100 najboljših japonskih filmov vseh časov

Najprej bi rad nekaj časa namenil častnim omembam in bližnjim pogreškam: Nenavadni mukotrpni plavajoči oblaki Miko Naruse, Ko se ženska dvigne po stopnicah, hrepenenje in bolj odpuščen zvok gore niso uspeli. Poskušal sem pustiti dovolj časa, da se ogrejem za njegovo delo, vendar me nenehno ne zanima, če rečem. Tampopo, Peščeni grad, Človek za soncem, Angelčevo jajce, Belladonna žalosti in Okus čaja tudi moji kinematografski paleti žal niso ustrezali. Da bi zmanjšal plimski tok na prekomernem številu Akire Kurosawe in Yasujirō Ozuja, nisem vključil njihovega odličnega potepuškega psa, škandala ali Kagemushe; niti dokazljivo plodne Ozujeve I was Born But & hellip ;, zgodnje poletje, pozno jesen, edini sin, konec poletja, okus zelenega čaja nad rižem in kokoš v vetru.

Upoštevajte, da je ta seznam najboljših filmov: Noben od teh filmov ga dejansko ni uvrstil na 100. mesto, ne glede na to. Hotel sem priznati njihovo kakovost med toliko drugimi dragulji. Odsotni so tudi trdni, a na koncu nezadovoljivi Prašiči in bojne ladje Shohei Imamura, Pornografi in Človek izgine, skupaj z lepim državnim udarom Yoshishigeja Yoshide in Wuthering Heightsom, skromnim žariščem Kon Ichikawa, Srcem in desetimi črnkami ter Hirokazu Koreedo dotikanje po življenju, kot oče kot sin in nihče ne ve & hellip; vse to me je navdušilo, da sem iskal Po nevihti, ko bo tega konec. Na koncu bi si vzel trenutek, da spregovorim o delu Siona Sona: Kljub razočarani vztrajnosti in obupnemu upanju - ne morem reči, da se je en njegov kos, ki sem ga poskusil, izkazal za trud. Hladne ribe, tokijsko pleme, Krivda za romantiko in izjemno slaba ljubezenska izpostavljenost so vsi bedaki, nenazadnje tudi slednji - kar je bil najslabši film, ki sem ga videl na tej poti skozi japonsko kinematografijo. Neznosen.

S tem s poti: Začnimo. Tu je seznam najboljših japonskih filmov, ki so jih kdajkoli posneli.

100. Vrata pekla (1953)

Razkošno opremljeno obdobje, privlačnost Gate of Hell se skriva v čudoviti paleti modelov. Režiral Teinsuke Kinugasa, najbolj znan po svoji znamenitosti iz leta 1926 Stran norosti , to je tesno zavita zgodba, ki traja približno dva poskusa, da bi jo v celoti cenili, zlasti za zahodne kritike, ki ne poznajo častno vezanega kodeksa fevdalne Japonske, a nagrajuje z bogato oblikovanim zasukom in zloveščimi namigi na nadnaravno grožnjo, na katero namiguje naslov.

99. Lone Wolf in Cub Series (1972… 74)

Čuden kandidat za kralja stripovskih franšiz, Osamljeni Wolf in Cub skozi izseljenega krvnika in njegovega majhnega sina spremlja serijo filmov, ki sestavljajo to mesto na seznamu. Del III: Otroški voziček do Hada in VI. del: Bela nebesa v peklu so po mojem mnenju najmočnejše - čeprav so od letošnjega leta vredne ure in so na voljo v zbirki Criterion. To je izbor toplih likovnih del z vznemirljivo akcijo in humorjem, ki v pripovedi zasenčijo vse formalnosti - vse to je vredno ogleda in več kot vredno kovanja lastnega prostora tukaj.

98. Ichi the Killer (2001)

Nezaslišano in nezaslišano Miikeov neustrašen naval sloga spodkopava kakršno koli potrebo po vsebini, s poudarkom na izopačenosti in presežkih od besede in izpolni obljubo o bolečini in prelivanju krvi v obsegu, ki ga malo filmov na pravni strani črte sploh lahko razume. To je čudovito trapasta zabava z lizanjem teme, tako ekstremne, da jo morate jemati resno. Ne morem si pomagati, ampak spoštovati Ichi ubijalec ker je tako udobno v svoji lastni absurdnosti - in medtem ko se naslovni lik izkaže za klišejsko dolgčas, Miike v zgodnjih fazah najde dovolj zagona, da se z mano, zmedeno, zmedeno in popolnoma očarano nad izkušnjo vsakič potisne do cilja.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, mož, ki stoji za antologijo zločina Bitke brez časti ali človečnosti , je umetnik, ki tukaj izraža vsesplošno kakovost, ki je tako čudovita v širši japonski kinematografiji: se ne boji sprejeti žanrskega snemanja filmov. Battle Royale je edinstveno zasnovan kot uber-neumna satirična komedija, medtem ko na svoji poti zadene humanistične oznake, reke brizganja in brezhiben komični čas, ki ga Fukasaku pripisuje tudi najbolj bolečim situacijam, naredijo film popoln udarec. Še posebej opazen je obrat Takeshi Kitano, ki je za popoln napad na duhovitost in okus odstranil vse pojme o uglednosti. Battle Royale je neurejeno, to res drži, toda način, kako se vedno znova neumorno zbere za še en napad na dvomljivca, je veličasten. Fukasaku brez obotavljanja razume topo orožje, ki ga drži v rokah, in ga z vso močjo zaniha. Dejstvo, da je bil njegov zadnji film daje človeku nekaj dostojanstva - samomorilska misija, ki udari v smešno kost, bi morali biti komi, da se vsaj enkrat ali dvakrat ne boste počutili trpke. Bistvena zabava.

96. Godzilla (1954)

Klasičen pošastni film, ki se bo vsaj meril s King Kongom in katero koli prvotno založbo Universal. Godzilla nima povsem človečnosti in duhovitosti Nevidnega človeka ali divje hrepenenje Bitja iz Črne lagune - vendar je zabavno. Gledanje velikega moškega v smrtno težki obleki, ki prečka urbano Japonsko, je do danes privlačna izkušnja, predvsem zaradi neizogibno skromnega šarma. Zdi se, da je trenutno in kljub hitrim učinkom zmenkov je več kot dobrodošlo, da ostanemo tam, saj je relikt davno izgubljene dobe - in zdaj je boljši čas kot kateri koli, da upamo, da je zamaskirani vodja Haruo Nakajima počiva v miru.

95. Noro sadje (1956)

Nekdanji ustanovitelj japonskega novega vala, Noro sadje osredotočanje na plamen mladosti se postavi na noge s preprosto zgodbo, ki presega njene skromne parametre: skok čez ograjo dveh moških, zaljubljenih v isto žensko, da odraža vtis o povojni generaciji kot celoti. Ti ljudje so močni, neodvisni in obupani, da bi se izkazali v strahu zaradi večkratnega oskrunjenja vrednot svojega naroda. Najde nišo pripovedovanja zgodb, ki rikošetira skozi družbeni in politični kontekst - in predstavlja široke prve korake novega vala. Ko se bo ta seznam nadaljeval, bomo videli, da se je dolgoživo gibanje za vedno podalo navznoter - bodisi očarano ali prestrašeno in pri tem našlo pripoved ne o narodih - ampak o spolnosti, perverziji, nasilju, pohlepu, nadnaravnosti in psihozi. Druga svetovna vojna se morda še skriva v teh zgodbah - vendar se mi zdi zanimivo, če se je lotevamo tako odkrito kot Noro sadje did je bil na koncu bolj osredotočen kot eksplozija teme.

94. Življenje Oharuja (1952)

Naš prvi film Kenjija Mizoguchija, Življenje Oharuja dokazuje klasično ganljivo študijo značajev, v kateri njen protagonist odraža položaj žensk na povojni Japonski, kar je Mizoguchi v svoji karieri čudovito počel. Obsežen, zapleten dramski komad, ki čas porabi za poudarjanje stiske, ki hitro postane njegov poudarek, Mizoguchi ustvari eno svojih najboljših del izključno za način, kako se humanistično spone in zlomi skupaj z Oharu, režiserko, ki jo gnajo stiske. Prav ta odnos krvavi naravnost skozi zaslon, ki filmu omogoča, da svojo dramatičnost povzdigne nad verodostojnost.

93. Sanje (1990)

Odpisan zadnji del lastne podzavesti, Akire Kurosawe Sanje je slikarski prikaz notranjosti misli enega človeka: ohlapno primerljiv z Pastoralno razen pomanjkanja občutka novega vala v korist bolj izmerjenega, umirjenega raziskovanja nočnih potepanj Kurosawe. Nastala zbirka vinjet razkriva nekaj surovega in edinstvenega o načinu filtriranja življenja skozi lečo naše podzavesti - in v tem je morda najbolj iskren film, ki ga je Akira Kurosawa kdajkoli posnela. Luciden, ljubek majhen dragulj.

92. Pogrebna parada vrtnic (1969)

Široko odprto stališče režiserja Toshija Matsumota o Ojdipu Reksu (morda najboljši kino, ki ga ponuja), Pogrebna parada vrtnic zaznamuje ključno prelomnico za alternativno spolnost in spolno zahtevne podobe v japonski kinematografiji - in se trži brez meja, ki so danes spremenile gibanje. To je tako praznovanje kot kritika človeškega izražanja, razumevanje zmede, s katero se spopadajo njeni liki, pa tudi sprejemanje lastnih odločitev s ponižnostjo in veseljem. To kritično domnevanje konflikta je tisto, kar določa Pogrebna parada vrtnic In čeprav mislim, da to ni kronski dosežek dragoceno preminulega Matsumota, vendar se lahko danes vsi tako naučimo, kako je zagovarjal svoje subjekte na tako pošteno napačen način.

91. Paprika (2008)

Film Satoshi Kon iz leta 2008 je pogosto v primerjavi s Chrisom Nolanom Uvod - oboje temelji na konceptih sanjske invazije in prisile. Mislim, da je ključna razlika, zaradi katere se oboževalci razdelijo čez barikado, v tem, da ima Nolanov poskus večjo čustveno resonanco in osredotočenost značaja - vendar se vse to zaplete v dolgočasno strukturo. Kon piše 85 minut in vsak kader napolni z opojnim zaletom energije in barvnim premoščanjem med plastmi s tako svobodo in prožnostjo pri pripovedovanju zgodb, da Nolanovo gostejše delo preprosto ne more slediti. Na koncu sta oba trdna primera obrti in iznajdljivosti - toda glede tega, kar bi raje oblekel na koncu težkega dne, tekmovanja ni. In odkriti široko paleto ustvarjalnih moči Paprika ima v svojem arzenalu, kar je zgolj zabaven okus začetka - treba je le prijeti blu ray in zadeti igro.

90. Ekstaza angelov (1972)

Kot gibanje v celotni panogi čutim, da se prevladujoče točke japonskega novega vala vrtijo na podlagi seksa in nasilja. Oba sta bistvena za življenje in umetnost - elementi, ki še naprej prekrivajo kinematografske produkcije po vsem svetu -, vendar se mi zdi, da se jih le malo filmov ukvarja angažirano. Ekstaza angelov razume svojo vulgarnost. Nadaljnje ukvarjanje režiserja Kōjija Wakamatsuja s tako ekstremno tematiko mu je omogočilo, da izpopolni upodobitve brutalno nasilnih osebnosti - rezultat tega pa je noro raziskovanje Sida in Nancy v anarhični izgubi samega sebe, pa tudi grenak odmev romantike mešalnik. Ne glede na vaš pogled na koncu je divja vožnja.

89. Okrasna lasnica (1941)

Med vsemi predvojnimi umetniki, ki jim čas odvzame spomin, je Hiroshi Shimizu morda glavni med tistimi, ki resno potrebujejo ponovno odkritje. Kljub izdatni izdaji Eclipse, ki jo je izdala zbirka Criterion (bolečina, ki bi jo lahko prijeli in igrali kjer koli zunaj Amerike), se zdi, da je med najpomembnejšimi režiserji tega obdobja slabo omenjen in popolnoma držim prepričanja, da bi ga morali podpirati med najboljšimi med njimi. Okrasna lasnica je bil izpuščen, ko je Japonska Ameriko vlekla v drugo svetovno vojno, kljub temu pa je upeta z upanjem in preprostostjo, ki se nadaljuje v bolj civilizirano dobo - ali vsaj govori o pacifizmu, ki ga je Shimizu lahko živel iz dneva v dan - ignorira konflikt meni, da je takrat barbarska in kljubuje zunanji podobi Japonske. Ne da bi ta opis zametili v preveč politiki, Okrasna lasnica leži med najboljšimi lastnostmi, ki jih je ustvaril Shimizu, in prav njegov trajni minimalizem zagotavlja njegovo lepo podcenjeno resonanco.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Ne dvomim, da so me srečali z razširjenim vitriolom, ker so tako splošno občudovano klasiko postavili tako nizko - toda treba je reči, da med neštetimi tisoči Ugetsu Monogatari se še vedno uvršča med 100 najboljših japonskih filmov, ki so jih kdajkoli posneli. Do Mizoguchijevega mojstrskega dela imam izrazito nenaklonjenost: dolgotrajna rana občasno preveč preproste smeri, ki pogosto uniči njegovo tako pogosto popolno umetnost in uniči vse njene prejšnje učinke. Kot rečeno, lagal bi, če ne omenjam, kako zanimiv je bil ta film zame, ko sem bil mlajši, in kljub razočarajočim nizom ponovnih ogledov v zadnjem času, čarobnim trenutkom, ko se vse postavi na svoje mesto in Mizoguchi čudežno sestavljen, kinematografsko navdušujoče in navsezadnje se mi je človeška privlačnost prikradla nazaj v žile. Ugetsu Monogatari se delno zdrsne na seznam, ker je to temeljno delo, kar je sramota, ker se ponašam s tem, da dam osebno prednost pred statusom: bistvo pa je v tem, da ga želim imeti rad. Nekega dne se bo naklonjenost lahko ponovno pojavila in Mizoguchijeva mojstrovina se bo dvignila še višje. Čas bo povedal.

87. Pekel prve ljubezni (1968)

Vzporednice v zasnovi sledimo naravnost nazaj na take Brez dihanja in meditativno druženje Erica Rohemerja v Moja noč pri Maud iz trenutne Nouvelle Vague, Pekel prve ljubezni je tiho, lepo navdušujoče opazovanje para, ki naredi prve skupne korake, in vabljiv, strasten, mračen, hladen, pogosto prazen zrak, ki visi okoli njih, ko poskušata izkoristiti povezavo, ki jo naslov filma tako drzno obljublja občinstvu. Gre za umetniško delo z nizkim vzdrževanjem, ki pacientove gledalce nagrajuje z ganljivo človeško interakcijo.

86. Zdravilo (1997)

Urejanje v Zdravi je smrtonosna. Napreduje do točke, v kateri želite pogledati stran, Kurosawa občinstvo napolni z implicitnim razumevanjem neusmiljenosti svojega filma na način, kako naravno, kot dihanje, prebija skozi domačo rutino in v krvi razpršena trupla; in prav zaradi tega izjemno hladnega, skoraj psihotičnega sprejemanja smrti v življenju se sprašujem o njenem vodilnem častniku Takabeju in kako peklenski so razmere glede nasilja na Japonskem, ki smo se tako navadili na brutalne poboje. Medtem ko se premika s počasnim plazenjem, ki začne spodkopavati zadihano napetost, je Kiyoshi Kurosawa lahko vdihnil kos, Zdravi je še vedno več kot vreden dodatek njegovemu močnemu kinematografskemu kanonu.

85. Slab spanec (1960)

Najšibkejša priredba Shakespeara Akire Kurosawe ostaja eden njegovih najmočnejših filmov, ki ohlapno spremlja zgodbo o Hamletu z očmi korporacijske kritike. BSW kljub tangencialni različici deluje kot šibka izvedba spoštovane igre, katere dialog obremenjene sestave ne zajema širine in teže Shakespearove drame, čeprav goji edinstven kurosavski slog pripovedovanja zgodb, ki doda dodatno dimenzijo izvorno gradivo in ustvari čudovito prepričljiv pripovedni utrip. V celoti bolj sodoben in napet kot njegov navdih, Bad Bad Sleep Well je treba videti za ljubitelje Kurosawe, ki hrepenijo po spretnosti in prefinjenosti njegovih sodobnih prizadevanj.

84. Tetsuo: Železni mož (1989)

Reševanje Tetsuo s šibkim želodcem je kot vzeti kroglo brez jopiča. Zmešani skupaj z neredom ostankov rekvizitov, nerednimi kompleti in bolečimi posebnimi učinki - obstaja živahnost Tetsuo: The Iron Man's iskanje neprijetnega, zaradi česar je občudovanja vreden. Spoštujem poceni, s katero so se skušali spoprijeti njeni ustvarjalci, da bi dosegli čim bolj zastrašujočo izkušnjo: šokantno s svojo razbijajočo mešanico zvokov in mračnimi enobarvnimi vizualnimi predstavami, ki tisto, kar vemo, vržejo na področje enigme. Črno-bela barva celo najbolj prepoznavne predmete, ki sestavljajo Tetsuo svet kot grozljivi bastijoni neznanega, ki se plazijo pod razpokami in se zataknejo za nas, da bi začeli metamorfozo mutacije, tako nasilne kot neizogibno mučne. To je delo, ki presega zaskrbljenost zaradi občutljive občutljivosti občinstva - in prav to bi morala biti dobra telesna groza. Tetsuo: Železni mož je nedvomno ena najboljših.

83. Črni dež (1989)

Nenavadno časovno zasnovan film, ki obravnava sovpadanje z lastno razpravo Isaa Takahate o človeški cestnini jedrskih bomb, padlih v vrhuncu 2. svetovne vojne, in obravnava podobne teme, Črnega dežja manjvrednost od čudovitega Grob kresnic nikakor ne pomeni, da je ne gre zanemarjati. Če sploh kaj, bi se morale leteti tu tudi legije občudovalcev, ki se upravičeno zbirajo okoli Takahatinega dela. Shochei Imamura je prvi film na tem seznamu, Črni dež globoko tragično, skrbno osebno pogleda na težo jedrske eksplozije: spopadanje s krivdo preživetja, odpornostjo, žalostjo, izgubo in sprejemanjem dogodka ter njegovih grobih posledic v taktiziranem naravnost, značilnem za Imamuro, je to po svoje prav tako presenetljivo in takojšnje kot Hirošima, ljubezen moja sanjska lucidnost.

82. Človeštvo in papirnati baloni (1937)

Formalistična klasika v isti sferi kot častitljivi del Kenjija Mizoguchija, le da se tukaj enako spoštovani režiser Sadao Yamanaka drži ponižnosti, iz katere se lahko naučijo vsi, ki nameravajo vstopiti v svet kinematografije. Njegova druga znana slika, Pot milijona Ryo , je primerljivo umirjena, trezno sestavljena in strokovno dramatizirana pravljica - čeprav mislim, da rob prihaja domov Človeštvo in papirnati baloni ker uspe širše izraziti bistvo vsakdanjega življenja. Udobje njegovega igrivo ambicioznega naslova odmeva v vsakem kadru in čeprav to ni poteza, ki se mi je zdela močno prepričljiva ali celo potrpežljivo ganljiva - tukaj je nekaj, kar zahteva uro.

81. Tišina (1971)

Prirejeno po istem romanu, ki se ga je nedavno lotil Martin Scorsese, Masahiro Shinoda Tišina služi kot fascinanten žaromet za razlike med zahodnim in vzhodnim kinematografskim slogom. Navzven stoični, ostri ton Scorseseja se zloži v prid veliko bolj ponižnemu pogledu pod Šinodino študentovo roko, kar omogoča kanček obžalovanja in sentimentalnosti v sicer izjemno naravoslovnem, oropanem prevzemu knjige. Prizor, ki poudarja Shinodino moč v razvijanju posvetnega vzdušja za njegovo versko zgodbo brez potrebe po manipulacijah, je v obliki starke, ki poje v sobo, polno ljudi: komaj izgovorjena beseda odzvanja z zgodbo, prav tako ni nadaljnja karakterizacija je posredovala - in vendar preostali del filma navda z neizogibno vitalnostjo, ki se tako vznemirljivo upogiba pod težo tesnobe in obupa, s katero se soočajo duhovniki in njihovi učenci. Podcenjena in privlačna je ponižnost vsak dan na vrhu legendarnega italijansko-ameriškega režiserjevega dela.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Takoj si otežite stvari, Pojdi Pojdi drugič Virgin zadene 65-minutno izvajanje z enim od številnih neprijetnih prizorov posilstva. Oblikovanje pripovedi iz naključnega odnosa prizadetega dekleta z enako mladostnim, motenim ubijalcem, ki je od daleč gledal kratek, a nujen opus režiserja Kōjija Wakamatsuja, se opredeli tako, da na seznanitev nikoli ne pritrdi pripovedne konvencije. Prepuščen sam sebi, razkritjem in pogovorom, flik presenetljivo uporablja svoj prenizko porabljen proračun s pogosto učinkovito kompozicijo v obliki japonskega novega vala, pa tudi konfrontacijski prikaz spolnega nasilja, ki je veliko bolj privlačen, gost in predrzen kot Nagisa Zloglasna umetniška napaka Oshime iz leta 1976 (in to je velikodušno) Na področju čutov .

79. Grešniki pekla (1960)

Zaznamuje ga manj kot intuitiven scenarij in nejasna ploskev, Grešniki pekla še vedno uspe izločiti svoje mesto na tem seznamu zaradi svojega izjemnega nadzora nad umetnostjo. Vsak kader je prepojen z mokro osvetlitvijo in obarvan z mračno barvno paleto, ki jo občasno lomijo prebodljivi rdeči kolki, ki služijo kot nežen opomin na prihodnjo agonijo. Vidiš, Jigoku je čakalna igra: film, ki svoj čas postavi v monotoni resnični svet, preden se potopi v pekel. Odlična uvodna scena občinstvu da duh krvi, ki se začasno muči v vsaki drugi sceni, dokler nam končno ni dovoljeno izkusiti Tartarja zase: kavalkada osupljivih nastavitev, veličastnih barv, pretiranih dodatkov in pristne panike, saj imajo junaki čas, da razmišljati o posledicah svojih dejanj. Torej, medtem ko je dolgočasno, nas izplačilo nagradi z gledanjem nalogov Grešniki pekla vsaj enkrat - za kino se v kinematografiji ujema z njeno notranjo konfliktno, srhljivo brez življenja vizijo podzemlja.

78. Štiriindvajset oči (1954)

Po matriarhalnem položaju mlade ženske na čelu razreda šolarjev in njegovih posledicah na sosednjo družbo je Štiriindvajset oči feministično besedilo, ki nima transcendentalne nevtralnosti spola nečesa tako mojstrskega, kot je Jeanne Dielman, vendar ohranja svoje mesto kot pomembno delo za močno osrednjo predstavo Hideka Takamineja in pripovedne skladbe po Thiassos-esque, ki traja od 1928 do 1946 v široki študiji notranje politike in napredovanja zaznavanja skozi leta od miru do vojne.

77. G. Thankyou (1936)

Taktna meditacija Hiroshija Shimizuja o naši interakciji, G. Hvala spremlja skupino ljudi na avtobusu in raziskuje vse čustvene lastnosti na enourni poti do cilja (na srečo se oddalji od vožnje z avtobusom, ki bi se nekoliko kasneje na tem seznamu končala veliko manj gladko). To je očarljiv portret poezije v vsakdanjem življenju, ki se dvigne nad toliko bolj površno ambicioznimi filmi na tem seznamu zaradi svoje sposobnosti, da sedi in govori nekaj več kot 60 minut, ne da bi manjkal. Majhen majhen zaklad.

76. Ulica sramu (1956)

Trepetanje na robu opusa, Kenjija Mizoguchija Ulica sramu je ena izmed velikih labodjih pesmi - tista, ki črpa iz vseh dosedanjih kinematografskih izkušenj v svoji karieri in jo sestavi v pravočasno, značilno previdno in izjemno človeško delo. Mizoguchi v mraku zakonitosti prostitucije, ki živi na mraku zakonitosti prostitucije na Japonskem, zgradi čudovito ganljivo tapiserijo konfliktov in navidezne 'amoralnosti' glede na njen resnični obraz, ki prežema zaznavanje in nam omogoča, da vidimo pretekle predsodke. Dandanes se občinstvo pogosto veseli naravnost protihjunaških ali kaznivo nerazumnih likov, zahvaljujoč bleščečim bleščicam GoodFellas in drugi levji, pogosto veselo sadistični prikazi moralno neutemeljenih likov. Leta 1956, zlasti med pravno tranzicijo - takega filma gotovo ni bilo slišati. Ženske iz Ulica sramu samo poskušajo živeti - in prav zaradi tega je njihovo breme še bolj srhljivo.

75. Plavajoči plevel (1959)

Upravičeno velja za največje Ozujeve umetniške dosežke iz leta 1959 Plavajoči plevel spremlja potujočo skupino nastopajočih in družinske probleme, s katerimi se srečujejo med potovanji - zlasti združitev prej ločenih strank, ki grozi, da bo donosna gledališka družba opustila. Je enako močan kot najboljši Ozuovi filmi, vendar se tu spopadam z mero pripovedovanja zgodb, zlasti z strukturo. V primerjavi z nekaterimi poznejšimi Ozujevimi filmi, ki jih bomo srečali tukaj, jim ne more držati sveče - a vsaj merilo, kako spreten umetnik je bil, da Plavajoči plevel še vedno uspe prebiti top 75 v svetlobno tihi, kontemplativni obliki. Še vedno semensko.

74. Pastorala: umreti na deželi (1974)

Shūji Terayama Pastoralno je vzvišena vaja čudnosti. Naivno bi bilo, če bi kdo to posebno vejo bizarnega 'nadrealnega' sinhroniziral, ker Pastoralno je veliko manj subtilen od tega: njegovo kratko trajanje je polno absurdistične komedije in fantastičnih podob, ki se spominjajo na spomin, ki ga je režiser doživel v svoji prihodnosti. Nerazumljivo takšen navdih je malo v ozadju njegovega zapleta in idej - čeprav, kot pri njegovem prejšnjem delu, Terayamina ohlapnost zapleta nikakor ne zmanjša izkušenj, ki jih poskuša zagotoviti - in če njegov magnum opus poskuša izraziti jeza in strast nezadovoljne mladosti, potem je to njegovo bolj osebno nadaljevanje: raziskovanje navdušujočega uma, čudovito fotografiranega in toplo realiziranega. Film je enostavno narediti čudnega, toda za poudarjanje vpliva je vizualna virtuoznost z osebnostjo, tehniko in režiserskimi sposobnostmi nekaj, kar človek tu doseže. Res je nekaj videti.

73. Popolna modra (1998)

Določilni krik nadarjenosti animatorja Satoshi Kon, Popolna modra najde telesnost v notranjem boju upokojenega pop idola, ki poskuša dojeti svojo novo identiteto - vso zavito v nenehno spreminjajoči se potisk sodobnega sveta. Konina vizualna občutljivost vodi tako do vrhunskih kot tako žalostnih filmskih trenutkov - toda mislim, da je opojna pripovedna zasnova Popolna modra najde v neusmiljenosti, s katero se njen protagonist muči in jo pri tem muči, potisne mimo kakršnih koli režiserskih kolcanja. Gre za metafizični komad, ki si dovoli uresničiti grozo - ki premika meje tradicionalnih animiranih potez za nekaj povsem bolj temnega in motečega zaradi svoje hrabrosti. Kon se kljub sebi ne upira resničnosti v upodobitvi duševne degradacije - in to je tisto, kar zasidra sicer zastarele dileme Popolna modra do tega dne. Fascinanten, pogosto zmeden eksperiment animacije.

72. Temna voda (2002)

Neposreden razvoj grozljivega Prstan , Hideo Nakata Temna voda predstavlja režiserjevo drugo in morda edino drugo uspešnico - in takšno, ki uspe svoj slog še bolj približati. Prikrajšan je za zrelost, ki se uide številnim J-Horrorsom, podkrepi moč svoje drame s prebrisano pozornostjo do drže in natančnosti, ki je manjši umetniki popolnoma ne bi mogli dojeti. Pulsirajoče zasledovanje nekega nevidnega cilja odmeva skozi vsako sceno in modno neizogibnost spremeni v orožje ne samo strahu, temveč tudi prisile.

71. Yûkoko: obred ljubezni in smrti (1966)

Yûkoko: obred ljubezni in smrti je razvpita iz nekaj razlogov, in sicer zato, ker je njen direktor Yuiko Mishima po neuspelem vojaškem puču tudi seppuku storil samomor. Moški je bil osnova najboljšega filma Paula Schraderja, Življenje v štirih poglavjih in se tukaj osredotoča na očitno fascinantno temo, pri čemer uporablja Nohovo uprizoritev in močno kompozicijo za izpovedovanje svojega besednega sporočila. Posebni učinki, ki povzročajo škripanje, so za svoj čas izjemno impresivni, simulirajo dejanje Harakirija do presenetljivega učinka in poskrbijo za popolna ločila v domišljiji Mishime. Brez predaje.

70. Akira (1988)

Svetleč, neonsko okrašen mejnik japonske animacije in njene infiltracije na mednarodno središče, Akira označuje revolucionarno točko iz animeja in še danes navdušuje s svojimi bleščečimi barvami, prikupnim futurizmom in amorfno, gnusno preobrazbo naslovnega junaka. Čeprav je struktura zgodbe natrpana s stranskimi opombami in ne more najti jasne smeri, v katero bi lahko uspevala, se popping realizacija Akira's akcija in bolj impresivni podvigi animacije so tisto, zaradi česar je tako vpliven in agresivno privlačen - žareči zaslone z izrazito oblikovanimi vinjetami in presegajo ohlapno neumnost svojega napredovanja za nekaj resnično spektakularnega. Je hudoben, dinamičen in prisrčen - vredna klasika in začetek čudovite dobe produkcije visokokakovostne animacije.

69. Sodnik izvršitelj (Sansho) (1954)

Na tej točki moram priznati: delo Kenjija Mizoguchija mi ni bilo nikoli všeč. Kljub temu, da sem se večkrat poskušal prebiti skozi njegove slike, se še nikoli ni nič zataknilo. Malo o njegovem delu me ukvarja in to, kar je na pisani ravni, se spusti v otopelost, ko ga tako presadimo na zaslon. Brez dvoma je v človekovem delu mogoče najti čudež, vendar me še vedno ponazarja. Vse to v mislih sem vsaj malo našel tolažbo v svojem ponovnem opazovanju Sodnik izvršitelj za ta seznam - film, ki me je prej razočaral zaradi svojih odpadkov tako močnega materiala. Ta poskus se je razcvetel v novo znanost Mizoguchijevega ikonoklastičnega pristopa, ki se v svojem prejšnjem delu počuti prazno. Popoln je s prizori, ki močno vplivajo, in čeprav se mi zdi, da je film približno 20 minut predolg - in bi se lahko v bolj jedrnato premikajočem se prostoru povzpel na področje mojstrstva - na tem seznamu je vsaj ustvaril podlago za legendarnega umetnika. Morda bi čez leta tukaj Mizoguchijevo delo postavljal višje - lahko le upamo.

68. Onibaba (1964)

Naš prvi film Kaneta Shinda, Onibaba vrti zgodbo o nezaupanju in zavajanju - dve tatovi ženski, ki ju je vplivala obsedena maska ​​in kmalu poišče svojo agendo. Vzdušje paranoje, ki se Shindo razvija skozi njegovo skrbno uprizoritev in razburljivo zgodbo, je enako uspehu filma - spajanje novih likov in dogodkov, da se občinstvo poveča treme in občutek njegovih glavnih igralcev, da spodbudi edinstveno vzporedno čustveno povezavo. Ampak mislim, da predvsem to, Onibaba's trajni status klasike japonske grozljive kinematografije izvira iz enega posnetka: ena sama slika, ki v svojo paralizirajočo tišino vloži toliko visceralne energije, da sem se nad njo fizično osupnila - odsvetovala sem se, da bi se vrnila v Onibaba v strahu pred srečanjem iste grozljive prisotnosti. Ob tem, popolnoma strašljivem naboru okvirjev, preostali del filma skoraj bledi v primerjavi: Toda če bi ga popolnoma popustili, bi zgrešili smisel tako nadzorovanega kopičenja in njegovega senzacionalno obdelanega vrhunca.

67. Sonatine (1993)

Pri delu Takeshija Kitana je vedno navdušujoč način, kako daje lahkotnost tudi najbolj napornim scenarijem. Skoraj pogrešani Ognjemet in Nasilni policaj oba na nek način delita svoje mesto na seznamu z njegovim opusom, Sonatine in vsi govorijo o njegovi priljubljenosti na domačem Japonskem kot filmskega komika in o tem, kako se te korenine prefinjeno pretakajo v njegovo kinematografsko ponudbo. Vsak okvir, ki ga naseli, se sveti - kljub svoji kompoziciji temnih in pogosto brutalnih zgodb. Tako spretno igranje z našim dojemanjem človeške morale in všečnosti je tisto, zaradi česar je Kitano tako fascinantna figura, kot se je pojavila v japonski kinematografiji v zadnjih nekaj desetletjih - in dokazuje, kot je tako spretno povedal Rodger Ebert, potem ko sem videl Sonatine , da študijem hudih kaznivih dejanj ni treba žrtvovati globine za angažiranost a-la Tarantina s svojimi površnimi monologi in 'karakterizacijo' ustnika. Kitano zmore oboje.

66. Demoni (1971)

Vodni žig New Wave Toshio Matsumoto je dve leti prej osupnil s svojo izvrstno Pogrebna parada vrtnic in demoni 71 ohranjajo svoj senzorični zagon z močno posneto nočno pokrajino, ki vsako sliko potopi v popolno temo - samo mesta in igralci, osvetljeni v nočni mraku. Drugi režiserji so eksperimentirali s to tehniko, morda najzgodnejši primer z zaslišanjem Louisa Malla v Elevatoru za vislice - a le redki so ga potisnili k tako invazivnim učinkom - vsak posnetek je bil navdušen nad velikim strahom in, kar je ključno, obupom. Ne glede na to, kako blizu so njegovi protagonisti, da pobegnejo svojim nadnaravnim napadalcem - nič ni nikoli varno. To je očitno zgledna eksistencialna groza.

65. Še vedno hodim (2008)

Mislim, da lahko visoka senca Yasujira Ozuja meče precejšnjo senco na katerega koli dramatičnega filmskega ustvarjalca in zelo cenjeni Hirokazu Koreeda je morda glavni med prizadetimi. Človek se poskuša izogniti primerjanju tako, da svoje delo primerja z delom Kena Loacha, bolj kot japonska legenda, vendar je takšna podobnost neizogibna in poudarja več pomanjkljivosti Koreedine metode. Ozu vas povabi, da sedite z njegovimi junaki in postopoma razkrije bistvo zgodbe, medtem ko Koreeda posname fotoaparat v isti prostor kot drama in samo tiho opazuje. Njegov slog je veliko manj neposreden, nekoliko spominja na tehniko tajvanskega mojstra Hsiao-Hsiena Houja, a še vedno bolj odmaknjen.

Vse to v mislih pa Koreedina zavrnitev vdiranja vendarle vodi do nekaj močno intimnih trenutkov pozneje po črti - kjer začne cveteti, ko nam liki omogočajo, da premostimo šest stopenj ločenosti med njihovim in našim svetom. Nekaj ​​tako preprostega, kot je človek, ki se približuje klavirju, izjemna neenakost v fokusu, ki poudarja pomen scene, dela čudeže in občinstvu da drobne, vznemirljive vpoglede v misli njegovih likov. Vsekakor Še vedno hodim je bastion upanja, ki ustvarjalce sodobne Japonske spodbuja, da padejo v okrilje družinske drame in si prizadevajo, da bi jo preželi z enako prisilo in učinkom, kot so jo umetniki, kot sta Ozu in Naruse, storili pred vsemi leti. Z režiserji, kot je Sion Sono na sceni, je darilo, da so ljudje, kot je Hirokazu Koreeda, še vedno na obali nad semenskim podplatom in nam na svojem portretu primestnega življenja dajo nekaj tako tihega in očarljivega.

64. Izpovedi med igralkami (1971)

Brutalno iskren, značilno odprt film, ki se ne razlikuje od neusmiljene inkvizicije Zimska luč - Yoshishige Yoshida's Izpovedi med igralkami sledi travmam, zaradi katerih so se tri ženske zavezale svoji obrti - prvi barvni film režiserja in, fascinantno: Tisti, ki v tej novi, rdeči barvi bogastva odstrani veliko njegovega ekstremnega fotoaparata za siroto, golo iskanje resnice in njegov učinek na te ljudi. Razodetje je po svoje oblika zdravljenja - in Kiju Yoshida Izpovedi med igralkami deluje čudovito kot razprava o tej ideji.

63. Balada o Narayami (1984)

Balada o Narayami predstavlja morda najslavnejši film Shoheija Imamure, sam po sebi predelava enako spoštovane klasike. Kaj loči Imamurov košček je njegov taktilni pristop k človeškemu dejanju, ki je očaran nad mračnimi odzivi in ​​mutiranimi psihami, ki močno motijo ​​moški ali žensko. Njegovi prejšnji filmi so takšne teme obravnavali veliko bolje, vendar menim, da to ne izključuje Balada o Narayami od visokega med njimi. Njegova znana ljudska pravljica prav tako natančno preučuje človeško vedenje, čeprav ji primanjkuje obolevnosti, zaradi katere je njegovo delo ugriznilo v šestdeseta leta - Shohei Imamura še vedno prinaša zadovoljivo sočutno, resnično umetniško delo.

62. Mandara (1971)

Mandara je po svoje eden najbolj filmsko fascinantnih filmov zgodnjih sedemdesetih. Izzivalna, a splošno koristna v temi, fotografiji in osupljivem razpoloženju, ki ga ustvarja - to je nenavadno čudno delo, ki bi se lahko uvrstilo v zgornji sloj tega seznama, če bi se imel čas, da bi se poglobil v njegov bogato bizarni svet. Dovolj je bilo reči: Ta malo videni dragulj New Wave je nujno potreben.

61. Zgodba o princesi Kaguji (2012)

Častitljivi Isao Takahata iz leta 2012 se je vrnil v formo po osupljivem letu 1988 Grob kresnic , Zgodba o princesi Kaguji je čudovito. Družinska pripovedka, primerna za katero koli starost, njen 'popolnoma čudovit slog animacije se vrača k klasičnim dizajnom, pobarvanim v belo odejo - idealen za nazaj, ki od takrat navdihuje lastnosti v več medijih. Dalekosežen estetski vlek Kaguya zgodba sicer ne zasenči - toda njena svetlobna kinematografska prisila je še vedno neizogibno opojna od začetka do konca in zahteva pozornost vseh ljubiteljev animacije.

60. Vaše ime (2016)

Najnovejši film na tem seznamu, lanski Tvoje ime je razodetje. Popularna kinematografija v Ameriki je pogosto lahko tako brez življenja in cinična, tudi njeno indie sceno začenja privlačiti slava bolj kot umetniške zasluge (da ne diskreditiramo očitnih izjem pri tem naraščajočem opazovanju). Vse to rečem, ker je ob preučevanju sodobnih japonskih izdaj tega seznama navdušujoče, da je film tako čudovit Tvoje ime biti tako uspešen v mainstreamu, kot je bil. Japonska je bila od takrat preplavljena in obdarjena z množico animiranih funkcij Akira leta 1988 in medtem ko surovi neredko preplavijo diamanti pod seboj, se je tako močan film prebil z lahkoto. Brez uvoda ali komentarja samo poglejte Tvoje ime . To je nekaj s srcem in iskrenimi nameni, od česar bi se lahko danes vsi naučili.

59. Nausicaä iz doline vetra (1984)

Nausicaä iz doline vetra je zgodnji bastion animacijskega titana Haya Miyazakija, vzvišene veščine umetnika. Pripovedovanje zgodb je izvrstno - gradi nekakšno mračno apokaliptično prihodnost, kot da bi bil v našem lastnem svetu s svobodo usmerjanja in čudovitim uresničevanjem edinstvene flore in favne v deželi - vse naseljeno z raznoliko zasedbo osamljenih duš, ki izražajo plazeče prepoznavanje svojih nezaželenih svet čudovito. Prvo izmed mnogih resnično prisrčnih, izvirnih in slastno navdihnjenih Miyazakijevih del.

58. Ali bomo plesali? (1996)

Mislim, kaj ločuje Bova plesala? kako resno je od katerega koli drugega filma, ki potrjuje življenje. Traktat Akire Kurosawe o izpolnitvi (ali grozljivem pomanjkanju le-te) v Ikiru je oster kontrast tukaj neškodljivemu šarmu, ki naravno kali in se nam vdre v srce, namesto da bi se prebil skozi cinično usmerjene točke. To je čudovit film - film, ki mu je bil podarjen tako visok položaj, kako vesela je njegova zgodba in kako udoben je režiser Yoshikazu Suo s svojim izdelkom. V veselje.

57. Akitsu Springs (1962)

Velik preboj Kiju Yoshida, Akitsu Springs predstavlja zori nekaj posebnega na področju japonskega novega vala. Že leta 1962 je Yoshida lahko pripravil psihoseksualno žarišče številnih takratnih japonskih filmov na glavo in z brezhibno natančnostjo zataknil njegove notranje globine - fascinacija, ki bi jo sčasoma še ostril. Niz podobno fantastičnih nadaljevanj ga je utrdilo kot ključnega člana gibanja, toda zame je Akitsu Springs ki je najmočnejši kot lastnik njegovega filmskega genija.

56. Žena se izpove (1961)

Naš prvi film iz ljubezni plodnega Yasuza Masumure iz leta 1961 Žena se izpove je kronski dosežek zgodnjega japonskega novega vala. Po ženski, ki je obtožena domnevno nenamerne smrti njenega moža, zajame valove agresije, cinizma in preusmeritve, značilne za temnejšo stran japonske kinematografije v tistem času - razen brez njenega pogosto krvavega, surovega nasilja. Tukaj imamo nasilje nad mislimi skozi glasove, bodeče z bridkostjo, ki jih opazujejo oči, ki varajo za nekakšnim revnim primerom, zaprtim v življenju, da bi primerjali svojo lastno bedo. To je zakrita obolevnost za Žena se izpove kar daje močan utrip njenemu družbenemu ugrizu.

55. Globoke želje bogov (1968)

Najdaljši film Shoheija Imamure, Globoke želje bogov je morda tudi film, ki najbolj natančno ponazarja njegov slog. Po napeti dinamiki osamljene kolonije in naraščajoči romantiki, ki zacveti v njeni sledi, imamurina nekoliko odmaknjena smer in prežemajoč sijaj skoraj novinarske integritete omogoča fascinanten dokument o domačem življenju, ljubezni in tem, kako nas neločljivo privlačijo lastne želje - naj bo to z zavestno deljenim prvinskim nagonom ali kakšnim nematerialnim vsadkom, ki ga pošljemo naravnost od zgoraj. Na koncu je bilo glavno imamurino vprašanje zame težko obvladljivo: ali je lažje sprejeti, da so naši bogovi kruti ali da smo mi?

54. Človeške razmere 1. del: Brez večje ljubezni (1959)

Prva v epski trilogiji filmov, Človeško stanje 1. del: Brez večje ljubezni je film, ki bi ustvaril primere za nadaljnje nadaljevanje - seznam močnih in šibkih strani režiserja Masakaija Kobajašija bi se imel le čas, da bi se od njega naučil v preteklosti, nikoli pa ne bi razjasnil popolnega ravnovesja za svoj izjemno ambiciozen komad. Brez večje ljubezni vsebuje več nesmrtnih trenutkov, predvsem sceno usmrtitve, ki traja 10 minut in opazi vrelo jezo potlačenega Manchujevega mehurčka nad strahom, ki ga vse puške in bodeča žica navdihujejo za nekaj še posebej odmevnega do danes - pa tudi konec lok za več znakov. To je predolg, prenasičen in na koncu neučinkovit film & hellip; je pa tudi mojstrsko obvladan preizkus cestnine. Neuravnoteženo do skrajnosti, Človeško stanje Uvodno poglavje najde dovolj trdne podlage za oblikovanje filma, ki ni izjemen ali izjemen: toda še vedno več kot dovolj vreden, da se uvrsti med 60 najboljših.

53. Zavrzi svoje knjige, Rally na ulicah (1971)

Zavrzi svoje knjige, Rally na ulicah je hitenje krvi v glavo. Živahna, brezvoljna razporeditev nepovezanih vinjet, ki slika živo sliko japonske mladine, ki je odmaknjena od starih vrednot. Zavrnitev formalizma za nekaj povsem modernejšega, futurističnega - razreženega na koščke, pa vendar povsem udobnega v svoji nerazumljivosti. Ustvarjalna narava industrije se kaže v glavah mladih, kar ima za posledico presenetljive, privlačne in pogosto čudovite serijske prizore. Le redki filmi iz japonskega novega vala lahko prižgejo ta isti strogo uporniški ogenj.

52. Rdeči angel (1966)

Močno ploden mojster Yasuzo Masumura je ravno v šestdesetih letih delal na ogromnih 33 filmih, eden od vrhuncev njegovega napihnjenega opusa pa je vzvišeni Rdeči angel iz leta 1966. Rdeči angel, osredotočen na romantično angažirano mlado medicinsko sestro, ki jo potiskajo v vojskovanje, izjemno dobro razvija svoj naporen svet: začenši z legijami veteranov, ki so prepletene z brazgotinami in poprskane z lastno krvjo in znojem na operacijski mizi v umazanem zapuščenem kompleksu - vse preden so ga končno vrgli v lonček tega smrtonosnega konflikta. Opazen strah je znamenje Masumurinega razkošno impresionističnega roba - in ga označuje kot odločilni, žalostno zasenčeni glas nacionalne kinematografije v šestdesetih letih.

51. Človek brez zemljevida (1968)

Žalostno podcenjen vstop iz brezhibnega opusa Hiroshija Teshigahare, ki ga je vestno zasenčil njegov visoki opus od leta '62 do '66, 1968 Človek brez zemljevida vidi strog ikonoklastični režiserski prehod iz močne enobarvne v privlačno barvno fotografijo: pogled skozi razprostranjeni labirint industrijske Japonske z mračno, nekoliko dolgočasno paleto, ki tako bogato odmeva nenasičeno željo protagonista po odgovorih. Človek brez zemljevida teče v rekah dvoma in zmede, svojega detektiva pristane v globoki vodi za najmanjši vdor in mu le redko dopusti, da zadiha in prevzame ogromno vsega.

Teshigahara igrivo urbanizira mučno zasledovanje svojih protagonistov s svetom, ki na vsakem koraku zanika katarzo in z vražjo natančnostjo komentira neprestano negotovost sodobnega življenja. Opušča niansirano nadnaravnost in nadrealizem svojega prejšnjega dela za veliko bolj utemeljen del, ki je posledično morda celo bolj strašljiv kot sizifova agonija Ženska v sipinah ali Pitfall's nepomišljen, neobčutljiv napredek smrti. Človek brez zemljevida nas prizadene na domačem terenu, zato je tako zmeden - tako moteč - in zato ostaja tako pomemben del kina do danes.

50. Ženska žuželk (1963)

Naš četrti doslej častiti mojster Shohei Imamura, nekoliko bolj ugledna plat nevarneje pretiranega kovanca Nagise Oshime, Ženska žuželk je zgleden prikaz, zakaj je bila Imamurina vizija spolne politike vedno veliko bolj fascinantna kot vizija njegovega kontroverznega sodobnika. To je film razkošnega vizualnega nadzora: vzbuja njegove podobe s pomenom in težo, pa tudi z okusno estetsko močjo, ki v črno-beli barvi toliko pomeni - Žensko vsakdanje življenje obkroža zaliv črno-belega morja, ki se toliko spremeni v skrivnost, kot v Tetsuo: Železni mož . Njegova srhljivo predvidljiva otvoritvena scena, čeprav preprosta, šiva semena kletke Kafkan Tome (ki jo je lepo odigral zasluženo počaščeni Sachiko Hidari) je umeščena v in namiguje na pošastne posledice, ki jih je postavil hudobni naslov Imamure. Težko ga je gledati, niti najmanj mu pomagajo Imamurine težave s tempom - vendar ostaja resnično pomemben kino vseskozi.

49. Utrip (2001)

Kiyoshi Kurosawa je pod težo svojega znanega soimenjaka s fantastično vrsto zloveščih prizadevanj vztrajno udaril nad svoj razred, vendar nobeden ni povsem zasenčil velikega praznika leta 2001 Pritisnite . Obiljanje strahu in močna uporaba pravočasnih tehnoloških referenc, ne da bi se nanje zanašali do te mere, da starajo sliko, Pritisnite je nadvse strašljiv pogled na sodobno strašilo, ki veliko bolj učinkovito izkorišča znane obraze žganih pijač Yūrei kot številne bolj znane upodobitve bledoobraznih zalezovalcev.

48. Bitke brez časti ali človečnosti (1973 & hellip; 1975)

Večdelna zločinska antologija Kinjija Fukasakuja je Boter pospravljen na vsako drogo pod vzhajajočim soncem. Brez pogosto prevladujočega strukturalizma Coppolinega perfekcionističnega dela, Fukasaku nasilje posname kot jazz, ko skozi vladajočo družino spremlja skozi leta - pogosto se potaplja v neupravičene hiperstilizirane kote in ureja, da bi zagotovil neizbežen učinek svoje kinetične montaže. Čeprav mu primanjkuje zapletenega značaja, tematske ločljivosti ali celo osnovnega okusa, je v njem nekaj tako mehurja Bitke brez časti ali človečnosti da si ne morem pomagati, da ga ne bi imela rada. Vsak film prispeva k zadnjemu in skupaj predstavlja zenit za populistični kriminalni kino na Japonskem v 70-ih. Malo bi se lahko kdaj približalo.

47. Kwaidan (1964)

Kwaidan, značilno dobro oblikovana antologija Horrorja Masakaija Kobayashija, je vznemirljiv potop v skrivnost in zlobo ostarelih japonskih bajk, srednjeveških korenin raznovrstnih grozljivih prikazen in neizogibnih kletvic J-Horrorja. Neizprosnega pomanjkanja usmiljenja ali predaha, ki je vseprisotno na cvetoči japonski sceni groze, se dotakne roka mojstra tukaj, kar ima za posledico vizualno razkošen dragulj, ki mu uspe vdihniti zaskrbljujoče novo življenje v sicer zastarele zgodbe. Brez sence dvoma je najfinejša antologija grozljivk, ki so jo kdajkoli ustvarili: z nerazredčenim glasom izvrstnega filmskega ustvarjalca, ki se sliši glasno in jasno, da je J-Horror nekaj, česar se je treba bati. Desetletja kasneje smo še vedno ujeti v njegovo grozotno podobo.

46. ​​Tokio Drifter (1966)

Prekleti košček genija pop arta neverjetnega mavericka Seujina Suzukija, Tokio Drifter ugasne kot ognjemet in daje svojemu stilskemu robu več, kot lahko danes trdita celo Quentin Tarantino in Martin Scorsese. Ognjeni vpliv filma še posebej zaznamuje njihovo montažo in pristop k akciji, ki se ne razlikujeta od načina, kako je Goddard neizmerno pretiran Brez dihanja še naprej oblikuje način, kako režemo. Suzukijev del se v precej manjši meri zatakne v toliko okvirjev sodobne kriminalne kinematografije, vendar je močnejši primer sloga, ki reši vse potrebe po vsebini: njegova puška se odvija kot ognjemet z zappy neonskimi efekti, ki z vsako točo zasvetijo rdečo slavo streljanje. Izdelal mojster koreograf na vrhu svoje igre- Tokio Drifter je celulozna kinematografija v najboljši razburljivosti. Električna in še vedno velik sod zabave.

45. Grob kresnic (1988)

Na površju, inverzna bajkam univerzalnega občinstva Hayo Miyazaki, častitljiva ghiblijska ikona Isao Takahata Grob kresnic je ena izmed najbolj cenjenih animacij, ki so jih kdajkoli ustvarili - s čustveno težo, rojeno z mojstrsko uporabo medija. Primer: Grob kresnic ne bi bil tako splošno cenjen ali celo opazen, če bi se omenjene zgodbe lotil na področju realnosti. Takahatina leča pa je narisana. Njegove podobe so vbrizgane z eleganco in nedolžnostjo, kar kaže na otroštvo - tisto, ki odlično dopolnjuje stisko njegovih protagonistov. Medtem ko so nekateri prepričani, da naletijo na stikalo, nekaj filmov tako umetniško uporablja umetnost animacije, da elegantno poudari moč svojega sporočila. Izredno izrazito elegični vizualni predmeti Takahata, ki so hromno protivojni, se začnejo spopadati z nadvse žalostno postavitvijo zgodbe: pustiti, da bi dah cinizma pobegnil iz njegovega nepredušnega estetskega okrova, čeprav to nima velike posledice. Grob kresnic je strašljiva in pogosto lepa izkušnja vojne.

44. Trilogija o samurajih (1954-55-56)

Izjemno privlačna populistična serija režiserja Hiroshija Inagakija je mejnik v snemanju akcijsko-pustolovskih filmov in verjetno najlepša trilogija, ki krasi podžanr. Pod vodstvom kot vedno odlične predstave Toshira Mifuneja in z majhnimi utrinki zrelosti, predvsem na koncu prvega filma, so Inagakijeve razmeroma žaljive in zapletene pripovedi podprte s tako ostrim in vznemirljivim dojemanjem filmske akcije kot petdeseta leta ponuditi. Njegovo gibanje kamere je navdušujoče, igralce usmerja z ostrino in močjo, ki trilogiji pomaga pri premagovanju pripovedovanja suhih urokov z dodajanjem vznemirljivega sekvenčnega igranja. Z dramatičnega vidika ni nič posebnega, vendar se lahko pohvali z dovolj strasti do obrti in presenetljivo duševnostjo v svojih uspehih, da je upravičena tako visoka uvrstitev. Nujno gledanje za ljubitelje pustolovskega filma.

43. Burmanska harfa (1956)

Odmevni del Kon Ichikawa o japonskem vojaku, ki je zdrsnil v državo, ki jo je nekoč zasedel, in poskušal najti mir v bolečinah povojnega sveta, Burmanska harfa je razumljivo kritiziral svoje pogosto odkrito upodabljanje vojne: več plesnih vodov in lahkih gibanj zapletenih točk kot popoln, navdušujoč čas. Paradoksalno je, da mislim, kaj pomaga Burmanska harfa premagati ta vprašanja je srce za njimi. Kljub svojemu nadziranemu pripovedovanju zgodb Ichikawa skozi film prepleta čudovite posnetke, pri čemer vsako sceno prikaže na vsaj eni okvirni mizi, ki pa hkrati prispeva k statični sofomoričnosti njegove smeri in dejansko uspe prenesti razpoloženje - predvsem v zaporedju, kjer ga vodi smrt. vojake posekajo minometi in naš junak se prebudi sredi krvavega morja trupel: z navdihnjenimi streli, ki so bolj podobni osupljivo tesni sestavi Rembrandta kot katera koli običajna vojna zadeva. Njegova poenostavitev je v nekem smislu, a njena šibkost nikoli ne zasenči skupnega učinka, ki ga Ichikawa osvetli fotografija in trdna ponižnost.

42. Stran norosti (1926)

Najzgodnejši del na tem seznamu, Stran norosti je glavni del tihe japonske kinematografije zaradi odmevnega estetskega glasu: komad, ki je opozoril na norost in ščetinjo ustvarjalno iskro, ki še danes spodbuja najčudovitejša dela njihove industrije. Njegov portret azila nima odtenka ali globine nečesa podobnega Titucutske neumnosti ali celo človeštvo Let nad kukavičjim gnezdom v izmišljeni obliki - vendar je presežek tega mejnika iz leta 1926 razširjeno spoštovanje japonske predvojne kinematografije zunaj dramatičnih titanov, kot so Ozu, Mizoguchi, Yamanaka in Shimizu. To, kar imamo tukaj, je vir njihove še vedno tekoče reke kinematografsko zahtevnih, slogovno provokativnih in namerno nevarnih del, ki je še toliko bolj fascinantna ob tej množici tragičnih umetnikov.

41. Skrita trdnjava (1959)

Zloglasna majhna franšiza Vojne zvezd Georgea Lucasa je bila zgrajena na zadnji strani Skrite trdnjave, pri čemer je Novo upanje ukradlo vse, vendar se je rešilo iz te izjemne pustolovske zgodbe. Škoda je videti, da se je ta 'neuradni remake' rešil z umorom, ki je Kurosawo zdrobil pod težo njegovega ogromnega sledenja - kajti Skrita trdnjava je veliko bolj vreden klasični film, kot bi Lucasova serija sploh lahko trdila. Opremljen z vznemirljivo akcijo, smešno karakterizacijo in močnim vizualnim pridihom, ki je navada tudi najbolj vmešanih prizadevanj Akire Kurosawe. Vse to v mislih, zaradi tega ne zamerim Vojne zvezd - samo želim si, da bi bilo Kurosawino briljantno delo opravljeno v isti sapi.

40. Človeško stanje pt 2: Pot v večnost (1960)

V bitki zagrizeni del epske trilogije Masakaija Kobajašija, Pot v večnost služi kot precejšen japonski vojni ep, ki ustreza vsakemu Reševanje vojaka Ryana , če že ne tako nevarno kot nekaj takega kot Sam Fuller Veliki rdeči ali celo Jeklena čelada . Ohranja neurejeno etično obsedenost Človeško stanje 1. del: Brez večje ljubezni a jo je uspel nadgraditi z visceralnimi bojnimi izkušnjami in zmernim, doslednim pristopom do svojih značajev, kar poudarjata njihovo življenje in smrt v smrtonosnem delu človeške zgodovine. Kot pri vsakem nadaljevalnem segmentu Človeško stanje se vedno bolj približuje doseganju svojega soimenjaka, medtem ko 2. del te ambicije ne uresničuje - vsaj poskuša. Več kot lahko rečemo za večino katerega koli filma tistega časa.

39. Herojsko čistilišče (1970)

Takoj nerazumljivo, ekspresivno in vizualno zmedeno: Herojska čistilnica je popoln primer za izjemno filmografijo Yoshishige Yoshida-e. Njegova čudovito tuja estetika je pogosto dezorientirajoča - vsak posnetek upogiba naš odnos s prostorom, vsak odrezan čas fragmentacije ni drugačen od frenetičnega spomina Alaina Resnaisa, ki ga navdihuje spomin - in iskreno naredi zgodbo Herojska čistilnica še posebej resnično težko slediti in razumeti. Njegova razdrobljena tehnika pripovedovanja zgodb še bolj obremeni željo manj odprtega občinstva po popolnoma kohezivni pripovedni izkušnji - toda nedoločljivi užitki, ki ležijo v Yoshidinem zvitem svetu, izpolnjujejo njihov precedens pred tesno strukturiranimi zgodbami. Opisati Herojska čistilnica bi bilo nemogoče. Če ga ne bi priporočali zgolj zaradi lastne nemogoče, bi bilo zločin.

38. Nameri umora (1964)

Mračni triptih Shoheija Imamure iz leta Prašiči in bojne ladje, Namere umora in Pornografi dosegla svojo nesporno vrhovno mrtvo točko s filmom, ki z nevarnimi podrobnostmi opazuje stisko ženske, ki se spogleduje med ponižujočim odnosom z možem in prizadeto afero s svojim posiljevalcem. Prvo srečanje slednjega in prizor, ki mu neposredno sledi, sta čudovito jedrnata primera, kako lahko so vzvišeno grdi imamurini svetovi - in kako lahko človeški stik njegove like pogosto privede do skrajnosti, ki bi jih mnogi skušali diskreditirati kot nesprejemljive. V resnici, Nameri umora kruta, a poštena študija zatiranja in nekaj bolne svobode skozi telesno izražanje uspe prikazati prav tako natančen portret vsakega izmed nas v enaki situaciji kot njegovi najboljši filmi.

37. Atentat (1964)

Leta 1964 je Masahiro Shinoda v dvojni izdaji predvidoma videl dva najfinejša filma, ki jih je država doslej že posnela, slednji pa Atentat . Svetel primer udobja v merilu, Atentat tka tematsko neambiciozno dramo, ki iz svoje preproste zgodbe črpa dovolj, da jo lahko gledamo med drobnejšimi filmi na tem seznamu: Tako čudovito osvetljeni in fotografirani kot kateri koli film sredi 60-ih z akcijo, ki je tako natančna in močna, kot bi pričakovali od hlevov Shinoda. Podcenjena je oponašanje duševnega stanja, saj se divje govorice o tarči vsepovsod utihnejo in utišajo iz pripovedi, ki se razplamti v trenutkih nepredvidljive nerazumljivosti - hitro preklopi iz resničnosti v preteklost, tako da občinstvo in več zaskrbljenih skupin potencialnih morilci na robu britev zmagovite zmage in zagotovo smrtonosnega poraza.

36. Goli otok (1960)

Stoični pregled mirnega podeželskega življenja Kaneta Shinda Goli otok skorajda ne vsebuje govorjenega dialoga - fokus se v celoti preusmeri na njegove slike, da pove svojo zgodbo ali, natančneje, ustvari svoj _čutek_. Shindoov ikonoklastični pristop k snemanju filmov vodi do nekaj čudovito odmevnih slik skozi njegovo filmografijo, medtem ko slike Onibabe in Kuroneka izboljšujejo svojo pripoved v majhnih žepih vizualnega navdiha - Goli otok je 96 minut bistvene fotografije. Skupaj se tka tako, da bi Bergman zardel, gojil razpoloženje in mu omogočil, da je razcvetel v nekaj univerzalnega in prizadetega. Mir in stiska, s katero se Kanetova majhna družina otočanov srečuje vsak dan, skoraj kot nenavadno optimistična inverza Torinskega konja Béle Tarr. Kar ji primanjkuje v močni moči tega filma, se Shindo namesto tega razvije v ritualno praznovanje človeške vzdržljivosti in naravne lepote, ki jo lahko dobi tak trud. Ljubko, razsvetljujoče in nemogoče absorbira malo izkušenj.

35. Znamka za ubijanje (1967)

Če bi zgoraj omenjeni Sejiun Suzuki svoj stilski vrhunec dosegel z letoma 1966 Tokio Drifter , film, ki so ga njegovi producenti tako obsodili, da so njegove nadaljnje slike preklenili, da so strožji proračuni, in izčrpali vsako možnost, da je uporabil barvo, nato Blagovna znamka Kill bi postal njegov ustvarjalni zenit in popoln primer umetnosti skozi stisko. Človeški električni magnum opus, Blagovna znamka Kill sledi pogodbenemu morilcu, ki poskuša ponazoriti še bolj smrtonosnega atentatorja, medtem ko se prebija skozi legije goonov in romanco strele. Za vedno oster, ne da bi pri tem izgubil pesek, poskusno seže na dramatično ambiciozno ozemlje in kljub temu uspe spakirati nastavitve, polne brezličnih hudobcev, da bo naš antijunak v množicah streljal. Blagovna znamka Kill’s slog, ki še vedno uspeva iskati smisel, ne glede na rezultat, je tisto, kar ga označuje nad preostalim delom.

34. Meč pogube (1966)

Elegantni pilot akcijskega maestra Kihachi Okamoto za žalostno odpovedano trilogijo The Sword of Doom je vrhunska kinematografska katarza. Gre za strokovno koreografiran prikaz divjega mačevanja, ko se vodilna legenda Tatsuya Nakadai sooči s Toshirom Mifunejem in neskončno množico brezimnih bedakov, ki so vsi hudičevo pokazali, kako smrtonosno je lahko naslovno orožje. Desetine padejo pred rezilom, predvsem v veličastno nepremišljeni nerešeni zadnji sceni filma, in čeprav je predanost pripovedovanju zgodb in značajem v najboljšem primeru tangencialna - vzdušje in režiserska bravura vseskozi reši, da bi postala samo še en kolut z akcijskimi poudarki. Vredno je pogledati do grenkega, krvavega konca.

33. Hausu (1977)

Čuden film je tako visok kompliment, kot da nekdo ostane čuden. Številni med nami so poimenovali nekaj čudnega, ker smo neobveščeni - le da bi ugotovili, da naj bi nenavadnost bledela v primerjavi s kasnejšimi kinematografskimi odkritji. Takšna je pot naše poti skozi film - prav tako pa to zelo dolgotrajen način Hausu je popolnoma mentalno. Nenehno ga vznemirjajo včasih navdihnjeni, pogosto naribani, a vedno nori rezultati v ozadju in napolnjeni s prizori šolark, ki se borijo z obsedenimi lubenicami, pojedo jih klavirji morilci in uidejo grozljivemu fantomskemu mačjem peklu, ki je nagnjen k prekletstvu vsake duše, ki prestopi prag. V bistvu je Ju-On toda s samozavedanjem in vrtoglavo kreativnostjo, da gremo povsem do sloga - brez zgodbe o mitovih v ozadju, ki tako pogosto preganja hišne zgodbe z absolutno predanostjo vrtoglavi umetnosti. Nastala izkušnja je čudovita plavž zabave.

32. Ikiru (1951)

Veliko razglašeni portret starosti Akire Kurosawe, Ikiru teče kot vztrajna vzporednica z Ozujevim lastnim delom na ljudeh v zimskih letih - izgubil je svojo minimalistično smer za Kurosawovo bolj neposredno in intenzivno delo. Rezultat je velik: nekaj prizorov se liže s kinetičnimi povratnimi informacijami izključno z močjo njihovih slik in tišino ali zvokom, ki jih spremlja. Mislim, da Kurosawin glas prispeva malo novega k izjemno močnemu kinematografskemu kanuju o staranju in na splošno ne doseže razodetnih višin Divje jagode ali Življenje in smrt polkovnika Blimpa kljub njihovemu primerjalnemu pomanjkanju kinematografske neposrednosti - vendar nič od tega ne zmanjša osupljivega odmeva AK-jevega dela tukaj.

31. Slepa zver (1969)

Neprimerljivo raziskovanje čutnosti in fizičnega bistva, Slepa zver sledi razmerju med slepcem in žensko, ki jo ujame, ujeto v delovno oblikovanem labirintu, preprogah v skulpturah človeške oblike - s stenami, pokritimi z očmi in ustnicami, medtem ko je tla mrežasto prepleteno z zapletom udov. Gre za nadrealnost in zanimivo izhodišče, ki ni okno v nobeno resnično gosto tematsko podlago, čeprav režiserju Yasuzu Masumuri uspe odnos zunaj poželenja in hrepenenja veliko boljši od doslednega roba neuspeha, ki ga Nagisa Oshima tako pogosto zdrsne in nareže. Za bolj kontemplativne prispevke o spolnosti je Yoshishige Yoshida bistveni umetnik, vendar bi bilo zanikanje povsem edinstvene Masumurine vizije tukaj kaznivo - ne glede na to, da mu manjka. Namesto tega svoj film napolni s čudovitimi scenografijami in bolečimi občutki, ki krepijo junake. Na stilnem področju Slepa zver absolutno naraste.

30. Človeško stanje pt 3: Vojaška molitev (1961)

Masakai Kobayashi uničujoče močan zaključek svoje deseturne trilogije, Človeško stanje 3. del: Vojaška molitev služi kot vrhunec vsega, kar je Kobayashi vseskozi razvijal, enaki deli so vplivni in preobremenjeni - kot pri drugih delih. Škoda, da serija nikoli ni premagala šepave dolžine knjige in niti prisilnega humanizma, ki lahko občasno ustavi sicer močno obliko režiserja: vendar brez teh motečih trenutkov ne bi nikoli dobili nadarjene zbirke lepo realiziranih prizori, ki bi lahko sami naredili mojstrovino. Molitev vojaka ni nič bolj občutljiv od svojih predhodnikov - vendar ta občutek konca visi nad delom Kobayashija kot utrujena zarja, ki si želi nov dan vzeti s prenovljeno zalogo japonske filmske industrije. Tako visok triumf epske kinematografije kot, še pomembneje, zadnji korak skozi vrata slave, ki je Kobajašiju v naslednjem desetletju omogočil bogato umetniško svobodo. Rezultat je, kot bomo videli, več kot vreden nekaj ur vadbe & hellip;

29. Dvojni samomor (1969)

Zaskrbljujoče grozljivo raziskovanje ustvarjalnega procesa, Dvojni samomor vidi leseno lutkovno igro, uprizorjeno z namenom, da se oba konca oživita - s senčnimi figurami, ki krožijo po odrih, da bi napredovali v svoji lažni pripovedi. Grozljivo grozljiva zgodba, ko fasada pade in njeni košmarni lutkarji natančno določijo svoje naslednje poteze - pogosto spreminjajo komplete v povezavi s premično kamero Masahira Shinode, da tvorijo strašno zvit občutek za prostor. Zunaj svoje večplastne umetniške naprave je zaplet Dvojni samomor je razmeroma običajen in ne najde nobenega temeljnega temelja - toda to je morda tisto, kar zagotavlja njegov uspeh: Shinoda skrbno preiskuje svoj ustvarjalni blok, ko se radovedne demonske roke vlečejo za robove njegove vizije, da bi bila bolj natančna - pa tudi iztiri namere v celoti. Naj gre za predstavitev njegovih notranjih bojev ali delovne sile, ki jo direktor ne uspe uskladiti - dvojna domišljavost Dvojni samomor presega svojo povprečno bajko za kinematografsko izkušnjo, ki si zasluži 50 najboljših in več kot zgled ogromnih talentov Masahira Shinode kot filmskega ustvarjalca.

28. Prstan (1998)

Medtem ko je nekoliko podobno Ju-On se zaduši pod napetostjo svojega praznega tedija, Ringu ’s praznina je njegovo najbolj smrtonosno orožje. Prodirajoče morje tišine režiserja Hidea Nakate prežema in vdre v vsako sceno, ki prihaja, in poudari vsak hrup z večjo intenzivnostjo osebe, ki jo spodbuja strah, ki pulsira z adrenalinom - ne glede na to, kako prizoren je. In tako ustrezni števci zvoka, kot je zvonjenje telefona, je v tišini brezkompromisno divje. Pred njim ni rešitve Prstan v katerem koli kotu misli. Ne glede na to, kam ste tekli - takoj, ko boste zadeli igro, samo podaljšate neizogibno. Navsezadnje, kaj bi lahko bilo bolj grozljivo kot smrt, ki jo potrjuje naša lastna neizogibna radovednost?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo Kuroneko se počuti kot mehurček fatamorgana kompozitov grozljivih filmov, raztresenih skupaj za popolnoma demonsko vizijo absolutne nočne more. Kompleksna moralna dilema, ki tli pod površjem, je nov pogled na tiste neustavljive žgane pijače, ki jih japonski mediji groze že od začetka financirajo - kovanje notranje pripovedi, ki premaga grobost prejšnjih Shinodinih Onibaba oblikovati nekaj posebnega. To je zapeljivo posneto, estetsko privlačno delo, ki z izrazito sočutnim očesom premosti prepad med resničnostjo in zloveščimi domišljijami - kljub napihanim besom svojih subjektov. Ne samo dokončni J-Horror film, ampak tudi klasika svetovne drame v poznih šestdesetih.

26. Spirited Away (2001)

Na poti animacije je malo, s čimer se lahko v celoti kosa Duhovno stran , vsaj v ustvarjalnem smislu. Film je preobremenjen z osupljivim morjem edinstvenih oblik in nepozabno oblikovanih likov, ki se vsi premikajo in govorijo tako ekspresivno kot voditelji. Podrobno vesolje, ki ga je Hayo Miyazaki uspel izdelati, po mojem mnenju močno odtehta značilno čudno pripovedovanje zgodb in tempo njegovega dela - nič drugače od Akira v tem, da v naključnih presledkih poskakuje naprej in nazaj, da bi izvlekel material, vreden drugega dejanja; čeprav brezvezna nevarnost Duhovno stran se znajde, vsaj nam omogoča, da se nekoliko dlje vpijemo v njegove živahne stvaritve.

25. Smrt zaradi obešanja (1968)

Na tem seznamu sem ustrelil drobne majhne pripombe priznani režiserki Nagisi Oshimi in razumem infantnost takšne drže: Ampak to počnem le zato, ker je ta resnično nadarjeni filmski ustvarjalec tako pogosto utopljen v obsesivno preveč seksualni produkciji. Primerljivo konfliktni niz zgodnjih del Imamure je učinkovit v svojih temeljnih komentarjih o človeških čustvih - toda pri Oshimi je tako malo prepuščenega domišljiji, da začnem verjeti, da za sabo ni nič frustrirajoče neuspešnega dela. To se pravi, z izjemo briljantno bizarne smrti obesanja iz leta 1968. Zgodba o usmrčenem človeku, ki noče umreti, Oshima s svojo bedno, a kljub temu pronicljivo lečo izpostavi množico družbenih vprašanj, vladnih neuspehov in človeških izrazov - vse skupaj zavito v nenehno smešno farsično komedijo z samozavestnim filmskim ustvarjalcem tako pogosto umazan, kot se je Oshima prej zdela tako oddaljena. Ne prej ne od takrat mu ni uspelo ujemati tega navdihnjenega strela v smrtno kazen, kar je sramota - vendar smo ga vsaj enkrat videli, kako se povzpne.

24. Ubežnik iz preteklosti (1965)

Tomu Uchida Ubežnik iz preteklosti je, z eno besedo: izjemno. Preživeli filmi njegovega dovolj kompetentnega režiserja so preprosto neprimerljivi z razstavljenim delom, ki govori o nekakšni nenavadni streli v steklenici, saj je Uchida dobila nadvse pravo zgodbo, da je izpolnil svojo umetniško obljubo. Ubežnik iz preteklosti gleda na nasilje in samozadovoljevanje žalosti na način, ki ga le nekaj filmov lahko meri tako proti pesku časa, ko se spušča, in več likov se približa božanskemu povračilu našemu protagonistu - edinstveno zahteven lik, ki se ukorenini za ali proti kot poskuša pobegniti od krvave poti nasilja, ki jo je v zgodnjih letih prerezal Japonsko. To ugotavljam Ubežnik iz preteklosti je tako izjemno močan in morda celo globok v svoji resoluciji, da ne bi smel reči nič drugega kot seveda, da ga čim prej vidim.

23. Pitfall (1962)

Osupljiv celovečerni prvenec Hiroshija Teshigahare, Pasti meša žanre z samozavestjo in natančnostjo ostarelega mojstra, še manj režiserja, ki je doslej le še vodil dokumentarne filme. Medtem ko se nekoliko trudi, da bi bila njegova zgodba prepričljiva celih 97 minut - kaj Pasti ponudba odtehta morebitna vprašanja s svojo narativno izvedbo. Poigravanje z našim dojemanjem resničnosti z mešanjem morilcev, fantomov in nadrealističnih podob - Pasti je pogosto grozljiv, saj številni njegovi znaki obupno poskušajo ubraniti svojega neustavljivega napadalca: normalen moški, oblečen v belo obleko, ki maha s stikalom. Človečnost Teshigaharinega grozljivega morilca deluje kot prvi izmed mnogih družbenih komentarjev, ki jih njegova dela naredijo samo na podobo - nikoli ne žrtvuje časa ali verodostojnosti, da bi potisnil točko domov. Ker ni levičarske nagnjenosti, Pasti ohranja svojo moč kot grozljivo kinematografsko doživetje: vsebuje nekaj šokantnih prizorov, ki govorijo o jasnosti in obrti Teshigaharine metode, ko celo najbolj edinstvene trenutke vbrizga v široko paleto čustev, ki tako svobodno plešejo med seboj - preobrazba iz humorja v grozo v srčni utrip. Le malo prvencev se je tako natančno zavedalo karierne poti svojega mojstra.

22. Tokio Somrak (1957)

Zadnji črno-beli film Yasujirōja Ozuja, Tokio Somrak cestnine tako kot kontekstualna elegija človekovih monokromatskih izletov kot tudi morda njegova najbolj mračna lastnost. Ozuov opazen odmik od lastnega 360-stopinjskega pravila, namesto da bi sedel za liki, njihovi mračni obrazi, nadomeščeni z nadvse prazno, hladno glavo las, je mojsterni odmik od njegove značilne blokade in sestave za daleč bolj bleščečo afero - ena odraz njegovega nepopustljiva stiska ključnih igralcev. Tokio Somrak prevzame namige hollywoodskega noira s svojimi dolgotrajnimi sencami in blatnimi, nepopolnimi odri, da ustvari vsesplošno neprizanesljiv, končno brezpredmeten kinematografski svet, ki v svojih mračnih čustvenih vzporednicah vpliva na našo družbo, namesto nesorazmerne distopije, ki bi s časom zagotovo izgubila svoj lesk. Izjemen, zelo podcenjen dragulj.

21. Eureka (2000)

Najdaljši posamezni film na tem seznamu, S's Eureka se razteza za s- in zdi se mi, da bi bilo odpustljivo razkriti katero koli od njenih zapletnih črt. Tudi za najbogatejše leto v zadnjem kinematografskem spominu, Eureka se še vedno uvršča med najboljše posnetke leta 2000 in celo desetletja kot celote: slovesno, vizualno presenetljivo in edinstveno & hellip; Japonski portret žalosti. Samo v takšni državi bi se lahko taka treznost in prizadetost melanholije povezala s taktilnim tokom humorja, rahločutnosti in nenamerno dobrodošlega absurdizma - vse to vpleteno v napihnjeno tapiserijo človeških čustev, ki jo je preprosto videti. Ne berite nobenega povzetka - Ne glejte v to - Samo poglejte Eureka .

20. Maščevanje je moje (1979)

Režiser Shohei Imamura je izjemna figura nespodobne kinematografije. Njegovi temni, poškodovani liki in konfrontacijsko nabita situacija artikulirajo nesramno fascinacijo nad pokvarljivostjo človeške duše. Vengeance is Mine prenaša poročilo Ryūzūo Sakija o resničnem serijskem morilcu Akiri Nishiguchi z grozljivo prefinjenostjo: predstavlja globoko nasilno, sociopatično in hkrati nedvomno resnično človeško bitje z vsemi našimi idiosinkrazijami, ki mu gnezdijo amoralno uničenje. Imamurin tempo se sicer resda spopada s tokom, toda ugotavljam, da v tem primeru zgodba upravičuje daljše izvajanje in na koncu prinese edinstveno metafizično razrešitev tako brutalnega dela, ki zahteva veter in zemljo izrekli svojo zadnjo sodbo.

19. Yojimbo (1961)

Na področjih akcijske kinematografije so nam majhni utrinki povsem všeč Yojimbo . Kurosawina prisrčna uporaba lajtmotiva je vzmet v koraku njegovih likov in deluje tako pri napetosti v šotorih kot tudi pri vseh Morriconejevih partiturah. Ostre akcijske sekvence nekoliko popustijo zaradi slabega zvočnega oblikovanja in spoštovanja javnega škripanja - nekaj utripa kot Meč pogube in Atentat nimajo težav, toda to, kar daje v zameno, je nenehno komično gledanje na podlagi Red Harvest-Mifune, ki se izkaže za klasično predstavo, ki se širi s fizično osebnostjo in duhovitostjo in deluje kot temelj za verjetno najboljše naravnost kdajkoli posnet akcijski film.

18. Avdicija (1999)

Avdicija je film z vročinsko natančnim nadzorom lastnega tona. Sicer zadeti in zgrešeni Takashi Miike si je ustvaril ime na plodni, občasno plodni karieri, ki je dala življenje temeljnim klasikam, kot je Obiskovalec Q in Oko - a malo o njegovem režiserskem slogu navzven izraža samozavest in akutno spretnost, ki sta potrebna, da se izpelje nekaj tako drznega zvito kot Avdicija . Daleč bolj zrel od katerega koli njegovega dela v okolici, Miikejev opus z brutalno učinkovito raziskuje preprosto premiso: vsak nežen trenutek obarva s čudovito mračno paleto in srhljivim korakom, ki vsako sceno na robu britvice nekaj grozljivo zapravi. Avdicija predstavlja očarljiv vrhunec tistega neskončno občudovanja vrednega japonskega udobja z žanrskim snemanjem filmov: razkrije svojo kristalno čisto enigmo do transcendentalno šokantnega učinka. Videti pomeni verjeti.

17. Ran (1985)

Kurosawina najbolj znana Shakespearejeva priredba - če se mi v mislih preda preveč prostora za svoj navdih. King Lear je brezhiben spis, toda na zaslonu zaostaja za počasno brušenjem, ki mu ne uspe povrniti osupljivega občutka v prvih 85 minutah. Od začetka do neznansko globokega zaporedja obleganja - Ran je mojstrovina: kos filmske umetnosti, ki mu ni para v več kot impresivnem opusu Kurosawe - in nedvomno obutev za Top 10. Toda po tem mojstrsko obdelanem kopičenju in izplačilu Kurosawa nadaljuje zgodbo o kralju Learu na način, ki pronica skupaj dolgočasno-brezvoljna in ravna kljub prizadevanjem odlično odigrane zlobnice Lady Kaede. Resnično škoda Ran v mojih mislih zapravlja toliko potenciala na zvestobo - a vsaj žarilni plamen prvega polčasa gori dovolj močan, da si je zagotovil mesto med prvih 20.

16. Princesa Mononoke (1997)

Temna fantazijska privlačnost Hayo Miyazaki še nikoli ni bila posebej zapletena. Vsak film s sporočilom ga navadno ne uspe prenašati na prefinjen način in kot je tako lepo rekel Orson Welles: 'Lahko bi ga napisali na glavi žebljička'. Topo in očitno sporočilo Princesa Mononoke vendar v srcu nekoliko bolj resnično zazvoni kot v mislih. Miyazakijeva skrbno zgrajena ločnica med moškimi in pošasti vodi v fascinantno primerjavo s tem, kako so stari videli naš svet - in kako bi neizbežni propad njihovih civilizacij nekega dne lahko zrcalil našega. Mistika in mističnost njegovih likov je jedro, ki omogoča Mononoke preseči tradicionalno neustrezne pasti filmskih sporočil - brez besed vstaviti njegovo vseprisotno vrstico, vsako dejanje ji daje gravitacijo in s tem krepi kinematografski vpliv tistega, kar je na zaslonu. Razstavljeni vzajemni odnos govori o globokem talentu Haya Miyazakija kot režiserja in da je njegovo delo več kot le bleščeča ustvarjalnost.

15. Jesensko popoldne (1962)

Mislim, da moram komentirati Jesensko popoldne , bi izgubljal sapo, ki sem jo že porabil za raziskovanje filma, ki ga je Ozu posnel več kot desetletje pred tem in ga tukaj učinkovito predelal v svoj zadnji film. Jesensko popoldne je ravno tako elegično, subtilno in melanholično - uspeti razviti več konceptov, predstavljenih v prvem filmu, in jih razširiti. Od nekaterih elementov izvirnika se oddalji, da se osredotoči na druge ideje - kar omogoča redko priložnost, da velik umetnik zatakne podobne globine v isti kalup. Ozu bi preživel vso svojo kariero, snemajoč zelo podobne filme, kljub temu pa bi vsakič uspel izkopati nova področja človeške interakcije in ustvariti nekaj največjih filmov, ki so jih kdajkoli posneli. Če je pustil tako častitljivo zapuščino, je človek lahko svoj tek končal, kakor je hotel. Jesensko popoldne je popolnoma blizu njegovega lesketajočega se opusa.

14. Prestol krvi (1957)

Mojstrsko prilagajanje, če ga je kdaj bilo , Prestol krvi vzame Shakespearovega neprimerljivega Macbetha in oblikuje umetniško besedilo, ki stoji samostojno. Nadzorovano, uničujoče človeško spuščanje v morilsko norost Toshira Mifuneja ostaja ena najboljših človekovih vlog - in sam Kurosawa svoj film zaznamuje z izjemnimi podobami, ki skorajda niso na mestu z režiserjem, ločenim od centralizirane ikonoklastične prakse. Vendar je to podoba Prestol krvi zaradi česar je tako masiven. Tako navdušujoče in nadnaravno. Klimaktični napad vidi enega najlepših zaključkov o likih, ki so jih kdajkoli posneli, in ga cementira kot umetniško delo, ki nekako v celoti zaobide impozantno senco svoje matične igre.

13. Tokio zgodba (1953)

Ko že govorimo o znamenitostih iz petdesetih let, je malo filmov, ki tako neizprosno vodijo vaše želje filmskega ustvarjalca kot Tokio zgodba . Svetleč vrhunec brezhibne filmografije Yasujirō Ozuja, vedno v najboljšem primeru, je film, ki izvaja razorožujoče preprost kinematografski jezik za doseganje prodornih, intimnih učinkov. Občinstvo se usede z liki - tihi voajerji do družine, ki počasi zapira iz svojega življenja postopno ponižujočo se starejšo generacijo. Ozu dovoli glas vsem svojim likom, sestavi elegantne in vplivne trenutke razodetja in samo 136 minut premika kamero. Objektivnega 'največjega' ali celo 'odličnega' filma ni, toda tistim, ki se odločate, kaj boste gledali na podlagi takšnih spletnih mest, moram dodati, da Tokio zgodba je NAJ najvišje ocenjeno delo na temo Rotten Tomatoes z neverjetnim povprečjem 9,7. Dovolj je bilo reči, da se je potrpežljiv, refleksiven pogled na življenje in starost marsikoga neizmerno dotaknil - in vsem, ki berejo ta seznam, zagotavlja, da si ga lahko privošči.

12. Požari na ravnici (1959)

Iz Kon Ichikawe, verjetno najbolj prepričljive humanistične osebnosti povojne japonske kinematografije, Požari na ravnici pripoveduje zgodbo o enem človeku, izgubljenem med izgubljeno bitko v vročini 2. svetovne vojne. To je film, pogumen v svoji osamljenosti, ki prikazuje vojne razmere v prosti pokrajini brez življenja in poln praznine strahu, vsak vogal pa nosi drugo odisejsko figuro, ki naj bi spremljala ali uničila našega preperelega junaka. Tako kot pri Homerjevi epski pesmi tudi Ichikawin dojem nad širšo sliko ustvarja gosto čustven svet, v katerem je naš junak košček sestavljanke, ki ga generali premikajo in motivirajo daleč od prvih črt. To je film, ki diši v svoji izolaciji, pogreša dom in ga grozljivka preživetja privede do nemoralnih dejanj. Mojstrsko delo čudne, a kljub temu vitalne osebnosti v industriji v petdesetih letih prejšnjega stoletja.

11. Samurajski upor (1967)

Ključna moč drame Masakaija Kobajašija je ta, da ji dovoli, da skoraj vre do napake. Njegove natančne skladbe in brezhibno časovno določene akcije krožijo vse tesneje in tesneje po osrednjem konfliktu - stisnejo vsak centimeter dihalne sobe, dokler ne ostane le še potreba, da deluje kot osnovno sredstvo za vedno prisotne ideale morale njegovih likov. V Samurajski upor , samo dejanje je na dosegu roke tudi ob branju naslova, vendar ga človek za vsako drugo brenčanje občinstva igra z drobnimi pikami do prvega meča, preden se končno razreši v grenki, brutalni in končno krvavi zadevi, ki se nadaljuje z nesramnimi rigor Kobayashi tako dobro ponese: neprimerljivo sposobnost tako konstruiranja končne neizogibnosti situacije njegovih likov kot tudi sočutja z njimi na vsakem koraku. V samurajskem uporu ta selektivni humanizem doseže najbolj vznemirljive višine - in se poroči s kariernim vrhuncem enega največjih japonskih umetnikov.

10. Eros + pokol (1969)

Od vseh režiserjev novega vala, ki so sinonim za psihoseksualnost, se še noben ni ujemal z vznemirljivo zagotovljenim labirintom hudičeve ustvarjalnosti Yoshishige Yoshida. Nasprotno pa Oshima in Imamura zgolj tarnata pri istih temah, ena bolj prepričljivo kot druga, le Kiju je uspelo prebiti bistvo njunega eksistencialnega razmišljanja s tako osupljivo kinematografsko bravado. Ne, kje je to očarljivo obvladovanje psihoseksualne pripovedi in estetike, ki jo prikliče, bolj kot v Eros + pokol , Yoshidina epska 215-minutna prispodoba o avantgardisti, nerazumljiva evforija vida, zvoka in otipljivega dotika ...

9. Moj sosed Totoro (1988)

Utripajoč s čarobnostjo otroštva, Moj sosed Totoro je brezmejno radosten film. Končno sem ga odkril šele pri 18 letih, vendar me je neverjetna lepota in sposobnost čudenja spet povabila v mlajši um - ali morda le manj ciničen. Velikokratno breme človeških izkušenj pušča bodisi zahteven eskapizem bodisi hrepenenje po nenehnem realizmu, toda to, kar Totoro počne, kar ga dvigne nad morda katero koli drugo animirano funkcijo, ki je bila kdajkoli narejena, popolnoma ignorira želje svoje publike in predstavlja zgodbo, ki vam omogoča, da pridete do privlačno s svojo bujno vizualno zasnovo, poskočnimi liki in odkrivanjem skritih zakladov narave ob njenih vodih. Namesto da bi otroku, ki smo ga nekoč bili, nagovarjal, si dovoli, da izkoristi širši občutek pustolovščine in upanja, vloženega v globljo skrivnost našega planeta. Nagrada za takšno vero je lesketajoč se diamant Japonske: svetleč, univerzalno gibljiv in popolnoma najpomembnejši.

8. Obraz drugega (1966)

Mrazna epohalna diagnoza sodobnega življenja s tiho izurjenim križiščem temne domišljije Obraz drugega raziskuje izkušnje iznakaženega človeka, potem ko njegov čudežni novi obraz začne preplavljati njegovo staro osebnost. Teshigaharino delo je vedno dovolj niansirano, da se prikaže na razdalji roke, medtem ko tiho drhti s kostnimi prsti in njegova mojstrovina iz leta 1966 je najbližje razkritju njegove resnične narave: prinesti režiserjeve zlovešče skladbe in močne grozljive podobe naravnost v metropolo in pogled v njegovo urbano brezno z enako ločeno vizijo, ki je desetletje pozneje tako živo oživelo Travisa Bickleja v Taksistu. Delo, s katerim lahko istega leta tekmujete s Persono in Eklipse Sekunde zaradi izzivalnega izzivanja želje, osebnosti in identitete - Obraz drugega je bistvenega pomena: kinematografski triumf metode in dela Teshigahare, ki je tako tesno navit v svoji brezhibni idej in vzdušja bi bilo razkritje kakršnih koli njegovih skrivnosti zločinsko. Prepričajte se sami ...

7. Rašomon (1950)

Eden mojih osebnih vrat v svetovni kino, Akira Kurosawa Rašomon je postala tako sestavna del kinematografske kulture, da je bila v jezik uvedena, da bi opisala psihološki učinek, ki ga imajo njegovi liki: vsak od njih daje nasprotujoče si priče o grozljivem posilstvu / umoru. Kurosawina vitalnost je na ogled, pionirske tehnike kamer, kot je streljanje neposredno v sonce in zakrivanje skozi nered listja, tako da je bil vsak prizor v gozdu enako abstrahiran kot njegov sogovornik na sodišču. Enostavnost razorožitve Rashomon's neustavljiv zaplet kljuke odpira prostor za komentarje človeške resnice, morale in bogato kinematografsko izkušnjo s slavnimi Kurosawinimi prikazi besnega mečevanja. K dialogu, ki ga obdaja Rashomon, lahko le kaj dodate, razen da se še vedno počuti desetletja pred svojim časom. Lahko si samo predstavljamo občutek, da bomo to videli že leta 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri je približno tako močan kot filmi. Režiser Masakai Kobayashi se je odprl s približno tako vplivnim posnetkom, kot si lahko predstavljamo, fenomen, ki ostaja eden najbolj splošno cenjenih filmov vseh časov: uvrstitev med najboljše filme na veliki večini uporabniških strani kljub temu, kar sem imel najprej domneva, da se pritožba zmanjšuje. Gre za mukotrpno potrpežljivo, hudomušno navdihnjeno raziskovanje japonskega kodeksa časti - še vedno raneče rane v povojni 1962, ki ji Kobayashi pristopa ne le kot rojak, ampak kot človek. Vsaka kaplja krvi se je razlila Harakiri govori o umetnikovem mučnem sovraštvu do smrti in nasilja: skoraj tako kot da bi ga bolelo, če bi takšno brutalnost postavil na zaslon. V današnjem svetu je takšna prepričljivo človeška usmeritev božanska - in deluje kot ključni kamen za zaključek filma. Brez predanosti vseh vpletenih, Harakiri bi bil pozabljen kot nova prevarantska drama, tesno oblikovana, sicer pa skromna. Harakiri danes sedi tukaj, ker je Masakai Kobayashi bolj zaskrbljen, kot ste si lahko predstavljali, in mislim, da ga s svojo ostro, blaženo eleganco umešča med največje filme šestdesetih let.

5. Sedem samurajev (1954)

Najbolj odmeven film, ki je kdajkoli prišel z Japonske, je Seven Samurai na medij zažgal neizbrisen pečat in še danes ima korenine v današnjem akcijskem kinu. Vrhunec večkamere, ki ga prežema Kurosawa, ne zasenči preroške globine Ranovega grajskega obleganja, vendar še naprej obvešča o načinu sečenja akcijskih sekvenc, četudi sodobni uredniki morda ne bodo opazili vpliva. Daleč nad njegovo trajno kulturno močjo se skriva prepričljiva karakterizacija sedmih samurajev: Ustvarjanje celotnega sveta bogatih osebnosti, ki mu je Kurosawina natančna razširitev metode izjemno pomagala do najmanjšega dela, da bi bila njegova vizija fevdalne Japonske čim bolj navdušujoča. Ta intrinzično oblikovan lonček mojstrskega dejanja in svetlobnega pripovedovanja zgodb ima za posledico kino, ki vpliva, elektrificira in nam na koncu pusti tako pogumen in močan filmski konec, kot sem ga kdaj videl. Zaslužena sponka na panteonu mednarodne kinematografije.

4. Bled cvet (1964)

Če ne bi bilo le dveh besed, raztresenih na seznam odličnih japonskih filmov, se ime Masahiro Shinoda ne bi prikradlo na razdalji deset metrov od tega seznama. Glede na njegov prispevek k odlični japonski kinematografiji je resnično sramota - in če pomislimo, da se takšnim mojstrovinam raziskave skorajda niso izognili, povemo nekaj o tem, koliko filmov tam zunaj prosi, da bi jih bilo treba ponovno odkriti. Pohvaljen ob izidu in tiho izdan pri Zbirki meril, Bled cvet je eden največjih kriminalnih filmov vseh časov. Preprosto gledanje igralca na srečo in njegove novonastale ljubezni pade v obupno spiralo degradacije in nepristranskosti - ostaja eno najbolj drzno temnih, vizionarskih del, ki uide ustnicam japonskega novega vala: Tistega, ki je od morilcev oster posnamete enega do konca in to prinese enako transcendentalen kinematografski učinek kot vsako manj ekstremno delo Ozuja ali Kurosawe. Shinoda nikoli ne bo veljal za enega velikih, vsaj v širši javnosti - upam pa vsaj, da bodo ljudje odkrito njegovo kinematografijo odkrili iz tega lončka zločinske dovršenosti: Delo tako surovo in okovano kot pretirano stimulirane pretirane kontrakulture in hkrati tako občutljivo in nadzorovano kot kateri koli film, ki sem ga kdajkoli videl. Njegova natančnost, čudež in nevedno podcenjeno. Popravi to.

3. Ženska v sipinah (1964)

Če bi Kiju Yoshida in njegova Eros + pokol je prvak visoko umetniške psihoseksualnosti - potem Hiroshi Teshigahara Ženska v sipinah je v primerjavi s tem mitska. Prenesena iz slavnega izvornega romana dolgoletnega sodelavca Kōbō Abeja, je Teshigahara skoraj zlonamerna metoda tukaj najbolj hudobna in mučno sočutna. Prigušene luči potlačenega človeštva sijejo skozi premikajoč se pesek, ki obkroža naša dva uboga protagonista - ljudi, ki so zaradi ogorčenega preživetja prisiljeni v najbolj prvobitno stanje. Dejansko v Ženska v sipinah , odpornost je predložitev. Nič ni sveto. Nikjer ni varno pred okrutnimi očmi skorajda vseprisotnih vaščanov, ki naše junake obsojajo na svojo peklensko jamo. Gre za popoln koncept, ki ga je Hiroshi Teshigahara filmsko brezhibno izvedel, prav tako pa je ustvaril tisto, za kar bi trdil, da je najučinkovitejša skladba legendarnega skladatelja Toruja Takemitsuja. Zbral tri neverjetno samozavestne umetnike v isti smeri kot De Niro, Scorsese in Schrader v Voznik taksija - Ženska v sipinah je lastna, enakovredna človeška in neizogibno grozljiva zver. Grozljivo, bistveno umetniško delo.

2. Pozna pomlad (1949)

Pozna pomlad je razodetje sodobne monotonosti: izganjanje demonov, ki jih ta kraj in čas zahtevata, ne samo, da so pod ključem, ampak tudi skriti, kot da ne obstajajo. Čeprav boleča želja po izražanju teh grozot ni nikoli popolnoma sproščena, lahko v kotu vsakega očesa zaznamo med besedami vsake vrstice in pogosto tiho brenčimo v središču vsake sobe. In tako za svet, ki je tako površno nasičen z zobatimi nasmehi in nežnimi melodijami - Ozujev Pozna pomlad ima tudi vzdušje popolnega obupa: strah, da nas ne bodo sprejeli - da bi lahko vsak izraz vodil do poraza, zato progo najbolje imenujemo nepreklicno, namesto da bi tvegali in stali sredi poti. Njegov temeljni kamen spopadanja generacij je jedro tega Pozna pomlad skrbno obravnavana drama, vendar mislim, da tukaj, bolj kot katero koli njegovo drugo delo (ali morda kateri koli film, ki ga je ustvarilo desetletje): Ozu je uspelo najti popoln konec. Doseči jasen povzetek svojih tem in občutkov svojih likov ni enostaven podvig, še toliko bolj pa najti trenutek, ki je tako edinstveno razburljiv, kot se je rodil tukaj, in zato predlagam vsem, da se zanesejo v dramsko pisanje, režijo, produkcijo ali samo cinefilne obrestne palice Pozna pomlad na vrhu njihovega seznama za spremljanje. Verjemite mi: postavilo vas bo na tla.

1. Visoko in nizko (1963)

High & Low je po naravi nemogoče kinematografsko podjetje. Razteza se po izmuzljivem elementu s tako konfliktnim jedrom, da se zdi, da ni ničesar najti. Na videz mu primanjkuje niansirane, a kljub temu ogromne moči sedmih samurajev, pa tudi počasnega gorečega pekla, ki divja v mračni tišini ob koncu pozne pomladi. V resnici High & Low mešata oboje: tako poskusno tečeta med vsakdanjimi ljudmi, ker se bojiš, da ne boš naletel na več bolezni, pokvarjenosti in odvisnosti - do večjega pohlepa in ljubosumja ter neusmiljene amoralnosti, ki neskončno curlja za vogalom ulice. To je film, ki ga je strah, kaj vidi v človeškem stanju, nekaj, kar Kurosawa tako očitno boli predvajati na zaslonu - in prav njegov nihajoči tok ustvarjalne samoodganjanja mu zagotavlja častitljiv pomen. High & Low ima drznost, da se postavi do popolne brezupne, banalne okrutnosti, ki se skriva v vseh naših srcih - do tega, kako grd in osupljiv je ves svet v svoji nasičenosti brez duše. Morda bomo, ko se bomo končno obrnili in prepoznali, v tem procesu postali boljši ljudje. Sposoben razumeti, da se je dobro bati, če sprejmete prisotnost nerazložljivega. Nepovratno. Da je na koncu edina tolažba, ki jo boste kdaj našli, odpuščanje. Če se boste trudili gledati kateri koli film s tega seznama: naj bo ta.