, se osredotoča na škodljive učinke, ki jih imajo stroji in druge oblike tehnološkega napredka na navadne ljudi, tako da v središče pozornosti pritegne tovarniškega delavca, čigar življenje gre skozi številne preobrate, ko poskuša spopasti z novim svetom. Čeprav je slapstick do solz smešen, je vse v posodi žalosti. 'Modern Times' uporablja pametne, subtilne elemente, da vsake toliko časa postavlja pomembna filozofska vprašanja. Vrhunec je eden najbolj ganljivih doslej, saj vključuje žalostno obliko sreče in brez pravega odgovora ali rešitve. Ta film je morda Chaplinovo najbolje napisano delo in presenetljivo je, kako pomembne so ideje, predstavljene tukaj, še danes. Ker je nedvomno prestal preizkus časa, je pot, po kateri Modern Times deli svoje misli, verjetno najboljši vidik tega kinematografskega zmagoslavja.

92. Tanka rdeča črta (1998)

Vrnitev Terrencea Malicka k filmskemu ustvarjanju po 20-letnem premoru je zaznamovala ta čudovito osupljiva vojna drama, ki raziskuje ne vojno, ampak čustva vojne. Film je resnično malikovske narave z večjim poudarkom na vizualnih delih kot na zgodbi, kar vam omogoča, da se vpijete v njegovo izkušnjo. Genij filma je v Malickovi viziji videti lepoto v nečem tako temnem in krvavem, kot je vojna. Potreben je absolutni genij, da nekaj tako brutalnega in krvavega, kot je vojna, spremeniš v tako hipnotično izkušnjo, ki presega realnost vojne in ti namesto tega omogoča, da se vpiješ v čustva njenih likov. To je tako impresivna izkušnja, ki zahteva, da začutite človeška bitja za pištolami in bombami. To so uničene duše, tako kot mi, ki hrepenijo po občutljivem dotiku, pogrešajo toplino sape svojih ljubimcev in žena, medtem ko se morajo spopasti z najgršo realnostjo daleč stran od njih. 'The Thin Red Line' je preprosto doživetje, kakršno ni nobena druga; tisto, ki jo je treba videti, občutiti in premisliti.

91. Blade Runner (1982)

Končni rez filma 'Blade Runner' Ridleyja Scotta je po mojem mnenju največji distopični film, kar so jih kdaj naredili. Čeprav je Metropolis sporna izbira, je treba opazovati neavtentične vizualne slike, povezane z nemškim ekspresionističnim filmom. Po drugi strani je 'Blade Runner' več kot popoln pri izgradnji sveta, ki trpi zaradi finančne neenakosti, populacijskega razcveta, pomanjkanja vsega naravnega, ker tudi mesu tukaj ni mogoče zaupati. Utripajoča osvetlitev je kontekstualno naravna, ker je elektronski svet in Jordan Cronenweth jo uporablja podobno kot vsakodnevne svetleče predmete v filmu noir. Čeprav morda ne postavlja tako daljnosežnih vprašanj kot 'Vesoljska odiseja', se pa sprašujemo, ali androidi sanjajo o električnih ovcah.

90. Fargo (1996)

Nasilen, smešen, topel in brutalno intenziven, 'Fargo' je eden najboljših ameriških filmov 90-ih in ena največjih kriminalnih dram, kar jih je bilo kdaj posnetih. Film govori o moškem, ki najame dva moška, ​​da ugrabita njegovo ženo in izsiljujeta denar od njegovega bogatega tasta. Briljantna uporaba temnega humorja bratov Coen prežema film s toplino, ki daje filmu zelo značilen ton. Prav ta mojstrska mešanica komedije, drame in nasilja naredi 'Fargo' tako nepozabno kinematografsko izkušnjo. Ta čudovit uvodni posnetek snežne Minnesote, ki ga čudovito dopolnjuje pretresljiva partitura, daje ton filmu in vzbuja občutek globoke žalosti, ki se skriva pod nasiljem in humorjem, s katerima je film poln. Frances McDormand je očitno zvezda filma in ukrade predstavo, ki prikazuje nosečo šefinjo policije, ujeto v svet zla in brutalnosti, a ji uspe najti luč in upanje. 'Fargo' je čustveno surov, brutalno intenziven, prisrčno smešen in boleče realističen del čistega kinematografa.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' je učbeniški del o atmosferski grozljivki. Ta film, ki pripoveduje zgodbo o človeku s čudnimi lasmi, ki skuša sam ustvariti nekakšno družino, se z vsako minuto spremeni v nadrealistično nočno moro. Z zvokom in bližnjimi posnetki, ki ponujajo občutek klavstrofobičnega strahu, in to uskladijo z zapletom, ki ob prvem ogledu nima nobenega smisla, se prvenec Davida Lyncha izkaže za enega najboljših režiserjevih najboljših, kar je samo po sebi velika pohvala. Kar počne 'Eraserhead', je ustvariti distopični svet – posut z grdimi zgradbami in mehanskimi napravami, potopljenimi v zlobno črno-belo – in vanj vrgel like, ki jih okolica bolj ali manj zmede. Čeprav je ugotoviti pomen te slike skoraj nemogoče, se je treba zavedati, da to nikoli ni namen. 'Eraserhead' v mislih svojega občinstva vzbudi občutek popolnega nelagodja, pri čemer uporablja tako vizualne kot nadrealni slog ter najde način, kako manipulirati z njihovimi mislimi. Le peščica slik je tako lepo strukturiranih, a nedvomno grozečih kot ta, in to je nekaj, kar bi lahko izpeljal le nekdo, kot je Lynch.

88. Otroštvo (2014)

'Fantovska doba' je lep spomin na pretekla leta neomejenega veselja, neomajnega optimizma in brbotajoče nedolžnosti. Zanaša se na črpanje lepote, veselja in čustev iz običajnega življenja ljudi in ne iz kakršnega koli povečanega dramskega dejanja (kruh in maslo za večino filmov). Fascinantno je videti, kako se od prizora do prizora spreminja ne le fizičnost likov, ampak boste opazili tudi preobrazbo v njihovi modi, pričeski, okusu za glasbo in na splošno v pogledih na življenje. 'Fantovska doba' na način, kot to počne zelo malo filmov, presega meje kinematografije in postane majhen del našega lastnega obstoja in izkušenj. Linklater nas znova spomni, zakaj je najboljši v poslu, ko gre za pripovedovanje preprostih zgodb o navadnih ljudeh.

87. Dnevi nebes (1978)

Evolucija Terrencea Malicka v popolnoma nadzorovanega, avtoritativnega kinematografskega vizionarja je ena največjih stvari, ki se je kdaj zgodila ameriški kinematografiji. Iz njegovih zgodnjih del je razvidno, da je obupno želel skočiti iz konvencionalnih meja kinematografije. Filmi, kot sta 'Badlands' in 'Days of Heaven', so imeli na videz preproste pripovedi, vendar so bili to filmi, ki so poskušali biti nekaj več. Nekaj ​​več kot le zgodba. Izkušnja. 'Days of Heaven' to doseže bolj briljantno kot 'Badlands'. Mnogi ljudje so film pogosto kritizirali zaradi šibke zgodbe. Ne bi mogel reči, da so popolnoma napačni, a zgodba vseeno ni najpomembnejši vidik filma. Malick tukaj uporablja vizualnost filma, ki daje poudarek na razpoloženju zgodbe in ne na zgodbi sami. Njegovi nameni niso v tem, da bi vas z uporabo stiske likov vzbudil čustven, ampak vam omogočil, da jih opazujete, začutite lepoto pokrajine in dišavo njenega kraja. In izdelati takšno visceralno gibljivo izkušnjo ni nič drugega kot čudež.

86. Grob kresnic (1988)

Pretresljiv, ganljiv film, ki je enak v vseh pogledih, ki si jih lahko zamislite, z drugimi akcijskimi filmi v živo, ki poudarjajo vojni plen. Ta japonski animirani film se je osredotočil na grozote druge svetovne vojne in se osredotočil na življenja para bratov in sester, mi je zlomil srce na način, ki ni uspel nobenemu drugemu filmu, in še vedno stopal na koščke do samega konca. Ker je vojni film, dela čudeže tudi na človeški fronti, lepo spozna in razvija nežen odnos med Seito in Setsuko ob soočenju s težavami druge svetovne vojne. Sporočilo je glasno in jasno. Nobena vojna ni zares dobljena in vso slavo, ki prinaša zmage, spremljajo tudi joki nedolžnih življenj, uničenih v vojni. Filmu bi ploskal, ker ni odkrito čustveno manipulativen in nas prisili, da navijamo za njegove like; a da ne bo pomote, njegov močan in brezkompromisen pogled na vojno in travestije, ki ju je doživela sorojenca, vas bo spravila v vpijejo zmešnjavo. To je TAKO žalostno. Kot rečeno, drugače ne morem imeti. Je popolnost v svoji najbolj srčni obliki.

85. Manhattan (1979)

Romantika v filmih Woodyja Allena se je vedno zdela boleče resnična in depresivno realistična kljub okusno pretresljivemu smislu za humor, s katerim jih ovije. Medtem ko 'Annie Hall' ostaja njegov najbolj drzen film, se 'Manhattan' umetniško kaže kot bolj zrelo delo. V filmu Allen igra zdolgočasenega, zmedenega Newyorčana, ki se je nedavno ločil, hodi s srednješolko, a se na koncu zaljubi v ljubico svojega najboljšega prijatelja. Allen je nekoliko omilil humor za ta film, da bi lahko resnično začutili žalost, ki prežema njegove like, zaradi česar je tako čustveno izčrpavajoča izkušnja. To je samo globoko ganljiv portret razmajanih odnosov in napačnih človeških bitij, ki se borijo sami s seboj in svojim obstojem, obupno iščejo srečo, ki je ne bi nikoli prepoznali in dosegli. In prav to sladko občutljivo, pretresljivo spoznanje človeškega stanja naredi 'Manhattan' tako močan film.

84. Marketa Lazarova (1967)

Breztelesna sanjska pokrajina češke ikone Františka Vláčila, Marketa Lazarová, je preprosto ena najbolj neverjetnih umetnin, ki izhajajo iz 20.^thstoletje. Njegov avantgardni pristop do kinematografskega jezika se komaj ujema z mejami tega pogosto prekletega preobrata fraze – saj je nekaj več. Osupljiva fuzija vida in zvoka, ki je nevezana s konvencijami, strukturo ali kakršnimi koli pisanimi pravili, kinematografi, ki so neustrašni kinematografi, so v preteklih letih udarili po filmski obliki. Za primerjavo, vse ostalo je videti tako strogo nadzorovano – tako nenaravno in izmišljeno v izvedbi. Marketa Lazarová je surova, visceralna in osupljivo dinamična. Skratka: je prost – pravi vrhunec možnosti raziskovanja vsakega centimetra kinematografskega medija. Zato je med največjimi filmi, ki so jih kdaj naredili.

83. Singin’ In The Rain (1952)

Singin’ In The Rain je najpomembnejši muzikal zlate dobe Hollywooda. Nemogoče je pozabiti podobo Gene Kellyja, ki pleše ob ulični svetilki, ko govorimo o bleščečih trenutkih v kinu. Film ne samo da čudovito praznuje svoje lastne sposobnosti, ampak tudi prehod filma iz vizualnega medija v odmevnega in spodbudnega. Monumentalni dosežek v kinu Technicolor, Kellyjev režiserski trud so kritiki in občinstvo sprva zabavno zavrgli. Verjamem, da je pomen te klasike iz dneva v dan močnejši, saj je vrzel med časovnimi obdobji, ki jih pokriva film (resnično in kolutno življenje), in sedanjostjo vedno bolj. Izgubljamo stik s pomembnim obdobjem in ta film vas preplavi s svojo nostalgijo.

82. Ne glej zdaj (1973)

Zelo težko je najti vizualno umetniško delo, ki je tako hipnotično kot 'Ne glej zdaj' Nicolasa Roega. V marsičem je ta mojstrovina podobna groznemu škratu na koncu. Čudovito je odeta v ekstatično barvo, a skriva najslabši del življenja: smrt. Ne glede na to, kako učinkovit je Sutherlandov lik, verjamem, da je to film, ki ga poganjajo čustva, saj Roeg postavlja iskanje izgubljene ljubezni nad dokončno zgodbo. Gotski temelj je zelo močan pripomoček, ki poudarja pomen vezi, na katere se zanaša, očetovske in družinske ljubezni, pa tudi pri dajanju nejasne oblike duhom, ki preganjajo protagonista. Nekateri kraji so kot ljudje, nekateri svetijo, drugi pa ne.

81. Fight Club (1999)

Vsake toliko časa pride kakšna umetnina, ki opredeljuje psiho generacije. Kar zadeva kinematografijo, so bila v 50. letih 'Rebel Without A Cause', v 60. letih 'The Matuate' in v 70. letih prejšnjega stoletja so imeli 'American Graffiti'. In celo dve desetletji pozneje se 'Fight Club' kot rokavica ujema z zamišljenim, nezadovoljnim, antiestablišmentskim etosom naše generacije. Tako kot mnogi veliki filmi je tudi 'Fight Club' zelo razdvojen in ga je mogoče filozofsko interpretirati na številne različne načine - nekateri menijo, da opredeljujejo sodobno moškost, drugi pa mislijo, da poveličuje nasilje in nihilizem.

V bistvu je triler, film je pripovedan iz POV neimenovanega glavnega junaka, ki trpi za nespečnostjo in nezadovoljen s svojim monotonim delom, ki se sreča z nagnjenim izdelovalcem mila po imenu Tyler Durden. Durden in protagonist kmalu začneta podzemni 'borbeni klub', da bi nezadovoljni člani društva izlili svojo jezo. Toda kmalu Tylerjevi načrti in pripovedovalčevi odnosi uidejo izpod njegovega nadzora, kar vodi do eksplozivnega vrhunca (dobesedno!)

Skupaj z naravnanostjo hudiča, ki jo širi, je 'Fight Club' tudi značilnost neke asovske smeri sodobne legende Davida Fincherja. Mračna barvna paleta, ostra montaža in gladka kamera so navdihnili hordo temnih trilerjev, ki sledijo filmu. Prelomni film iz devetdesetih let prejšnjega stoletja.

80. Pred sončnim zahodom (2004)

Tukaj je resnica o človeški evoluciji, ki vam je nihče ne bo povedal: človeštvo bo kmalu izgubilo umetnost pogovora. Tehnološki napredek ima velik stranski učinek: ljudje se vse manj zanimajo za resnične pogovore – ker imajo tehnologijo, za katero se lahko skrivajo. In ravno zato bo serija pred zdržala še desetletja. Serija filmov, ki govorijo o dveh osebah, ki sta v resničnem pogovoru, je tudi za to generacijo redkost. V prihodnosti takih filmov sploh ne bodo snemali. Zato bodo prihodnje generacije s strahospoštovanjem in začudenjem gledale nazaj na trilogijo Prej. In ne bom presenečen, če bo trilogija našla svoje zasluženo mesto ne le v filmski zgodovini, ampak tudi v knjižnici vsake filmske šole.

Med tremi filmi Pred sončnim zahodom izstopa 'Pred sončnim zahodom', ker je najbolj srčno lep. Film, ki govori o najmočnejši človeški želji: želji biti z nekom, s katerim bi lahko preživel preostanek svojega življenja. Če natančno pogledate, »Pred sončnim zahodom« na koncu postane ogledalo, s pogledom v katerega lahko presodite o svojih odnosih: kje ste šli narobe? Kdo je bil pravzaprav tisti zate? Katere priložnosti ste zamudili? Kaj bi lahko bilo? To je eden redkih redkih filmov, kjer bo vaša lastna življenjska izkušnja obogatila in nahranila vašo izkušnjo s filmom.

79. Matrix (1999)

Iznajdljiva, pametna ideja, ki so jo na platnu upodobili Wachowskijevi, rezultat pa je bil film, zaradi katerega so mnogi gledalci postali previdni glede realnosti, v kateri so se znašli. Res je, ko je bil 'Matrix' posnet, ni bilo več poti nazaj, spremenilo se je stvari. Ne samo, da je film v svoji zgodbi prebil nekoliko nova tla, temveč je tudi revolucioniral način, kako so bili znanstvenofantastični in akcijski filmi zasnovani po tem. Uspeh filma 'Matrix' kot filma je tudi v tem, kako se mojstrsko prepleta med temami, vključno s filozofijo, eksistencializem in celo religijo, pri čemer je ves čas oblečen v preobleko akcijskega in znanstvenofantastičnega filma. Neova sposobnost, da manipulira s simulirano resničnostjo, da izvede navidezno nemogoče podvige, in uporaba bullet time, akcijska tehnika, ki zdaj ni nič drugega kot ikona, prispeva k iznajdljivosti filma. Zvrst je zdaj morda prenatrpana, a ko je izšel prvi, je varno reči, da občinstvo ni videlo česa podobnega.

78. Sedma celina (1989)

Imenovanje filma 'Sedma celina' Michaela Hanekeja za grozljivko se mi zdi zelo napačno, a tako ga imenuje večina ljudi, ki so ga videli. Težko jim je oporekati, saj se ob ogledu tega filma človek počuti brezupnega, depresivnega in prestrašenega. V zvezi z družino, ki sovraži svet in življenje nasploh, ta klasika iz leta 1989 zavzame hladno in distancirano držo, da dodatno izolira tri igralce od preostale družbe, kar počasi, a zanesljivo povzroči, da občinstvo globoko čuti do njih kot do svojih obstoj dobi temen obrat. Hanekejev prvenec, ki je eden najbolj motečih filmov, ki je kdaj prišel na platna, nasmehne gledalca in ga nikoli ne izpusti. Če ga občinstvo imenuje grozljivka, potem se sklicuje na strašljiv film, ki ni podoben nobenemu drugemu. Pokrit z dvoumnostjo in realizemom, Sedma celina je osebno, intimno in grozljivo pripovedovanje resnične zgodbe, ki vas pusti v tišini, saj vsaj nekaj minut po koncu ne morete izgovoriti niti ene besede.

77. Zodiak (2007)

'Zodiak' ni vaš običajen triler; je počasen in se bolj osredotoča na razpoloženje in like kot na zaplet. Obstaja aura, ki jo David Fincher tako zgradi, da lahko v kosteh začutiš razpoloženje filma. To ni film, ki vas bo osrečil, ko se bo končal. To je tudi film, kjer slab fant zmaga, dobri fantje izgubijo. In zato je tako dobro. Ne le dobra, ampak sodobna mojstrovina. Ko te film uspe pretrgati celi dve uri in pol in te pusti dneve v razmišljanju, mora imeti marsikaj pravega, česar rutinsko posneti trilerji ne. Po mojem mnenju je 'Zodiak' Fincherjev najboljši film, kjer s svojo disciplino in naborom spretnosti pokaže, zakaj je včasih manj več.

76. Magnolija (1999)

'Magnolia' je nedvomno daleč najbolj osebno delo Paula Thomasa Andersona. Histerično vzdušje, ki ga Anderson vnese v film, vnese določeno čustveno pretočnost v melodramo, ki je v svoji energiji tako neverjetno zasvojitvena in katarzična. Film se v celoti odvija v dolini San Fernando z različnimi medsebojno povezanimi liki, ki gredo skozi različne faze v svojem življenju, se trudijo soočiti z lastnimi notranjimi demoni in čustvenimi konflikti. Anderson te ljudi ljubi, pozna jih in jih razume, a jih brez opravičevanja predstavlja, kdo so; popolnoma gola človeška bitja, surova in čista, ki se soočajo in premagujejo svoje najgloblje strahove in slabosti. Kar naredi 'Magnolia' tako posebno, je to, da je film, ki toliko pove o svojem ustvarjalcu. Omogočeno nam je vpogled v Andersonovo življenje, mesto, ki mu pripada, in ljudi v njegovem življenju. V celotnem filmu je prav veliko Andersona. Film, kot je 'Magnolia', če bi ga režiral kateri koli drug filmski ustvarjalec, bi se zdel zastarel in se zdel precej podoben produktu svojega časa, vendar z Andersonom samo še poveča privlačnost filma.

75. Rosemary's Baby (1968)

'Rožmarin dojenček' je temno, zvito umetniško delo, ki se poigrava z nedolžnostjo, da bi ustvaril občutek groze. V zvezi z žensko, ki doživlja zaplete med nosečnostjo, film ubira povsem novo pot s svojim zapletom, saj dopušča pomembno vlogo ritualističnih elementov. V tem filmu je veliko všeč, začenši od dobro napisanih likov pa vse do oddaljenega zamršenega okolja, ki obdaja vsak dogodek, ki se zgodi. V celotni sliki je vedno občutek napetosti, delno pa je zasluga tihe, dolgotrajne kinematografije, ki je bila izvedena s tesnim režiserskim slogom Polanskega. Mia Farrow tukaj igra najboljšo vlogo v karieri kot Rosemary Woodhouse, ženska, ki postaja šibkejša, ko se bori z bolečinami, ki jih prinaša nošenje otroka. Na splošno se vzdušju, ki ga ujame ta film, ujema le malo drugih, in način, kako se pronica v vašo kožo, je res nekaj drugega.

74. Dobri, slabi in grdi (1966)

Očarljivi liki, ki jih igrajo legendarni igralci, nebrzdana, brutalna strelska akcija, zanimiva glasba in intenzivna kinematografija – tretji del trilogije 'Dollars', ki naj bi bil rojstvo špageti vesternov, je prizanesljiv, očarljiv in zabaven kinematograf v svojih najboljših močeh. Blondie ali No Name (The Good), profesionalni strelec in Tuco (The Ugly), iskani razbojnik, se nehote zvesto, ko vsak izve pomembno podrobnost o zalogi zlata, ki jo je skril pobegli zaveznik. ki ga Angel Eyes (The Bad), morilec, sklene ubiti. Potovanje trojice predstavlja bistvo zanimivega zapleta, ki se konča s klasičnim strmenjem navzdol v zahodnem slogu. Clint Eastwood kot Blondie je podoba mačizma, Lee Van Cleef kot Angelske oči je poosebljen zlo, Eli Wallach kot Tuco pa dodaja kompleksnost impulza in besa preprostejšim, a bolj razkošnim dejanjem Good Vs Evil dveh večjih zvezd. Toda vajeti so za vedno režiser v rokah Sergia Leoneja - uporablja obsežne dolge kadre in intenzivno kinematografijo od blizu, kot je potrebno, da ustvari napetost v postopkih. Film, ki opredeljuje žanr, Quentin Tarantino, eden največjih predstavnikov sodobnega vesterna, ki so ga nekoč imenovali Najbolj režiran film na svetu.

73. Potujoči igralci (1975)

Predolgo je bil intimni, prefinjeno sestavljen ep Thea Angelopoulosa poznan le redkim filmskim navdušencem, morda pa so ga cenili še manj. Njegova veličastna, postopna postavitev kinematografskega spomenika našemu ezoteričnemu, skrivnostnemu odnosu s časom razumljivo ni za vsakogar. Toda za radovedne med nami je znano, da zagotavlja tolažbo, daje modrost in daje dojemanje, ki pomaga pri iskanju konstant, na katere se lahko držijo v tem univerzalnem in kruto dinamičnem svetu. Med mnogimi stvarmi, ki jih ta film dobi prav, je njegovo neokrnjeno razumevanje razodetja iz zgodbe o 'Orestesu'. Mitologija, povezana s tragično osebnostjo, je ujeta z omamljajočo ponižnostjo, a kljub temu nas film uspe popeljati skozi svojo prožno vizijo do melanholičnega, dolgotrajnega pogleda na Grčijo sredine 20. stoletja. Njegova časovna eleganca upravičuje gledanje zgodovine tako, da stoji ob skupini: od zunaj navznoter. Nagnjeni ste k temu, da začutite njeno krutost in razmislite o njenem ustvarjanju. To je redka lekcija protifašistične zgodovine, ker nam nikoli ne pove, kaj naj mislimo. Pokaže nam le, kaj čutiti. Angelopoulos in kinematograf Giorgos Arvanitis nas postavita v kraje, ki ustavijo srce in jih izperejo z uničujočo zlobnostjo tega obdobja. 'Potujoči igralci' so skromen, redek dragulj, za katerega se zdi, kot da bi ga rešili z ulic, polnih nemirov, in preživeli stradanje. Preprosto povedano, si tega ne zaslužimo.

72. Cache (2005)

Michaela Hanekeja pogosto obtožujejo, da se vedno ukvarja s črnimi pripovedmi. Ta karakterizacija je popolnoma nepoštena, saj je tisto, kar v bistvu počne, zagotavlja humane vpoglede v temo, ki nas vse obdaja, kako naše napačne zaznave vodijo v mučno izolacijo in kako naše zablode zmanjšujejo naše možnosti, da premagamo omenjeno izolacijo. 'Caché' ni le ogromen, pekoč dokument, ki kaže na zlobnost pokola na reki Seni leta 1961 in na našo nečloveškost kot družbe, ampak tudi poetično univerzalna študija karakterja. Georges, naš protagonist, dojema življenje in njegovo prisotnost kot družbeno bitje v izkrivljenem občutku veselja. Beži pred udobjem zaupanja in komuniciranja z drugimi. Uživa v svoji odtujenosti, tako kot odtujuje toliko ljudi, ki mu je tako ljub. S tem se Haneke posmehuje generaciji, ki želi ostati pri miru. Njegova kamera je na trenutke nenavadno oddaljena, tako kot mnogi od nas glede na okolico. Toda pod njegovim nadzorom se moramo soočiti s svojo nečednostjo, svojo nepremišljenostjo, našo resničnostjo. Eden najzahtevnejših filmov, ki jih boste kdaj videli.

71. Duh čebelnjaka (1973)

Španski mojster Victor Erice je pred upokojitvijo posnel le tri celovečerne filme. Še danes živi, ​​njegovi filmi, kot so El Sur, Quince 'Drevo sonca' in še posebej Spirit of the Hive, njegov nedoločljivi prvenec, vsi vzbujajo željo, da bi še vedno snemal filme. Parabalna zgodba o dveh otrocih, od katerih eden raziskuje svoj obstoj z nedolžno, pogosto osupljivo fascinacijo, drugi pa je obseden s filmom 'Frankenstein', ki je predvajan v njihovem lokalnem gledališču. Njegov skrivnostni portret španskega osrčja je v privlačni dvoumnosti zapuščen zaradi Ericejeve značilne nevtralne režije – ki se le redko poda v filmsko metodo v korist tihega opazovanja. Nastalo delo je zmedeno, zavzeto in vas bo pustilo, da se sprašujete o notranji enigmi življenja samega: njegovih neodgovorljivih vprašanjih, njegovih velikih skrivnostih in njihovi osupljivi nepremagljivosti. Da bi vas pustil popolnoma uničen ali neprimerljivo ganjen, ni dvoma, da bo 'Spirit of the Hive' pomembna izkušnja za katero koli skrajnost.

70. Vsi predsednikovi možje (1976)

Watergate. Ena beseda, ki je spustila zavese pred predsedovanjem Richarda Nixona in ljudem dala vedeti, da se lahko celo človek visokega položaja predsednika spusti na najmanjšo možno mero, da bi opravil svoje stvari. Medtem ko so se predsednikovi prijatelji ukvarjali s pospravljanjem nereda, ki ga je ustvaril, sta bila dva novinarja, ki sta ga zadihala. Kljub grozečim grožnjam so neutrudno delali, zasledovali tudi najmanjše namige in si včasih prinesli nevarnost, da bi ljudem približali dejstva. Na podlagi istoimenske knjige, ki sta jo napisala novinarja Bob Woodward in Carl Bernstein, je 'Vsi predsednikovi možje' pronicljivo opazovanje tega, kaj bi moralo biti pravo novinarstvo. Film je režiral Alan J Pakula in je bil nominiran za osem nagrad akademije, na koncu je dobil tri in mimogrede izgubil najboljši film proti filmu 'Rocky'.

69. Vojska senc (1969)

Mislim, da je odlična primerjava za novince v delu Jean-Pierra Melvillea delo Stanleyja Kubricka. Oba izvajata izjemno tehnično natančnost in izžarevata absolutno zaupanje v vsakem kolutu dela, ki sta ga opravila v dolgih in ustvarjalno donosnih karierah. Kot rečeno, je poceni, a zahtevna pritožba, ki jo lahko kdor koli vloži pri ameriškem režiserju, njegova 'brezdušnost'. Prazno mesto človeškega izražanja. Pri Melvillu ni tako. V 'Army of Shadows' Melvilleovi liki gorijo z grenko obupno iskro, zaradi katere vsako njihovo dejanje preplavi človečnost. V smrtonosnem svetu gibanja Wartime Resistance lahko ena napačna poteza povzroči popolno uničenje in Melville s prej omenjeno gracioznostjo in virtuoznim nadzorom nad svojim kinematografom seje semena popolnoma verjetnega, prepričljivo mrtvega sveta. 'Vojska senc' je eno najbolj tihih, intrigantnih in monumentalnih del, ki prihajajo iz francoske kinematografije - in če bi zamudil tako kriminalno spregledano klasiko, bi si naredil hudo medvedjo uslugo.

68. Sijaj (1980)

Stanley Kubrick je s svojo priredbo klasike Stephena Kinga leta 1980 ustvaril film, ki je na novo opredelil žanr grozljivk. Tu se ne bojijo le zgodba ali liki. Okolje in način snemanja čudovito pripomoreta k temu, da omamljajoča napetost prodre v misli občinstva. Film spremlja Jacka Torrencea, na novo imenovanega oskrbnika v hotelu Overlook, in njegovo družino, ko preživijo obdobje popolne izolacije v skrivnostni zgradbi. Z osupljivimi predstavami in odlično kamero Kubrick poskrbi, da se vsebina filma potopi globoko v našo podzavest. Način, kako manipulira z zvokom in atmosfero, je popolnoma neverjeten in ustvarja za nepozabni, pa tudi hrbtenično mrzli dve uri in pol. Svet 'The Shining' je čudovito temen in te tesno oprime za ovratnik v celotnem dih jemajočem tretjem dejanju.

67. Kitajska četrt (1974)

Obstajata film noir in neo-noir in prav med tema dvema sedi Jake Gittes, ki je lepo oblečen s svežo fedoro, da pohvali nasmeh na obrazu. Čeprav je Polanki velik občudovalec, se vedno najde nekaj, kar se ne ujema s končnim produktom njegovih filmov. Razen kitajske četrti. Ta prelomna mojstrovina ni ustvarila samo identitete, ampak nanjo vedno gledajo filmski ustvarjalci, ki si izposodijo njen slog, da bi ustvarili identiteto za svoj film. Polanski je čarovnik na delu, ki nas zavaja z razločljivimi voditelji ter klasičnim noir tempom in nastavitvijo. Potem pa pride zadnje dejanje kitajske četrti, ki tako hitro razbije vsako konvencijo, ki je bila prvotno povezana s podobnimi skrivnostnimi filmi, da ostaneš z izjemnim občutkom šoka in obupa. Njegov neuspeh pri premagovanju Godfather II me še vedno zmede, toda po pol stoletja so ljudje pozabili na Sicilijo, a nikoli na kitajsko četrt.

66. Satanov tango (1994)

Priznanje številka ena: skoraj nikoli nisem videl obsežne, čudovite mojstrovine Béle Tarra. Človek bi domneval, da bi me navdušil njegov status najljubšega kinefila vseh časov in izjemen ugled, ki si ga je pridobil v krogih ameriških umetniških hiš in med nekaterimi najbolj obveščenimi filmskimi kritiki po vsem svetu. Toda sama neizmernost njegovega trajanja (približno 432 minut) in tempo, podoben lorisu, v katerem sem tako užival v Tarrovih 'Werckmeister Harmonies', sta se zdela zastrašujoča. Izpoved številka dve: »Sátántangó« sem videl prvič, naenkrat. Hipnotiziral me je njegov pragmatični občutek za resnični svet in njegov potrpežljiv, preudaren občutek za kino. Več je opazoval kot reflektiral in več razmišljal kot dajal lepo oblikovane izjave. Njegov mitski, mračni realizem je bil preveč dober, da bi bil resničen, in preveč brutalen, da bi ga lahko uresničili s takšnim očesom za lepoto.

Vse, kar sem si želel do konca, je bilo, da zaprem vsa okna in se zavijem v temo, ker je bil film zame kot tisti norec v cerkvi in ​​je bilo njegovo jokanje preveč smiselno. Priznanje številka tri: Z veseljem poročam, da so mi preudarna družbena in politična razmišljanja »Sátántangója« začela postajati jasna, ko sem se k temu večkrat vračal. Poletje, preživeto ob požiranju romana Lászla Krasznahorkaija, ki deluje kot izvorno gradivo za film, je bilo še posebej nepozabno. Zdaj lahko samo upam, da bom še naprej požel dividende te srečne nesreče.

65. Eksorcist (1973)

'The Exorcist' Williama Friedkina je odlično režiran. Človek je razvpit po neenakomerni karierni poti, v kateri se klasiki zapletejo s shlockom (in pogosto obe skupini prečkata nekaj fascinantnih raziskovanj filmske brezsramnosti). Friedkin se je s svojim najboljšim filmom odločil posneti dramo, ki je po naključju govorila o obsedenosti z demoni: šivanje patosa za svoje kompleksne like in visceralno prevajanje besedila izvirnega avtorja Williama Petra Blattyja, ujetega med prepričanjem in hromim dvomom. Končni rezultat dveh čudovitih umetnikov, ki delata na vrhuncu svoje igre, da bi ustvarila bleščečo klasiko ameriške kinematografije: enega, ki zasenči skoraj vsak film v svojem žanru (razen morda brezvestno grozljivega 'Wake in Fright' ali naključno turnejo Tobeja Hooperja -sila Teksaški pokol z motorno žago ). Preprosto osupljivo.

64. Suspiria (1977)

Kajti v sanjah vstopimo v svet, ki je povsem naš - J.K.Rowling. In kaj, če bi se eden najbolj zvitih umov kinematografije odločil, da bo svojo podzavest razpršil na kos filma. Za Suspiria Daria Argenta velja, da kljubuje kinematografski logiki s svojo čudno strukturirano zgodbo. Verjamem pa, da gre za neoekspresionistično mojstrovino, ki zajame pravo bistvo filma, to je, da se počutimo resnično, resnično žive. Argento razume vrednost prostora in zato kaže večjo osredotočenost na kinematografijo in scenografijo, ki sta prevladujoča prebivalca njegovega filma. 'Suspiria' ne predstavlja le Argentovega sloga, temveč celotno italijansko grozljivko, žanr, ki ga navdušuje estetika umetnosti.

63. Človek je pobegnil (1956)

Brezhibno natančen in navdihujoče ekonomičen je bil oh tako redek mehurček Roberta Bressona presenečen z 'A Man Escaped' iz leta 1956. Na vrhuncu življenjske moči človeka kot filmskega ustvarjalca sledi poskusom francoskega odporniškega agenta Fontainea, da bi pobegnil iz vse bolj nevarnega nacističnega zapora, in najde smisel v vsakem posameznem kadru. Od osupljivo človeške upodobitve glavne vloge neigralca Françoisa Letterrierja, čigar potopljena lica in izbruhane oči so tako prepričljivo izražale uničujočo težo življenja v vojnem času, do Bressonovega minimalizma, ki je uspel gojiti gorečo intimnost med občinstvom in dejal, da je obupano moški: Od pogostih POV-jev in elegantnih kompozicij, ki niso pretirano uživale v tehnikah, se je Bressonovo delo v okolici včasih utopilo. Ne bi odrezal niti enega kadra - in zato je film zelo pomemben način izobraževanja za nadobudne filmske ustvarjalce: Slikati nekaj tako živega in gostega, ne da bi se to kdaj počutilo prevladujoče.

62. Ubiti posmehovalca (1962)

V takih časih ni boljšega filma kot 'To Kill A Mockingbird', ki bi razložil neonaciste o resničnem pomenu kaste, veroizpovedi in rase. Afroameričan, ki se dogaja v časovnici rasno razdeljene Amerike, je obtožen, da je kršil skromnost bele ženske. Na vrhuncu rasnih krivic, ko sodišče, polno belcev, lovi njegovo kri, se za njegov primer bori en človek. En belec, po imenu Atticus Finch. Pogumno se je boril, da bi predstavil dejstvo, da so vsi ljudje ustvarjeni enaki na sodišču, pa naj bo to barvno ali ne. Njegova prizadevanja so zaman, saj sodišče moškega razglasi za krivega. Toda gledalcu ostane lekcija, ki jo Atticus Finch vcepi svojim otrokom. To pomeni, da »človeka nikoli zares ne razumeš, dokler stvari ne obravnavaš z njegovega zornega kota«. Temelji na istoimenski uspešnici Harper Lee, 'To Kill A Mockingbird' je eden največjih filmov vseh časov.

61. Zadnje okno (1957)

Kar loči triler mojstrovino od nenavadne odplake, ki se nam redno kopiči, je ta, da se pri slednjem bliskovito pojavijo preobrati, ki bolj temeljijo na našem šoku kot na resničnosti zasuka, ki vpliva. Toda v filmih, kot je 'Rear Window', so malenkosti razvidne iz poklicnega fotografa L.B., ki je bil na invalidskem vozičku. Jeff Jeffries skozi zadnje okno gleda, da se kopičijo kaplja za kapljico, dokler ne poplavijo, zaradi česar neškodljivi Jeff sumi, da je moški, ki živi na drugi strani dvorišča, zagrešil umor. Hitchcock mojstrsko uporablja svojo kamero kot iluzionistična orodja, da svoje gledalce drži napete, preslepi in ugiba, dokler se ne razkrije osupljivo. Hitchcock skozi Jeffovo obsesivno zasledovanje njegovega predmeta zanimanja komentira zmote voajerizma, kako vabljiv je lahko in mračnost samotnega mestnega življenjskega sloga, ki ga vodi. Še bolj neverjetno je, da je to toliko komentar o gledalčevem voajerstvu kot Jeffov; saj nas očara Jeffovo zavzetje. Gledati, ko te ne gledajo, je hudobno veselje; Hitchcock to pozna, občuduje in nas pritegne s tem.

60. 4 mesece 3 tedne in 2 dni (2007)

Nekateri filmi te ganejo; nekatere te nasmejijo; nekateri ti zlomijo srce. '4 mesece, 3 tedne in 2 dneva' sodijo v posebno kategorijo filmov: tistih, ki te spravljajo v tesnobo in živčnost. Kot bi uganili, so takšni filmi verjetno najredkejši med redkimi vrstami. Film spremlja dve prijateljici, ki poskušata urediti splav v brutalnem Ceausescujevem komunističnem režimu v Romuniji. Visceralen in brezkompromisen film te zgrabi za vrat in te nikoli ne izpusti. Gledanje tega filma je kot doživljati grozljiv občutek, ki ga doživite, ko nervozno čakate, da kdo od vaših najdražjih po operaciji pride iz operacijske dvorane. To ni le realističen kinematograf v najboljšem primeru; je tudi eden izmed filmov, ki najbolj spremenijo življenje, kar jih boste kdaj videli.

59. Lansko leto v Marienbadu (1961)

Film 'Last Year At Marienbad' Alana Resnaisa iz leta 1961 je najbližje vizualizaciji sanj in je narejeno na čim bolj nenavaden način. Glasba, ki zavzema ozadje večine izvajanja, deluje kot pomirjevalo, ki spravi občinstvo v zaspano stanje. Kljub temu je skoraj nemogoče odvrniti pogled od zaslona, ​​ker se na sliki veliko dogaja, čeprav je prikazano le malo. Rad pomislim na 'Lansko leto v Marienbadu' kot film, ki si ga zamislimo iz podzavesti, zaradi njegove ponavljajoče se in zmedene narave. Liki so tudi zmedeni zaradi bizarnega sveta, v katerega so bili postavljeni. Je zrel in sofisticiran komad, osrednji zaplet pa se mi zdi – ki vključuje moškega in njegov odnos s tujko, ki se je jasno spominja, da se je leto prej srečal, čeprav se ona o njem ne spominja istega – zelo poglobljena, izvirna, strastno, romantično, sanjsko in seveda briljantno.

58. Divje jagode (1957)

Ste že bili na potovanju, kjer nimate nič lepšega kot pogledati skozi okno? Določen čas gledate v pogled zunaj, preden vam misli hitijo noter in je tisto, kar je zunaj, zdaj le šablona – ne zadržuje več vaše pozornosti. Tako se zgodi z Isakom Borgom, protagonistom Bergmanovega klasičnega razpoloženja, ki je našel svoje mesto na neštetih seznamih najboljših filmov vseh časov, vključno s tistim, ki ga je leta 1963 sestavil Stanley Kubrick. S snaho potuje, da bi prejel diplomo. doktorja Jubilarisa iz njegove alma mater. Ne mara ga in namerava zapustiti njegovega sina. Toda našega profesorja, kot ga igra sijajni Victor Sjöström, prihodnost ne zanima veliko. Njegove misli in posledično film, ki ga katapultirajo številni ljudje, na katere naleti na svojo pot, mečejo luč le na njegovo preteklost. Gledano skozi Bergmanovo prizanesljivo in samozavestno lečo, so njegovi spomini preprosti, znani in človeški. Ne poveličujejo njegovega življenja ali zavračajo njegovih dosežkov. So neurejeni, kot večina naših in namerno izkrivljeni. Ko končno prispe na mesto, kjer mu je bila podeljena čast, ugotovimo, da nikoli ni potreboval nagrade. Dobil ga je že v tistih jagodah, ki jih je nabiral s svojo ljubico iz otroštva, trgovcem, ki se ga je spomnil, težavnim odnosom z ženo, dobrim in slabim, odrešilnim in neoprostljivim. Tako kot mi, v obliki tega skrivnostnega, nerazložljivo ganljivega filma.

57. Pravila igre (1939)

Iznajdljiva, zagrizena komedija manir Jeana Renoirja se po vseh teh letih uspe presenetljivo dobro obdržati, hkrati pa ostaja tako igriva in strašljiva kot vedno. V času izida so se ga izogibali tako kritiki kot občinstvo, zaradi česar je Renoir po katastrofalni premieri izrezal pomemben del filma – del, ki je večinoma predstavljal lik Octaveja, ki ga je igral sam Renoir. Komaj presenetljivo je, da se je od takrat povečala. Film je v svojem zvijačem, avtoritativnem žongliranju z liki, temami, toni in postavitvijo vedno noro zabaven, a nikoli manj marljiv ali manj razkošno izdelan kot najboljši svetovni kinematograf iz tega obdobja. Njegovi natančno ponarejeni vizualni utripi utripajo s prefinjenostjo, toda trud ni nikoli viden in film vas pusti, da se čudite, kako globoko ste se zapletli v njegovo spretno zgrajeno vzdušje. Snemalec Jean Bachelet in Renoir se s kamero igrata na način, ki filmu daje zračnost, toda njun neusmiljen nadzor je tisto, zaradi česar je nenehno intriganten podvig. Če vse to ne zadošča, morate vedeti, da je Alain Resnais nekoč dejal, da je bil film najbolj izjemna izkušnja, ki jo je kdaj doživel v kinu. Težko bi našli bolj žareče priporočilo.

56. Tretji človek (1949)

Film-noir je žanr, povezan s filmi, ki razkošne temačne ulice, skrivnostne, zapeljive like, občutek skrivnostnosti in kremasto črno-belo, ki prekriva vse. Čeprav je veliko teh slik zanimivih in ponuja dober čas, le malokdo poskusi nekaj inovativnega in drugačnega. Tretji človek je eden največjih film-noir, ki so jih kdaj naredili, saj izjemno dobro pripoveduje svojo osupljivo zgodbo, pri čemer uporablja impresivne nizozemske nagibe, osupljivo svetlobo in čudovito glasbo. Film se nanaša na človeka in njegovo samostojno preiskavo umora njegovega finančno premožnega prijatelja. Zaplet oz Tretji mož je obložen z romantiko, temnim humorjem, preobrati in napetostjo. V bistvu film lahko imenujemo sladka ljubezenska zgodba, a z vsem drugim, je ta zaljubljenost prepuščena dvomu. Magnum opus Carol Reed je po mojstrsko napisanem scenariju tisti, ki vas drži na robu svojega sedeža vse od njegovega skromnega, lahkotnega prvega dejanja do konca, ki je lahko najbolj pameten finale katere koli slike. bom kdaj videl.

55. Kriki in šepetanje (1972)

Tragična družinska drama Ingmarja Bergmana govori o žalosti, ki je hkrati brezhibno obupana in vročično nujna. Ni potrpežljivo zgrajena scena za prizorom in do konca podana na krožniku. Narejeni ste, da ga vdihnete že na samem začetku filma, ki glavne igralce in njihovo prekaljeno, vnetljivo žalost predstavi s čudovitimi bližnjimi posnetki, zaradi katerih je njihovo zadušljivo nelagodje živo očitno. Vse to je pokrito z nepopustljivo množico rdeče, v obliki škrlata, s katerim so poslikane stene hiše, v kateri se zgodba dogaja. Bergman nas osvešča o smradu smrti, ki obdaja ženske s tako impozantno smerjo, da dejanska smrt ni razlog za preplah. Žensko inherentno nasilno hrepenenje je v mojem umu naredilo vse v filmu preganjajoč, s krvjo prepojen spomin. Nenehno fascinantne vizualne slike Svena Nykvista umirijo Bergmanovo subtilno pisanje in mojstrsko doživete predstave igralcev. Zdi se, da bleščeča Liv Ullman zmede in navduši vsakič, ko je kamera na njej, medtem ko sta nejeverni Ingrid Thulin in Harriet Andersson pri svojem delu tako neokrnjeni, da je v stiku z njunimi občutki invazivno. Bergman nam ne daje jasnih idej, ki bi jih odnesli domov, ampak nam zanika vse druge občutke, kot jih doživljajo njegovi liki. Sprašujemo se, kako daleč seže njegov dostop do naših čustev in ga razširi na vsakem koraku. Navsezadnje 'krikom in šepetom' ne gre verjeti, to je treba živeti.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Morda je to Morriconejeva pretresljiva partitura ali morda vizija Dellija Collija, ki je tako obsežna kot Zahod, ali morda neomajno trpljenje v očeh Bronsona in Fonde in morda je vrhunec vseh teh vidikov v skoraj vsakem kadru maestra Sergia Leoneja . Če potrebujete vestern, ki ima tako lepoto Johna Forda kot neprizanesljivo divjino Sama Peckinpaha, potem Leoneju preprosto ni nikogar blizu. V svojem magnum opusu doseže tisto, kar so mu pred tem potrebovali tri filme, da ustvari mističen svet sredi ničesar. Čeprav morda na površini ni nič duhovnega, ima film bogove. Bogovi športne krone so napolnjene z 10 litri smodnika in peskom, ki ga pogoltnejo z vodo. Prav tako je bila izbira Henryja Fonde za antagonista verjetno odločitev tistega desetletja, saj njegove ledeno modre oči niso bile podobne ničemur, čemur je bil Zahod kdaj priča.

53. Annie Hall (1977)

Nihče ne more trditi, da razume zmedeno, vsepoživljajočo enigmo, ki je ljubezen, kot je Woody Allen. In noben film Woodyja Allena se ne more približati temu, da bi ga prikazal v svoji pristni, nenavadni slavi kot ta zgodba o Alvyju Singerju, nevrotičnem, nihilističnem komiku v New Yorku, ki se zaljubi v 'več kot ljubezen' v razgibano, poletno, veselo Annie Hall in potem pade iz njega. Film raziskuje tudi razlike med spoloma v spolnosti skozi razmerje Alvy in Annie 'Jin in Jang'. Na koncu celo Alvy sprejme ljubezen kot iracionalno, noro in absurdno, a nujno v življenju. Uporaba več inovativnih pripovednih tehnik, kot je improvizirano lomljenje četrte stene, hitro menjavanje preteklosti in sedanjosti z gladkimi rezi, prikaz v podnapisih, kako se počutita Alvy ali Annie, medtem ko dejansko govorita nekaj povsem drugega, in dodajanje ' zgodba v zgodbi« kot vrhunec, povzdignite že tako zanimivo zgodbo. 'Annie Hall' je verjetno prva resnično modernistična romanca na celuloidu in je namesto nje navdihnila generacijo romantičnih komedij. Nobena ni tako očarljiva kot tista, ki jo želijo posnemati.

52. M (1931)

Začetek tehnologije snemanja glasu, fenomen, za katerega je jambor predstavljal 'The Jazz Singer' iz leta 1927, je pripeljal do absurdne nasičenosti dialogov v filmih. Tehnologija je bila samoumevna kot neposredna nadgradnja in ne kot orodje za uporabo v povezavi z uveljavljenim kinematografskim jezikom. Fritz Lang, človek, ki je svojo kariero začel v nemem kinu z nizom mojstrskih del, vključno z Usodo, Kockarjem dr. Mabusejem, Die Nibelugen in izjemnim Metropolisom. Njegova migracija k zvoku je dosegla vrhunec v filmu 'M' iz leta 1931, ki je v nasprotju z vsemi okoliškimi viri odstranil skoraj ves hrup iz okolice. Rezultat je tihi zvočnik z izjemno brezživljenjskim vzdušjem: tak, ki tako učinkovito podpre njegovo pripoved. Zadevna zgodba se osredotoča na morilca otrok in nesposobnost nemške vlade, da bi ga ujela – ustanovili so svoje kengurujsko sodišče, da bi kaznovali morilca. To, kar Lang tukaj sporoča, je neverjetne zrelosti v sporočilu: Pravičnost, ki si zasluži, da je zasluženo, je popolnoma spodkopana s političnim kontekstom tistega časa - z zabeleženo politiko evtanazije Nacionalsocialistične stranke in vse bolj nasilnimi ideali, ki se kažejo kot zlobni tumor na obtožbah ljudi. . Predstava Petra Lorreja, ki je bogata s patosom in mučenim humanizmom, pomaga zabiti globoko prevaro 'M' - tistega, ki ostaja neizmerno ganljiv še danes.

51. 12 jeznih moških (1957)

Odgovora, ali je bil fant kriv ali ne, nikoli ne bomo izvedeli. Toda ena stvar, ki jo zatrjuje 12 Angry Men, je, da bo logika vedno prevladala nad intuicijo, če je med svetom norcev en zdrav človek. In ali je neumnost bolezen ali le stranski produkt nevednosti? Drama Sidneyja Lumeta od vas ne zahteva, da uporabite svoje možgane nad srcem, ampak si prizadevajte doseči točko, ko se lahko odločite, pri čemer oba delata v tandemu. Poleg privlačnega scenarija, ki je ponosno vključen v učni načrt vsake filmske šole po vsem svetu, sta kamera in uprizoritev prav iz japonske novovalovske klasike. 12 jeznih mož, ki se ponaša z nepozabno predstavo zasedbe ansambla, je spomenik ameriške kinematografije.

50. Mestne luči (1931)

Malo zgodnjih filmskih ustvarjalcev ima v današnji kulturi priznanje in priljubljenost, kot jo uživa Chaplin. To je lahko zaradi številnih razlogov. Njegovi filmi govorijo z vsakogar in so noro smešni, a več kot to, njegove zgodbe melanholične situacije gledajo v humorni luči. Takšen primer je verjetno njegova najbolj osebna slika, 'Luči mesta', ki pripoveduje zgodbo o potepuhu in njegovih prizadevanjih, da bi naredil vtis in pomagal revni slepi cvetličarki. To stori pod fasado in se pretvarja, da je bogat moški, da bi pritegnil njeno pozornost, a pri tem naleti na težave. Ko je film še naprej tako zabaven in ganljiv v današnjem času, kot je bil pred več kot 75 leti, to običajno pomeni, da nekaj dela prav. 'City Lights' je pustil pečat v svetu s svojo upodobitev revščine in življenja v težkih letih depresije, ki je tako dobro izvedena in čutila, da nikoli ne premaga ganiti občinstva, hkrati pa jim daje upanje, da bodo boljši jutri.

49. Pridi in poglej (1985)

Režiser Elem Kilmov, druga polovica neverjetno izurjene filmske ekipe, je bil poročen z Lariso Šepitko, svetlečo virtuozino za filmoma 'Wings' in 'The Ascent'. Ko je tako žalostno umrla v prometni nesreči, je Kilmov končala delo na svojem izjemnem nedokončanem projektu 'Farewell' (ki bi zlahka zavzel to mesto) - in mislim, da je ves ta kontekst tako močan način, kako moška žalost zakrvavi v vsak okvir njegovega dela. Kilmovov kino kipi od neizraženega besa in obupa: Hulk v svoji lastni ogromni teži čustev - in le nekaj filmov, ki so jih kdaj naredili, je utripalo s tako močnim občutkom kot Pridi in poglej . Verjetno, da najboljši vojni film vseh časov, njegov peklenski prikaz invazije Wehrmachta na Belorusijo odmeva z oglušnimi eksplozijami, nočnimi slikami in svetom, ki se počasi izčrpava življenja – njegovi prizori so posneti v čudoviti, votli svetlobi. Toda v vsej tej tesnobi Kilmov najde pot do razumevanja v svojem transcendentalno zrelem zaključku. Morda je v svoji zavezanosti razmišljanju o neminljivosti življenja končno našel moč, da pokoplje kosti svoje pokojne žene. Človek lahko samo upa.

48. Sedmi pečat (1957)

Že od prvih podob Bergmanovega ikoničnega dokumenta o veri, strahu in zadovoljstvu je na vas urok. Oster, zrnat pogled na morje, obalo in na njej pogumnega viteza ter njegovo usodno srečanje s personifikacijo smrti opredeljuje jasnost objektivnosti filma, čeprav pušča prostor za nenehno prisotno zapeljivo, skoraj grozljivo dvoumnost. Izkoristi magnetno uprizoritev neprimerljivega Maxa von Sydowa in skupine igralcev, ki Bergmanovo osupljivo gradivo, ki temelji na njegovi igri Les Painting, povzdigne na nepričakovane ravni, 'Sedmi pečat' v svojih pičlih 90 minutah ima vpliv starega basni, ki se prenašajo skozi generacije in poganja domišljijo veliko bolj ekspanzivno, kot si lahko sama upa, da jo vsebuje. Peneča, sveža črno-bela Gunnar Fischer zagotavlja, da nam grozljiva intenzivnost zleze pod kožo. Pretočnost, podobna toku, je rezultat pripovedi, ki je razvita z vzvišeno samozavestjo in otipljivo umirjenostjo. Morda je povsem preprosta zgodba, ki kljub temu skriva v svojih naročjih dragocene ideje, a je prešita s tako zapleteno in drzno tkanino, da si ne morete pomagati, da jo znova in znova pogledate, da se bo prenesla v trajen spomin.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinijev previdno, potrpežljivo in poetično omehčan virtuoz je v celoti prikazan v njegovem dobitniku Zlate palme, ki v svojem duševnem in senčnem glamurju ujame način življenja, ki se zdi preveč izmuzljiv in na nek način preveč resničen. Njegov tempo poudarja protagonistov občutek brezciljnosti in nas sili, da se kopamo v simfonični aranžmaju živahnosti življenja in kako minljivo je vse skupaj. Tega protagonista igra najboljši v karieri Marcello Mastroianni, ki izkoristi ta dar časa, da si napolni oči z neustavljivo utrujenostjo od sveta. Dvomiti o pomenu določenih odsekov 'La Dolce Vita', ki se morda zdijo brez filozofskega pomena ali pripovedne relevantnosti, pomeni zavrniti možnost, da bi pustili, da vas pikantne podrobnosti preplavijo, in nato razmišljate o posledicah. Ko nas nebeška partitura Nina Rote popelje v vrtoglavi svet Rima, gledano skozi Fellinijevo iluzorno oko, vidite le tisto, kar želi, da vidite, in hitro postane to, kar želite videti tudi vi.

46. ​​Psiho (1960)

Človeška bitja lahko v najboljšem primeru opišemo kot nenavadne. Človeški um, ki je sposoben marsikaj osupljivega, se je sposoben tudi degenerirati do nerazumljivega. 'Psiho' Alfreda Hitchcocka ne potrebuje predstavitve, saj drži visoko glavo sredi brezčasnih kinematografov. Poleg tega, da je klasika, je tudi žalosten komentar propadajoče morale človeških bitij. In to ni Norman Bates! Jedka drža gospe Bates, ki je Normanovo življenje v otroštvu in sčasoma v odrasli dobi spravila v zastoj, je opomnik, kako je lahko ljubezen zadušljiva. Znano je, da je gospod Hitchcock sprejel čudno politiko za 'Psycho', ki vključuje prepoved vstopa v film pozno prijavljenim. Sprejet je bil, da bi zagotovili popolno pravičnost utripajočega vrhunskega prizora filma. Triler v svoji najbolj resnični obliki, 'Psycho' je zgodba o sinu, njegovi materi in njuni nezdravi vezi posesivnosti. Hitchcock je bil tako močno zastrašen glede finala, da je promoviral film s tem sloganom – Ne daj konca – To je edini, ki ga imamo!

45. Solaris (1972)

Tarkovskyjev 'Solaris' je precej podoben pojavi, prikazanim v filmu. Od tega, da me zmede s svojim globoko zakoreninjenim konceptom, do razvoja v entiteto, s katero se ne morem ločiti, je izkušnja, zaradi katere se sprašujem o pozabni naravi vsake molekule, ki sestavlja vesolje. Morda se zavedamo znanstvenih razsežnosti, toda ali lahko kateri koli instrument izračuna količino ljubezni ali žalosti v nanogramu srca? Ali lahko kaj najde možgansko celico, kjer je nepozaben spomin? Od Bachove očarljive glasbe v uvodnem zaporedju do večletnega prizora avtoceste, je Tarkovsky mojstrsko uporabljal čas, da bi gledalca ločil od delovanja normalnega sveta. Solaris je področje, kjer te čustva pošiljajo v norost, a kdo ne bi občutil, ko je norost lepa na dotik in dovolj visceralna, da te odvezuje od samega sebe.

44. Schindlerjev seznam (1993)

Pomemben film, ki ima veliko koristi od Spielbergovega duha za dramatiko, je prav tako moteča in občutljiva izkušnja zase. Film je, tako kot mnogi drugi na tem seznamu, mojstrski tečaj nečesa, kar rad imenujem poenostavljeno, impresivno pripovedovanje zgodb. Pripoved spremlja Oskarja Schindlerja, nemškega poslovneža, ki je med holokavstom rešil življenja več kot tisoč Judom, tako da jih je zaposlil v svojih tovarnah. Vsi trije glavni glavni akterji, Liam Neeson kot Oskar Schindler, Ralph Fiennes kot Amon Goth in Ben Kingsley kot Itzhak Stern, so v odlični formi, ki se prepletajo v najbolj iskrenih igrah. Zlasti prizor proti koncu filma, kjer se Schindler zlomi ob razmišljanju o tem, koliko življenj bi lahko rešil, je globoko ganljiv in mi ostaja vrezan v mislih kot eden močnejših, srčnih prizorov v kinu. To, da je bil film posnet v črno-beli barvi, z redko, občasno uporabo barv za simbolizacijo ali poudarjanje pomembnega elementa, povečuje izkušnjo. Preprosto, Spielbergov najboljši film, ostaja bistvena izkušnja gledanja filma.

43. Lawrence iz Arabije (1962)

Kino kot medij postaja vse večji. Z najsodobnejšo tehnologijo, ki je na voljo, nam današnji filmski ustvarjalci ponujajo nekaj visceralnih kinematografskih izkušenj. Obstaja pa nekaj filmov, posnetih, preden je bil CGI v modi, katerih čista in monumentalna lestvica ni našla enakega. Epska zgodovinska drama Davida Leana, ki temelji na življenju T. E. Lawrence , ena najbolj znanih britanskih osebnosti, je eden takšnih filmov. V njem igra Pater O'Toole kot Lawrence in opisuje njegove dogodivščine na Arabskem polotoku med prvo svetovno vojno. David Lean takoj na začetku nariše sijajno gibljivo sliko neskončne puščave v vsem njenem sijaju, pri čemer mu pomaga kinematograf Freddie Young in očarljivo partituro Mauricea Jarra. Vendar nikakor ne žrtvuje čustev za ekstravaganco. V svojem srcu je 'Lawrence of Arabia' osupljiva študija o karakterju Lawrencea – njegovih čustvenih spopadov z osebnim nasiljem, ki je neločljivo prisotno v vojni, njegovo lastno identiteto in njegovo razdeljeno zvestobo med njegovo rodno Britanijo in njeno vojsko ter njegovimi novo najdenimi tovariši arabska puščavska plemena. Zaradi te zdrave kakovosti je 'Lawrence Of Arabia' eden najvplivnejših filmov, ki so kdaj obstajali.

42. Iskalci (1956)

Verjetno največji vestern, ki so ga kdaj naredili, najboljši film velike kariere Johna Forda, 'The Searchers' je ameriška klasika, med najboljšimi filmi, ki so nastali iz petdesetih. Čeprav so ga takrat občudovali in spoštovali, njegova raztrgana, osupljiva moč nekaj let ni bila priznana, toda do zgodnjih sedemdesetih je bil razglašen za klasiko tega žanra in morda najboljši vestern, ki so ga kdaj naredili. Vsekakor je čas izničil nekaj moči filma, vendar ne tiste silne, divje predstave Wayna, niti rasizma v filmu, ki podžiga jezo in bes. Vodilna pripoved filma, Ethan in njegovo iskanje je brezčasna, danes tako močna, kot je bila takrat, morda bolj zato, ker je toliko subtilnih točk zgodbe zdaj jasnih.

41. Pather Panchali (1955)

Film, ki je svetu prinesel indijsko kinematografijo in kinu dal enega najboljših avtorjev, Satyajita Raya. 'Pather Panchali', ki temelji na romanu Bibhutibhusana Bandopadhaya, pripoveduje zgodbo o obubožani družini, ki poskuša preživeti številne življenjske stiske. Lahko trdimo, da romantizira revščino, saj je gledalec priča številnim preizkušnjam, s katerimi se družina sooča, da bi si zaslužila preživetje. Kljub temu so trenutki, prepleteni z glasbo maestra Ravija Shankarja, tisti, ki gledalcu ostanejo. Ljubezen odnos med Appu in njeno sestro Durgo, zaporedje vlaka, ki je eden od vrhuncev filma, popelje film na povsem drugo raven. 'Pather Panchali' je z leti postal eden od kultnih filmov in se redno pojavlja na seznamih najboljših filmov vseh časov, in to zasluženo.

40. Casablanca (1942)

Kvintessenčni ameriški klasični film. Morda je nekaj tako nalezljivega v njegovem šarmu, da se še vedno zaljubiš vanj, tudi vsa ta leta. Poleg izjemnega faktorja ponovnega gledanja sta njegova nepozabna ocena (Ko čas teče!) in izjemno citirani dialog močan argument. Preprosto povedano, poslastica je, ko so vsi elementi odlične kinematografske izkušnje prisotni v pravih količinah!

Zgodba je milo rečeno preprosta, na trenutke skoraj meji na banalno. Ciničen, zlomljen moški, ki vodi najbolj znan nočni klub v Casablanci, se znajde na razpotju, ko se z možem pojavi gospa, ki jo je ljubil. Naprave zapleta so slavna prehodna pisma, toda zgodba je v resnici o dveh zaljubljencih, postavljenih v ozadje zgodnjih faz druge svetovne vojne in težki odločitvi, s katero se sooča Bogartov lik, obdržati ali prepustiti. Vendar, tako kot pri mnogih filmih tega žanra, izvedba naredi svoj trik in 'Casablanca' spremeni v eno najbolj prepričljivih romantičnih dram vseh časov, ki je tudi neverjetno dobro odigrana; Humphrey Bogart in Ingrid Bergman sta vrhunska in ju odlično podpirajo igralci, kot so Paul Henreid, Claude Rains in Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Ko gledamo na kino kot umetniško obliko, ni mogoče zanikati popolnosti Barryja Lyndona, od čudovite kinematografije, očarljivih scenografij, izjemne glasbe do močne režije. Kot zgodba govori o življenju mladeniča v Evropi iz 18. stoletja, ko se vzpenja po stopnicah proti aristokraciji, le da ga je njegova huda usoda pripeljala nazaj. Slika ima v sebi nekaj najboljših prizorov, ki so jih kdaj posneli, pri čemer je neverjetno uporabljena svetloba, barve, fizične značilnosti itd. Ni boljšega načina za povzetek življenja osebe, kot da ga pogledamo objektivno, in to je tisto, kar ta film je naredil z uporabo nezanesljivega pripovedovalca. Je hladen in oddaljen, le redko daje občinstvu možnost, da začuti protagonista. S te perspektive, Barry Lyndon je razkošna likovna študija z bogatimi liki, realističnim pridihom in poetičnim načinom sporočanja čustev. Enostavno je kino v svojem najboljšem stanju.

38. General

Eden najstarejših naslovov na seznamu, 'General', služi kot opomnik, da je veliko modernih akcijskih mojstrovin v zelo dolgi senci nikogar drugega kot genija tihe komedije Busterja Keatona. Ponaša se s tako impresivnim opusom kot celo Charlie Chaplin, ljubki potepuh slednjega umetnika se v Keatonovem primeru zamenja s kavalkado čudovito neumnih likov; vse obdano z briljantno kinematografsko radovednostjo, ki je v filmih, kot sta Sherlock Jr. in Snemalec, raztezala meje medija. Vse to, ne da bi sploh omenil njegov magnum opus, The General iz leta 1927: Po konfederacijskem inženirju, ki hiti, da bi svojo stran opozoril na napredujoče enote Unije med ameriško državljansko vojno. Njegova pripoved tvori predlogo za nedavni 'Mad Max: Fury Road' Georgea Millerja in skoraj vse filme o mačkah in miših, ki so jih kdaj posneli, ki so vztrajni s svojo smešno komedijo, impresivnimi posebnimi učinki in hrabrim kaskaderstvom, zaradi katerega je Keaton še bolj ogrozil svoje življenje. kot enkrat vse za naslavljanje njegovega ljubečega občinstva. General ostaja eden izmed, če ne celo najboljši akcijski film, ki so ga kdaj naredili – tisti, ki se zabava z vsako unčo svojega bitja in uspe priklicati čim več vrhunsko obdelanih trenutkov epske razsežnosti, da bi se lahko kosal s kakršnim koli igranjem, polnim CG, narejenim danes.

37. Blow Up (1966)

Čas ? Vrhunska šestdeseta. Prostor? London. Mesto, ki blesti in blesti. Živahno in glamurozno. Seks, droge in rock n roll. Skratka, dan v življenju Thomasa, modnega fotografa, ki živi življenje, recimo, dvomljive morale. V dnevu, polnem dogodkov, med pregledovanjem fotografij para, ki ju je precej na skrivaj posnel v parku, v njem odkrije truplo. Odide na isto mesto in najde truplo moškega iz para. Prestrašen se vrne v svoj atelje in najde, da ga je pretreslo, vendar je ostala le ena fotografija, fotografija mrtvega trupla. Naslednji dan telo izgine. Kdo ga je umoril? In zakaj je telo izginilo? Zakaj je Thomas čutil, da ga spremljajo? 'Blow Up' je razred režiserja Michelangela Antonionija, ki je v preteklih letih navdihnil številne filmske ustvarjalce, vključno z Brianom De Palmo in Francisom Fordom Coppolo.

36. Večno sonce čistega uma (2003)

Vrtoglava, nadrealistična epifanija ljubezni in srčnega utripa še nikoli ni bila raziskana na način in do stopnje uspeha, kot to počne 'Večno sonce brezmadežnega uma'. Bogat s čudovitimi slikami in iznajdljivimi partiturami, podobnimi zvočnim posnetkom iz tihe dobe, je nemogoče razložiti vse o 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Brez dvoma je film prevlečen s pripovedjo, ki jo je težko slediti – čeprav je pravzaprav preprosto, ko začnete spremljati – je eden tistih filmov, ki se bogato nagrajuje preprosto zato, ker se ne morete ustaviti, da ne bi omedleli nad zelo premišljenim konceptom in globoko ganljivim. film, da je. Toda prava zvezda oddaje je njen pisatelj, Charlie Kaufman , ki bi v obliki 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind' lahko napisal najbolj briljanten scenarij v zgodovini kinematografije. Film, ki ni samo edinstven na svoj način, ampak ga je mogoče neskončno gledati z nečim novim, ki ga najdemo pri vsakem ogledu.

35. Taksist (1976)

V filmu 'Taxi Driver' nam Martin Scorsese v Travisu Bicklu predstavi enega najbolj motenih, malo verjetnih, a čudaških protagonistov našega časa. Film ga spremlja, ko postane taksist, da se spopade s svojo nespečnostjo, in opazuje, kako ga počasi premaga vsa norost v mestu okoli njega. Pravi način, kako Taxi Driver zmaga kot film, je, kako se uspe priplaziti do vas in se počasi prebijati skozi dreko in grozo, ki se zdi, da žalita Travisa Bickla. S tem si upravičeno zasluži svoje razlikovanje kot psihološki triler in ne drama, ki pogosto deluje na več ravneh kot le na dveh. Film je morda za nekatere moteč ogled zaradi svoje temne tematike, še temnejše obravnave in peščice nasilja, toda za gledalce, ki so pripravljeni pogledati mimo tega, ni nič drugega kot briljanten poskus razumevanja dela filma. človeška psiha, ki se najpogosteje pojavlja v obliki budnosti. Mislim, kdo ne razmišlja o tem, da bi se dvignili proti nepravilnosti našega časa in jo vrnili? To je tista globoko zakoreninjena fantazija o izpolnitvi želja, s katero se 'Taxi Driver' poigrava na zelo učinkovit način. Film zdaj velja za enega najpomembnejših filmov, ki so jih kdaj naredili in je svetu predstavil silo, ki je bila Scorsese.

34. Poti slave (1957)

Preden je Stanley Kubrick odkorakal raziskovat nerazložljive vidike družbe, ki ne samo presegajo čas, ampak tudi pričakovanja gledalcev od samega sebe, je naredil ta privlačni vojni komad, ki ga uvrščam ob bok »Pridi in poglej«. Za razliko od slednjega, Paths of Glory črpa svojo srce parajočo upodobitev WW iz iste plitkosti človeštva, ki je prevladovala v slednjih Kubrickovih delih. V Kubrickovem svetu demoni niso prekriti s krvjo in blatom, ampak z medaljami in ponosom, pekel pa se poglablja na najbolj sveto mesto, na dvor. V času, ko je industrija sprejela privlačen 3 trak, je Kubrickova enobarvna barva vojno obarvala z enim samim odtenkom. Trupla, cunje, barake, dim, pepel, vse, kar je zakamuflirano z običajnim pogledom na žalostno agonijo.

33. Tri barve: rdeča (1994)

Najbolj žalosten del umetnikove smrti je, ko mislite, da je njihovo končno delo njihovo največje doslej. Tako je bilo s poljskim avtorjem Krzysztofom Kieslowskim in njegovim zadnjim filmom 'Red'. Kieslowski je že po premieri filma v Cannesu leta 1994 napovedal upokojitev iz filmskega ustvarjanja, vendar je zaradi njegove tragične smrti skoraj dve leti po tem, ko je napovedal upokojitev, še bolj žalostno. 'Rdeča' je zadnji del v njegovi zelo cenjeni trilogiji 'Three Colours' in govori o mladi ženski, ki naleti na starca, potem ko je z avtom pomotoma zadela njegovega psa. Starec je upokojeni sodnik, odmaknjen od življenja in vsakršnih čustev in svoj čas namenja vohunjenju za drugimi ljudmi. Med njima se razvije neverjetna vez s subtilnimi romantičnimi podtoni. 'Rdeča' govori o naključjih in naključjih, ki nas vsak dan doletijo, in o tem, da ne prepoznamo lepote in pomena tega. Skozi film je prežet nerazložljiv občutek melanholije o tragediji človeške usode in časa ter o tem, kako smo kot ljudje na svetu tako ali drugače povezani. 'Red' je osupljiv podvig v filmskem ustvarjanju in je preprosto eden največjih filmov, ki so jih kdaj naredili.

32. Zaklad Sierra Madre (1948)

Kot že ime pove, lov na zaklad pogosto povezujemo z utripajočo pustolovščino in z njo povezano adrenalinsko pustolovščino. Vendar je zelo malo zgodb, ki govorijo o čustvih, ki jih ljudje doživijo, ko se podajajo na potovanje, da bi dobili to zlato. Pogosto se reče, da stiska razkrije vaš pravi značaj. 'Zaklad Sierra Madre' pripoveduje zgodbo, kjer poželenje po zlatu prinese neprijetne spremembe v likih, kar na koncu povzroči njihovo individualno opustošenje. Medtem ko je poudarek na pohlepu, ki kvari vest, je preučevanje človeškega značaja v neugodnih situacijah tisto, ki ostane pri gledalcu. Tragična zgodba o pohlepu in izdaji je ta film prejel nagrado akademije za najboljšo režijo, najboljši prilagojen scenarij in najboljšega stranskega igralca. Z leti je to postalo kultna klasika za ljubitelje kinematografov po vsem svetu.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, izraz, ki je označen za revije ali knjige, ki poudarjajo nasilje, seks in kriminal. Zaradi teh elementov so se revije prodajale kot vroče palačinke. Tarantino je te elemente vzel, jih zmešal okoli treh zgodb in ustvaril pripoved, ki ni bila nič manj kot filmski genij. Eden najbolj edinstvenih filmov o popkulturi, ki so bili posneti, se gledalec seznani s svetom mafijskega udarca Vincenta Vege, njegovega kriminalnega partnerja Julesa Winnfielda, gangsterjeve žene Mie Wallace, boksarja Butcha Coolidgea in ga navduši z njegova elegantna obravnava kriminala in nasilja. Eden najpomembnejših vidikov filma, ki je prispeval k njegovemu uspehu, je bil nastop Samuela L Jacksona. Kot udarec Jules Winnfield, ki citira biblijske verze kot udarne besede, je bil fenomenalen. Eden največjih filmov tega obdobja, 'Pulp Fiction', je postal učbenik za ambiciozne filmske ustvarjalce po vsem svetu.

30. Bitka pri Alžiru (1966)

Nekaj ​​filmov je nosilo breme politike na način, ki obogati njihov kinematografski učinek, a prepustijo uglajenemu italijanskemu maestru Gillu Pontecorvu, da prevzame še vedno vrelo žarišče francoskega kolonialnega zatiranja Alžirjev iz poznih 50-ih in ga spremeni v nekaj popolnoma prepričljivo. Še vedno previdne vzporednice Pontecorvovo izjemno nevtralno opazovanje terorizma in terorizma, ki sta ju zagrešili obe strani danes, naredi doživljanje 'Bitke pri Alžiru' fascinanten intelektualni izziv za naše razumevanje črno-belega vojskovanja, podobno kot Miklójev mraz, ki ga zabija. Jancsójeva neizbrisna filmografija. Poleg tega so njegove tehnike urejanja filmskih filmov mejnik v filmski komunikaciji in po mojem mnenju so veliko močneje uporabljale tehnike bruhanja Nouvelle Vague kot mnogi njegovi raziskovalni masheadi. Enkrat viden, nikoli pozabljen - 'Bitka pri Alžiru' je preprosto pomemben del svetovne kinematografije.

29. Dobri fantje (1990)

Režiserjeve sanje so ustvariti filmsko epohalno obdobje, v katerem nastaja. Martinu Scorseseju pa je to navada. Za vsako desetletje, ko je bil A-Lister, je posnel film, ki velja za enega največjih v tem obdobju. V sedemdesetih letih prejšnjega stoletja je posnel 'Taxi Driver', 'Raging Bull' v 1980-ih, 'Goodfellas' v 1990-ih, 'The Departed' v 2000-ih in 'The Wolf Of Wall Street' v 2010-ih. In prav gangsterska drama iz leta 1990, ki temelji na resnični zgodbi mafijskega sodelavca Henryja Hilla, je postala eno od meril v žanru. Film, ki ga v prvi osebi pripoveduje Hill, opisuje njegov vzpon in padec kot del newyorške mafije od leta 1955 do 1980. V nasprotju z vso gangstersko ekstravaganco v 'Botru' ali 'Scarface' se 'Dobri fantje' ukvarjajo z verodostojne podrobnosti vsakdanjega gangsterskega življenja, pri čemer se osredotoča tako na Hillov odnos z ženo Karen kot na njegove podvige s soigralci. Toda Scorsese uporabi vse puščice v svojem tobolcu trikov, da naredi to afero mamljivo, kot je ta legendarni posnetek dolgega sledenja , nekaj nepozabnega dialoga in eksplozivno dejanje Joeja Pescija kot Tommyja DeVita, Hillovega burnega sodelavca. Ko gre za kriminalni žanr, je 'Goodfellas' tako dober, kot je.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese je znan po tem, da v svojih filmih prikazuje zgodbe zlomljenih, pomanjkljivih, pogosto samouničujočih protagonistov. In pogosto je brskal po analih zgodovine, da bi našel padle junake v resničnih zgodbah. 'Raging Bull' je življenjska zgodba legendarnega boksarja Jakea LaMotte, čigar samouničujoči in obsesivni bes, spolno ljubosumje in živalski apetit, zaradi katerih je postal prvak v ringu, so uničili njegov odnos z ženo in družino. Film je v celoti posnet v črno-beli tehniki, da resnično prikaže obdobje, v katerem je bil postavljen, in temno, depresivno razpoloženje, ki ga je definiralo. Scorsese je pričakoval, da bo to njegov zadnji projekt. Tako je bil pri ustvarjanju filma skrbno zahteven. Enako predan je bil Robert De Niro, ki nastopa v naslovni vlogi. Pridobil je 60 kilogramov in dejansko treniral kot boksar. Z ognjevito dovršenostjo vpije kratke spojene manire LaMotte, ko se popolnoma potopi v lik. Za svoje težave je prejel zasluženo. To je največji triumf Scorsese-De Nira. Intenziven, močan magnum opus.

27. Boter: II. del (1974)

V zgodovini drugih del je bilo znano le nekaj filmov, ki bi dosegli slavo prvega, le da bi jih v nekaterih pogledih presegli. Če bo sestavljen seznam takšnih filmov, bo 'The Godfather: Part II' njegov kronski dragulj. Živeti v skladu z zapuščino prvega je bila sama po sebi ogromna naloga, a to nadaljevanje sage 'Boter' ni le uspelo, temveč je tudi razširilo svojo dediščino, da je postalo del največje ameriške zgodbe o organiziranem kriminalu, ki je bila kdajkoli povedana. Film predstavlja dve vzporedni pripovedi; ena se ukvarja z Michaelom Corleonejem kot novim vodjo 'družinskega podjetja' Corleone, druga pa prikazuje odličnega Roberta De Nira kot mladega Vita Corleoneja in njegov vzpon na oblast. Dve zgodbi sta spretno prepleteni in zagotavljata mamljivo pripoved, ki gledalca niti enkrat ne popusti. Al Pacino tukaj opravi nekaj svojih najboljših del, njegov novoodkriti pogled tako rekoč prežveči kulise vsakič, ko se pojavi na zaslonu. Eden tistih skoraj popolnih filmov, ki si jih lahko ogledate ne glede na čas, kraj in vaš zadnji ogled, še vedno pa na koncu ostanete v popolni podrejenosti in strahu pred njim. Če je I. del sveti oltar, je II. del kruh in vino.

26. A Clockwork Orange (1971)

Prva stvar, ki vam verjetno pride na misel, ko vas prosimo, da opišete ta film z eno besedo, je 'moteče'. Edini film na seznamu, ki si ga upam ponovno ogledati, sem se večkrat ujel, da sem se ob gledanju tega filma zdrznil. 'A Clockwork Orange' je najbolj brezkompromisen družbeni komentar, ki ponuja ostre podobe, od katerih si človek morda nikoli ne opomore. Temno je, zasukano in ne nudi odrešitve tistim, ki ga iščejo v filmu z verjetno najbolj mračno predstavitvijo distopije v družbenem smislu. In v tem je po mojem mnenju uspeh filma pri prenašanju motečega sporočila domov. Nekonvencionalen na kakršen koli način, ki si ga lahko predstavljate, ponuja protagoniste, ki so do jedra zlobni in se prepuščajo dejanjem ultranasilja in posilstva; komentira družbeno-politično stanje stvari na najbolj oster način, ki si ga lahko zamislite, vas spravi v stanje zmede, saj je Alex DeLarge (ki ga igra karizmatični Malcolm McDowell) podvržen nečloveškim načinom preoblikovanja in konča puščanje občinstva v daleč od vseh stvari, zaradi katerih se zaradi te moteče izkušnje naenkrat počutiš. Resnično, delo kubrickovskih razsežnosti.

25. Vrtoglavica (1958)

Zgodba 'Vertigo' gre takole - nekdanji detektiv Scotty (James Stewart) trpi za akrofobijo zaradi incidenta, ki se je zgodil pri opravljanju dolžnosti. Nanj se obrne stari prijatelj, da bi pazil na njegovo ženo Madeleine, za katero meni, da je obsedena. Sprva skeptična, Scottie kmalu postane samouničujoče obsedena s lepo žensko, za katero se zdi, da je veliko več, kot si predstavlja. Briljantnost Alfreda Hitchcocka je v tem, da se zdi, da njegovi največji filmi, ki so navdušujoči za ogled prvič, gledalcu odpirajo novo plast razumevanja ob vsakem naslednjem pogledu. Seveda, na bežen pogled, 'Vrtoglavica; je dobro izdelana skrivnost psihološkega umora. Ko pa ga gledaš znova in znova, se njegove teme moške agresije in gradnje ženske podobe v moškem umu začnejo odvijati kot neskončna škatla in te zajemati. Verjetno najbolj fino starajoči se film, ki so ga kdaj naredili, o počasi gorečem sijaju Vrtoglavice priča dejstvo, da film po odprtju za mešane kritike velja za enega največjih filmov, kar jih je bilo kdaj posnetih. Mojstrovina mojstra trilerjev.

24. Hirošima, ljubezen moja (1959)

Film 'Hiroshima mon amour', ki se je rodil iz misli francoskega vizionarja levega brega Alaina Resnaisa, je film, ki joče s transcendentalno močjo. Njegova zgodba o času, prepletena s spominom in brazgotinami obeh, ki se je zgodila v Hirošimi med drugo svetovno vojno, pripovedana prek dveh ljudi – enega Francoza, enega Japonca –, ko poskušata sestaviti prevladujoče sporočilo o uničenju, ki je tam povzročilo. Razen od takšne neumnosti ni ničesar pridobiti, intelektualno ali čustveno. Gre za delo, prepojeno z mednarodno žalostjo, ki sega dlje od samega konflikta ter do resnic in zatiranja, ki preganjajo človeška bitja vsak dan. Skozi odmeve atomske eksplozije najdemo delček tega, kar je tako narobe z nami. Dejstvo, da Resnais preprosto razume to nedotakljivo zmedo, namesto da bi jo poskušal popraviti, je tisto, zaradi česar je 'Hiroshima mon amour' ena izmed velikih mojstrovin kinematografije.

23. At Random Balthazar (1966)

Opustošena mojstrovina Roberta Bressona je vaja v občutku. Izmika se od definiranja jasnega protagonista ali osrednje teme, razen če upoštevate čudežno silo narave, ki je Baltazar, in če vzamete film po nominalni vrednosti, ne. Toda če mu dovolite, da je vaša točka dostopa do čustvene in tematske pokrajine filma, se je težko vrniti iz nje nenagrajeni. Baltazarjev svojevrsten, vitek in hladen vizualni slog se v retrospektivi zdi skoraj glamurozen; njegova mirna krhkost, zavita v pomirjen, izjemno moder občutek nadzora. Celo njena otipljiva poštenost skriva preučen trud, da bi se malo zadržal, da bi v svoji preprostosti postavitve in karakterja nahranil bogastvo, ki je prepuščeno občinstvu, da ga odkrije in si v nekaterih dih jemajočih primerih zamisli. Ker igralci tako malo govorijo o svoji stiski, doživljamo naključna, nerazumna dejanja krutosti in občutimo zadušljivo žalost za njim. V obliki, v kateri si tudi najbolj izkušeni umetniki prizadevajo le povečati čute gledalcev s prilagajanjem preizkušenim, so mi Bressonove podobe zagotovile lirično predlogo, na kateri lahko utemeljim obseg svojega sočutja, da celo ocenim, kako zavestno je to sočutje. .

Vse to me vrača k moji prvotni misli. Pripisovanje pomena vsakemu trenutku v »Baltazarju« ni odvisno od tega, ali domnevamo, da so njegove vsebine alegorije družbene ali celo politične narave, temveč od tega, kako nas naredijo. čutiti tako, da uživajo v njihovi kompleksnosti in tišini, namesto da bi se zanašali na brezumno ekspozicijo, po kateri se zateka večina filmov. Povsem logično je torej, da je glavni junak istoimenski osel.

22. Andrej Rubljov (1966)

Verjamem, da je 'Andrej Rubljov' največji primer koncepta kiparstva v času ruskega avtorja Andreja Tarkovskega. Veliko njegovega zadnjega dela je bilo abstraktnega, saj se je ukvarjal z neverjetno osebnimi temami in vizualizacijo, ki je bila razpršena po časovnih obdobjih. Z 'Andrejom Rubljovom' je Tarkovski ujel sam čas in ga nato pobožal z najglobljimi odtenki umetnikove duše. Tarkovsky je verjetno edini filmski ustvarjalec, ki bi lahko dosegel najvišji dosežek pri upodabljanju umetnikove represije. Raziskuje zatiralske režime Rusije, ki so tako avtohtoni v državi kot njena globoka literatura, ki je presenetljivo podvomila o najbolj prepričljivih vprašanjih v zvezi z duhovnim in metafizičnim. Številne poznejše poteze Tarkovskega, vključno s snemanjem toka narave, je mogoče opaziti na potovanju Andreja Rubljova. To je film, ki te posname, razbije in da misliti – tako med filmom kot še dolgo po tem, ko so krediti odšli.

21. Pustolovščina (1960)

Kako se počutite glede nerazrešene skrivnosti? Ali nedokončana zgodba? Ali iščete zaključek tako, da ga obupno iščete? Ali pa sprejmete dejstva in greste naprej? Ali ni to življenje? Kompromis in naprej? Film, ki je Michelangelu Antonioniju prinesel priznanje po vsem svetu, 'L'Avventura' je zgodba o izginjanju mlade ženske med potovanjem z jahtanjem čez obalo Sicilije. Njeno iskanje združi njenega nekdanjega ljubimca in najboljšega prijatelja in začne se moteča zveza. Medtem ko je zgodba spletena okoli iskanja pogrešane ženske, je njen pravi namen zgraditi pripoved, ne da bi se osredotočila na večji dogodek in bi kljub temu lahko očarala občinstvo. Pravi motivi osrednjih likov niso nikoli v celoti razloženi in ob koncu filma je gledalec prisiljen sprejeti, da nekateri dogodki ostajajo nepojasnjeni, tako kot življenje. Nesporna mojstrovina!

20. Brez sape (1960)

Dolgo preden se je Quentin Tarantino prebil na ameriško indie sceno s svojim divje maveriškim pristopom k ustvarjanju filmov, ki je povečal osredotočenost na slog nad vsebino, je bil ta človek po imenu Jean Luc-Godard, ki je neustrašno prevzel tradicionalne kinematografske slovnice in jih nepremišljeno zlomil. navzdol, na novo definira in oblikuje filme, kot jih vidimo danes, s filmom, imenovanim 'Breathless'. Morda še nobenemu drugemu filmu ni uspelo ujeti minljive norosti mladosti na način, kot to počne 'Breathless' s svojo nepremišljeno energijo in omamnim vzdušjem. Nenavadna uporaba preskočnih rezov razveseljuje prirojeno norost premise, ko vas Godard močno odmakne od svojih likov in vas prosi, da se osredotočite na razdrobljene vidike zgodbe namesto na zgodbo kot celoto. 'Breathless' je eden najpomembnejših filmskih prvencev v zgodovini kinematografije in čeprav še naprej polarizira kinefile in kritike, ni mogoče zanikati vpliva, ki ga ima na sodobno kinematografijo.

19. Sedem samurajev (1958)

Akira Kurosawa je eden najbolj izvirnih, vplivnih in referenciranih režiserjev, ki so jih kdaj živeli. Roger Ebert je nekoč rekel o Kurosawi. Lahko bi trdili, da je ta največji režiser zaposloval akcijske junake za naslednjih petdeset let in ne bi mogel biti bolj resničen. 'A Fistful Of Dollars' Sergea Leoneja, ki naj bi rodila žanr špageti vesterna, se je zgledoval po Kurosawinem 'Yojmbo'. Tudi naš trenutni prispevek je tehnična in ustvarjalna prelomnica in je navdihnila nešteto neposrednih pripovedi, pa tudi številni vizualni elementi v sodobnem kinu . Epska drama opisuje zgodbo o sedmih ronin (samuraj brez gospodarja), ki se vzame z orožjem za obrambo revne civilizacije, ki zanje nima več prostora pred napadi razbojnikov na Japonskem v 16. stoletju, kar doseže vrhunec v ostrem vrhuncu. Toda briljantnost 'Sedem samurajev' je v dejstvu, da pripoveduje vrsto dobro izdelanih zgodb, ki segajo v različnih žanrih v glavni drami. V celotnem filmu so prisotni elementi akcije, pustolovščine, romantike in polnoletnosti. Sestavljajo ga tudi liki, ki so tako bogato razviti kot redek zrezek, ki bo kasneje postal stalnica več žanrov. Resnično navdihujoče umetniško delo.

18. Drevo življenja (2010)

'Drevo življenja' je najvišja oblika filma: ne pripoveduje zgodbe, ampak želi spremeniti vaše življenje. To je film, za katerega bo potreben čas, da vam priraste, in ko se to zgodi, boste težko ne razmišljali o njem. Filmska pesem izjemnega obsega in ambicije, 'Drevo življenja' ne zahteva le opazovanja, temveč tudi refleksijo in občutenje. Najenostavneje je zgodba o potovanju iskanja samega sebe. V svoji najbolj zapleteni obliki je meditacija o človeškem življenju in našem mestu v veliki shemi stvari. Ni pomembno, v katero vero verjamete ali če sploh verjamete v višjo entiteto. Pravi občutek začudenja v filmu izvira iz čarovnije, ki jo je življenje samo. Najlepši vidik filma je, da s časom postaja vse boljši, kot dobro vino.

17. Close Up (1990)

Pokojni veliki iranski avtor Abbas Kiarostami je pogosto videl lepoto in poezijo v najbolj absurdnih vsakdanjih epizodah človeških življenj. Kiarostami je z varljivo preprostimi zapleti in naturalističnimi nastavitvami raziskoval univerzalne teme, ki so brezhibno presegale kulturne ovire zaradi vrste človečnosti, v katero je bil sam po sebi zavit njegov kinematograf. 'Od blizu' je nedvomno njegovo najbolj dovršeno delo in eno najbolj izvirnih, inventivnih del. kinematografske umetnosti, ki je bila kdaj proizvedena. Film je v obliki dokumentarne fikcije, ki opisuje sojenje v resničnem življenju človeku, ki je predstavljal iranskega filmskega režiserja Mohsena Makhmalbafa. Igralska zasedba vključuje ljudi, ki so dejansko sodelovali v sojenju in v filmu igrajo sami sebe. 'Od blizu' je osupljivo raziskovanje človeške identitete skozi oči navadnega človeka, ki se trudi soočiti s samim seboj in svojim življenjem in iz obupane žalosti in pristne ljubezni do filmske umetnosti stopi v čevlje svojega idola, da bi vedeti, kakšen je občutek biti resnično živ, občudovan in spoštovan. To je filmsko ustvarjanje najvišjega razreda.

16. Jeanne Dielman, 23 let, Quai Du Commerce, 1080 Bruselj (1975)

Ta francoski avantgardni film z Delphine Seyrig v glavni vlogi ni zgolj kinematografska izkušnja. Je bližje vaji – testu in vpliva na vas tako, kot je bilo malo drugih filmov pred ali pozneje. Neodvisni komad se osredotoča na tri dni v življenju osamljene, težavne gospodinje, ko gre skozi njen strog urnik, poln vsakdanjih gospodinjskih opravil. Je mati in vdova, ki zvečer opravlja spolno delo za gospode, da bi služila za preživetje. Težave nastanejo, ko je drugi dan njena rutina rahlo motena, kar povzroči nekakšen domino učinek, ki se odraža v urah po njej. Jeanne Dielman potegne v svoj počasen in meditativni svet z Akermanovim značilnim režiserskim podpisom, ki vključuje dietetično vzdušje in hipnotično avro, ki jo prinaša umirjena, subtilna in potrpežljiva osebnost mojstrovine, ki je boleče praznovanje monotonosti obstoja.

15. Rashomon (1950)

Eden najbolj nekonvencionalnih in eksperimentalnih del filmskega ustvarjanja za svoj čas, 'Rashomon' opazuje mojstra pri delu, pri čemer se navdušuje s svojimi spretnostmi pripovedovanja zgodb. Preprosto povedano, gre za poročilo o incidentu, ki se je zgodil s štirimi zelo različnimi stališči, stališči obtoženih, žrtev in tistih, ki trdijo, da so očividci. Po vseh tehničnih vidikih izstopa s skoraj brezhibno montažo in mojstrsko režijo, vendar si film zagotavlja zmago pri tematskih vprašanjih, ki jih obravnava; vprašanja o obstoju absolutne resnice. Je resnica res tako objektivna in nepravična, kot si jo predstavljamo, ali je z njo povezana neka subjektivnost? Običajno je objektiven ali pa ga vsaj splošno velja, brez navideznih drugih različic. Ta film ga preizprašuje na način, da je gledalec sam razburjen z vprašanji, pogosto pa komentira tudi, kako ljudje včasih niso povsem pošteni niti do samih sebe. Tematsko je tako zapleteno, kot je, a na videz tako preprosto, kot si želite.

14. Zalezovalec (1979)

Zadrževanje svojih manjših potomcev, ki vključujejo izjemno uspešno televizijsko serijo 'Westworld', na zaliv, 'Stalkerjevega' ogromnega vpliva na vizualno pripovedovanje zgodb ni mogoče preceniti. Ideje – filozofske, duhovne in znanstvene – ter njihovo spretno, veličastno kinematografsko raziskovanje v 'Stalkerju' so našle svoje vtise na številnih znanstvenofantastičnih, ki bodo sledile. V delu filmskih ustvarjalcev, kot je Terrence Malick, ne gre toliko za drsenje, vzbujanje transa in na trenutke abstraktno premikanje ali vznemirljiva uporaba monokromatske sepije zunaj cone in vtisnjenih barv lokacij v Estoniji. in Lav Diaz, če jih naštejemo le nekaj, toda trajna potrpežljivost in ponižnost. Tarkovsky, ki v veliki meri predaja filozofsko vladavino občinstvu, pušča gledalcem toliko prostora, da sami odkrijejo več metafizičnih plati filma, da se zdi, da je celo njegova dobesedna in vizualna poezija brez primere plod naše izmišljotine, kot tudi njegove. in njegovih sodelavcev. In vendar film ostaja odmaknjen in nas vodi v nedoumljive skrivnosti uma in srca in nikoli jih na koncu ne razvozlamo, saj ravna pot ni nikoli prava.

13. Fanny in Alexander (1982)

Skoraj 35 let po prvotni izdaji je Bergmanov zadnji režijski celovečerec prav tako fascinanten za seciranje, kot je bilo takrat za kritike po vsem svetu, za katere se je zdelo, da se vsi trudijo zagotoviti, da se njihovo mnenje o njem sliši. Ta mnenja so bila veliko bolj razhajajoča kot danes, vendar se zdi, da je mesto filma v Bergmanovi filmografiji še vedno težko opredeliti. Po tonu, strukturi in čistosti ni podobno ničemur, kar je Bergman naredil do te točke. Je pa tudi nedvomna združitev vseh njegovih tematskih in vizualnih instinktov, ki so prepleteni v tej življenje potrjujoči tapiseriji družine v zgodnjih 1900-ih na Švedskem. Zdi se, da njegova slikovita razkošnost pritegne vso vašo pozornost že ob prvem ogledu s svojimi globoko poglobljenimi variacijami rdeče, zelene in blage, tople rumene barve, ki tvorijo tako opojno barvno paleto, da njena odsotnost – ko je vse zavito v belo, črno in ostro modro – zdi kaznovalno. Bergmanove natančno izdelane kronike izžarevajo z vznemirjenjem družinskega piknika in poznajo človeške vezi, ki jih desetletja drži pristna, krhka naklonjenost. V tej velikodušno postavljeni predstavitvi življenja sta rojstvo in smrt naključna. V malem svetu se ti liki, tako kot večina nas, naseljujejo, obrobne radosti so vse, kar si lahko upamo in so jim dovolj, kot bi nam morale biti. Je vse iluzija? Če gledate, kako ta velikanski ansambel dela takšne čudeže, bi si lahko kdo mislil. Če je, verjemite mi, ne želite, da se razbije.

12. Apokalipsa zdaj (1979)

Obstajajo vojni filmi, ki prikazujejo zapletenost vojskovanja (kot je 'Enemy At The Gates'), nekateri drugi, ki grajajo in sovražijo predstavo o tem (na primer 'Pianist'), in potem je tu drzni 'Apocalypse Now', ki ne ponuja mnenje ali sklep, ampak namesto tega razgalja grafično upodobitev vojnih grozot in poveličuje vojake, ki v njej sodelujejo. Do danes poteka razprava, ali je 'Apocalypse Now' za vojno ali protivojno. Ljubi ali sovraži; gotovo je, da si ga boste zapomnili. Ena najbolj problematičnih produkcij v zgodovini Hollywooda, končni rez pisatelja in režiserja Francisa Forda Coppole je končal njegovo tehnično najbolj briljantno delo. Gola premisa je preprosta – stotnik Willard mora končati s skrajnimi predsodki polkovnika Kurtza, ki je vstopil na sovražno ozemlje in se pobegnil. Toda Willardovo izčrpavajoče potovanje po mučnih vietnamskih bojiščih (povzdignjeno z dih jemajočo kinematografijo Vittoria Storara) je tisto, ki ostane vtisnjeno v misli še daleč po tem, ko se filmi predvajajo. Vključuje enega za drugim nepozabne prizore in dokončne nastope Martina Sheena kot Willarda, Marlona Branda kot Kurtza in Roberta Duvalla kot 'napalmskega navdušenca' podpolkovnika Kilgoreja, 'Apocalypse Now', kot je Coppola pravilno izjavil, ne govori o Vietnamu. To je Vietnam.

11. 400 udarcev (1959)

'The 400 Blows' Françoisa Truffauta je pravo umetniško delo, ki izvira iz resnične bolečine. Truffaut je film, ki je resnično iskreno in globoko osebno delo, posvetil svojemu duhovnemu očetu in mednarodno priznanemu filmskemu teoretiku Andréju Bazinu. Truffautovo otroštvo je bilo izrazito avtobiografske narave, kar se zelo jasno odraža v filmu. Navzven je film o mladoletniškem in mladostniškem prestopništvu, ki ga pogosto vodita družbena in starševska zanemarjanje. Poglejte malo globlje in našli boste film o upanju; upam, da je tako intenzivno in terapevtsko. Antoine Doinel, protagonist, je nekako izrazita predstavitev družbe same, družbe, ki lastne neuspehe skriva za pravili, kaznimi in sodbami. Film teče kot reka in gledalce popelje na pot upanja, obupa, empatije in celo čiste jeze. Če ste si kdaj želeli videti, kako izgleda mojstrovina, ne iščite dlje od 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch ni filmski ustvarjalec. Človek je sanjač. In 'Mulholland Drive' so največje sanje, ki jih je kdaj sanjal. Sanje, ki zajemajo vsako čustvo, ki zajema človeški obstoj. Težko je razložiti ali opisati film, kot je 'Mulholland Drive', ker je to film o izkušnji in o tem, kaj iz nje vzamete, ne pa zaplet, ki temelji na konvencionalni pripovedi, ki vas hrani z odgovori, s katerimi bi lahko z veseljem vzeli domov. Lynch je pogosto izjavil, da je njegova vizija filma v bistvu zgrajena na številnih idejah in občutkih. In to postane prehod za razumevanje filma, ki je tako zapleten in večplasten, kot je 'Mulholland Drive'. To je labirint sanj, ambicij, želja in nočnih mor. Lynch ve, kaj nas najbolj grozi in kaj nas spravlja v čisto norost. In prav ta moteč intimen odsev človeške podzavesti naredi 'Mulholland Drive' tako globoko mučno umetniško delo. Takšno, ki vas objame z občutkom topline in nežnosti, preden vam prereže lobanjo.

9. Tatovi koles (1948)

Preprostost je končna prefinjenost – Leonardo Da Vinci. Ena najtežjih nalog pri filmskem ustvarjanju je ugotoviti, kdaj končati svoj film. Konec v Bicycle Thieves je tako tonsko usklajen z začetkom, saj začnemo od Antonia, vsakdanjega človeka, ki izhaja iz množice, do Antonija, vsakdanjega človeka, ki se razblini v množici. Življenje v povojnem Rimu se je vsak dan spremenilo v boj in komaj je bilo nikogar, ki bi se rešil iz tega močvirja bede. Zelo malo je filmov, ki ponujajo tako globoko introspekcijo kot Tatovi koles. To je film, ki vam bo razbil srce na koščke, hkrati pa vas bo navdihnil, da boste živeli polno. Redkokdaj je film, tako preprost v svoji premisi, tako briljantno učinkovit v svojem sporočilu. Ko si ga enkrat ogledaš, je skoraj nemogoče pozabiti film. Čeprav je največji dosežek filma v tem, koliko neodvisnih filmskih ustvarjalcev je navdihnil, ki do danes kot svoj navdih navajajo 'Bicycle Thieves'.

8. Tokijska zgodba (1953)

'Tokijska zgodba' je tisto, po čemer si želi vsak filmski ustvarjalec, ki želi povedati smiselno zgodbo. Jasno je, da vsi ne uspejo! Ni boljšega primera filma, ki upodobi epsko zgodbo na tako preprost, a mojstrski, učinkovit in nepozaben način. S 'Tokyo Story' je Yasujiro Ozu dosegel nekaj, kar so sanje vsakega živega filmskega ustvarjalca: za vedno prebivati ​​v srcu in umu občinstva. Kdor je videl 'Tokyo Story', bo vedel, o čem govorim. Film pripoveduje zgodbo o starajočem se tradicionalnem japonskem paru, ki obišče svoje otroke v Tokiu, le da pride do ostrega spoznanja, da so njuni otroci preveč zaposleni s svojim življenjem, da bi skrbeli zanje, in da so se od njih kulturno in čustveno izjemno oddaljili. . Kar je tudi tako odlično pri filmu, je njegova univerzalna tema, s katero se lahko poveže vsak, kjer koli. Ozujev filmski slog prav tako zagotavlja, da ste zatopljeni v zgodbo, ki ponuja globok vpogled v spreminjajočo se človeško psiho s spreminjajočimi se časi. Preprosto briljantno!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' je preprosto največja ljubezenska zgodba, ki je bila kdaj posneta. Obdobje. Tako zlahka bi lahko bila igra ali celo poezija. S čudovitimi, očarljivimi podobami in izvrstno glasbo, ki prebija dušo, 'In The Mood For Love' pripoveduje zapleteno zgodbo dveh preprostih posameznikov. Dva posameznika, ki gresta skozi strah in vabo zaljubljenosti; in enkrat zaljubljena, čista bolečina, da jo pustiš nepopolno. 'In the Mood for Love' prikazuje ljubezen v njeni najbolj ranljivi obliki. In s tem razkriva lastno ranljivost in kako nemočni smo pred ljubeznijo. Redkokdaj ima film tako podcenjen in tako zadržan po ogledu takšen učinek.

Nisem prepričan, ali je režiser Wong-Kar-Wai nameraval posneti film, ki ga je posnel, saj je film večinoma posnel brez scenarija. Če pogledate zgodovino, so najbolj določujoča umetniška dela srečne nesreče. Mednje šteje 'In the Mood For Love'.

6. 8 1/2 (1963)

Številka osem in pol v filmografiji italijanskega maestra, ta pekoča, slastna epopeja fantazij, nočnih mor in vse preveč blatne resničnosti je kot piškoti – v svoji obliki odločno absurdni in pečeni na način, ki ne dovoli, da bi ga v celoti požrl. enkrat. Njena strašna, nemirna kamera dopolnjuje Fellinijevo zavestno vizijo filmskega ustvarjalca, ki poskuša v svojem novem filmu kanalizirati številne spreminjajoče se izkušnje, ki jih je imel v svojem zavozlanem življenju. Kakor koli že polavtobiografski, '8 1/2' z vso svojo očarljivo kompleksnostjo, neokrnjeno s tako radikalno hitrostjo, preleti mimo svojega občinstva, da sem se zalotil, da poskušam dekonstruirati njegove pronicljivo sestavljene podobe, da bi našel svoje mesto v Fellinijeva visoka specifičnost, vendar nikoli ni mogel trdno pristati na tleh.

Ob izkoriščanju zasenčene teže Marcella Mastroiannija je Fellinijeva čista elektrika lahko osupljiva. Obdržite svoje dojemanje določenega trenutka in prepoznate njegovo soparno bogastvo šele, da ugotovite, da se je filmski ustvarjalec premaknil na drugo plapolajočo, prijetno umirjeno sekvenco. Njegove ideje o umetnikih in njihovi zmedeni, smešni obsedenosti s samim seboj se morda zdijo zastarele – ali še huje, nepomembne –, a drznost njihove konstrukcije in izražanja nikoli ne izgubimo. Očara nas in nas zavede, nikoli ne dovoli, da odmaknemo oči z njega, nato pa nam uide skozi prste, ko se nam zazdi, da ga nikoli nismo imeli v rokah. Fellini se ne razlikuje veliko od jasnovidne Maye v filmu, ki se zdi, da ve, kaj vsi mislijo: spretnost, ki jo njen pomočnik pripisuje telepatiji. Ko naš protagonist Guido sprašuje asistentko, kako to počne, ta odkrito pove: delno je trik, deloma pa res. Ne vem, vendar se zgodi. Nobene besede ne bi bile bolj primerne za opis filma.

5. Oseba (1966)

Mislim, da je varno reči, da je 'Persona' sam zlomil kino. Kot grozljivka na površini je klasika Ingmarja Bergmana iz leta 1966 bolj študija individualne identitete kot karkoli drugega. Ta film z uporabo inovativnih tehnik montaže, ostrih kotov kamere, hladnih izrazov, impresivnih dialogov in čudovite režije na čim bolj dvoumen način pripoveduje zgodbo o slavni igralki, ki izgubi glas, in o medicinski sestri, ki skrbi zanjo. v samotnem domu, kjer se njune osebnosti počasi zlijejo med seboj. Kot režiserjev najbolj kinematografski podvig, 'Persona' poskrbi, da zasuka vsako konvencionalno pravilo filmskega ustvarjanja, da bi poskušal prinesti svežo in navdušujočo izkušnjo. Z nekaterimi najboljšimi igrami, ki so jih kdaj uporabili na celuloidi, nam vzdušje filma pomaga ceniti vprašanja, ki jih imamo o njem, tako da pametno preusmerimo naš fokus na obrt, ki se izvaja. Preprosto ne obstaja nič podobnega kot 'Persona', in to bi lahko bilo dejstvo.

4. Boter (1972)

Verjetno najvplivnejši film, ki je bil kdaj posnet. Ena najredkejših priredb, ki je pravzaprav boljša od izvornega materiala – v tem primeru istoimenski roman Maria Puza – je film prestal skozi stoletja in je klasika v pravem pomenu besede, ki je z vsakim boljši. ogledovanje. Film opisuje mafijsko družino pod Don Vitom Corleonejem in se osredotoča na prehod njegovega sina, ko prevzame družinsko podjetje po patriarhovi smrti. Brez dvoma so predstave ena glavnih prednosti tega filma, pri čemer sta velikana, med drugim Marlon Brando kot Vito Corleone in Al Pacino kot Michael Corleone, s svojimi predstavami na novo definirala igralske standarde. Vse ostalo, še posebej scenarij in razpoloženje, kinematografijo in partituro, je pričakovano A-stop in žanrsko opredeljeno. Prav je, da ne obstaja filmski film, ki si ne bi ogledal te mojstrovine filma. To je oltar, kamor gremo moliti.

3. Državljan Kane (1941)

Sveti gral ameriške kinematografije. 'Citizen Kane' je opredelil skoraj vsak vidik, ki zajema umetnost filma. Film, ki je prelomil nešteto konvencij filmskega ustvarjanja samo zato, da bi ustvaril nove. Od svojih revolucionarnih tehničnih podrobnosti, vključno z osvetlitvijo, zvokom in vizualnimi elementi, do zelo inovativnega sloga pripovedovanja zgodb, je 'Citizen Kane' spremenil način snemanja filmov. Film je globoko poglobljena likovna študija, ki ima obliko skrivnostne drame in razkriva resnice o življenju skrivnostnega založniškega tajkuna, katerega zadnja beseda je vzbudila zanimanje novinarja. Odpravi se na potovanje in raziskuje človeka, ki je nekoč začel svoje življenje s surovimi ambicijami in željami, a bi kmalu podlegel zapeljivi moči pohlepa in avtoritete. 'Državljanin Kane' je izjemno močno umetniško delo, ki raziskuje globoke teme in zajema neskončno zapletene čustvene vidike življenja človeka.

2. Ogledalo (1975)

Je lahko umetnost kdaj tako osebna, da je človek ne bi mogel ločiti od njenega ustvarjalca? To je vprašanje, ki me je zazdelo, ko sem prvič videl 'The Mirror' Andreja Tarkovskega. To je umetniško delo, kjer se umetnik popolnoma preda svojemu delu, pri čemer ne ločiš med njim in delom, ki ga opravlja. Skoraj tako, kot da je Tarkovsky vdihnil celoten film. Avtorji so delali svoje mojstrovine, spreminjali in oblikovali kinematografijo, kot jo vidimo danes, a Tarkovsky je naredil korak dlje od tega in dosegel nedosegljivo; dal življenje svoji umetnosti. 'The Mirror' samo diha kino. Videli ste Tarkovskega, njegovo družino, kulturo, v kateri je odraščal. Pravzaprav bi lahko uspeli videti sebe v tem, svojo mamo in ta občutek Deja Vuja, ki vam pride v glavo, ko gledate te kraje. Skoraj tako, kot da ste bili tam, morda v življenju ali v sanjah, izgubljeni nekje. In za umetnika, da ustvari nekaj osebnega in intimnega, je nekaj, kar resnično presega besede. To je film, ki potrjuje to, kar smo vedno vedeli: kino je največja oblika umetnosti.

1. 2001: Odiseja v vesolju (1967)

Kot vsak drugi vnos na tem seznamu je tudi »2001« lekcija o filmskem ustvarjanju. Več filmskih ustvarjalcev, vključno s Christopherjem Nolanom in Denisom Villeneuvom, je govorilo o tem, kako jim je bil film navdih. Torej, ja, film je tehnično čudo. Ampak to ni razlog, zakaj se je film uvrstil na vrh tega seznama toliko odličnih filmov. Sedi na vrhu, ker je film, ki si je upal iti tja, kamor še ni šel noben film. Hudiča, nihče niti ni vedel, da obstaja tak kraj, kamor bi se lahko usmeril kino. In če je filmska umetnost kdaj zahtevala razlog ali dokaz, da potrjuje, da je njen namen obstoja veliko več kot zgolj zabava, potem je tukaj: popolnoma prepričljiva in nadvse mitska '2001: Odiseja v vesolju'.

Stanley Kubrick je s skoraj vsemi svojimi filmi razširil obzorja kinematografije. Z '2001: Odiseja v vesolju' je dal tudi nov pomen tistemu, kar lahko doseže kinematograf. Večina filmskih ustvarjalcev uporablja kino kot medij za pripovedovanje zgodbe. Toda Kubrick je uporabil kino za spraševanje. Kaj je vprašal? Vse, od Boga do namena našega obstoja. Čeprav je '2001: Odiseja v vesolju' sam po sebi zelo inteligenten znanstvenofantastični film, je tudi veliko več. Verjamem, da je to film, ki je bolj filozofsko iskanje, da bi ugotovili, ali Bog obstaja. Govorite o visokem ciljanju!